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| VISIÓN ORIGINAL | ||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
FRANCISCO TRINIDAD
MALDITOS BASTARDOS
Francia. Segunda Guerra Mundial. Con esto, Tarantino ya tuvo suficiente. Suficiente para crear una historia que mezcla anacronismos con venganza, escenas al estilo spaguetti wenstern con comandos antinazis, cine de propaganda con encuentros de espías. ¿Alguien da más? En el film convergen dos historias; en una de ellas, Shoshanna (Mélanie Laurent), una francesa judía, tras huir de un oficial de la SS, Hans Landa (Christoph Waltz), se establece en París como la dueña de un cine. Después de tres años escondiéndose con una identidad falsa, planea una venganza en contra de todos aquellos que liquidaron a su familia. Para ello, cautiva a Fredrick Zoller (Daniel Brühl), un soldado que se hace famoso por abatir él solo a innumerables enemigos del Reich con ayuda de su metralleta. Protagoniza su propia película, Stolz der Nation, y, animado por Emmanuelle - la falsa identidad de Shoshanna - consigue que el estreno se lleve a cabo en su sala de cine. Por otra parte, se nos presenta el grupo que da nombre a la película, los “Malditos Bastardos”. Capitaneados por el americano Aldo Raine (Brad Pitt), son un equipo que actúa en el territorio nazi atacando a los grupos militares alemanes que se van encontrando. Su fama proviene de la crueldad con la que actúan, ya que, entre otras estrategias poco ortodoxas, siempre dejan a una de sus víctimas con vida para que vaya contando las atrocidades que acabaron con su grupo. Para mayor escarnio, el pobre liberado debe someterse a una de las aficiones favoritas de Aldo: le marca, con su cuchillo de caza, una esvástica en la frente.
Este grupo entra en contacto con Bridget von Hammersmark (Diane Kruger), una bella actriz alemana de mucho éxito que trabaja para los británicos. Con ella, organizan un plan para acabar con todas las personalidades importantes que tengan previsto ir al estreno de la película del soldado Zoller. Así, en el pequeño cine parisino regentado por Shoshanna confluyen los planes de venganza de ella, el grupo de los Malditos Bastardos convenientemente armados y la plana mayor del Partido Nacionalsocialista... incluido el Führer. Esta película, galardonada, entre otros, con el Globo de Oro y Óscar al mejor Actor de Reparto para Christoph Waltz, nos vuelve a demostrar que Tarantino es un verdadero experto en entretener y suscitar polémica. Respecto a lo primero creo que no hay desacuerdo posible, sólo él es capaz de mantener en vilo al respetable con una historia tan inconexa como cuerda, tomando la historia a su antojo para sorpresa general. En cuanto a la polémica, ¿qué película de hoy en día no la tiene? Esta cinta, acusada de ser inexacta por mostrar a judíos tomarse una revancha demasiado violenta, por hacer una caricatura de Hitler y sus acólitos, y por tratar de retorcer la realidad de la Segunda Guerra Mundial, no supo encontrar falta de apoyo en el público, pasando a ser considerada como uno de sus mejores trabajos. Inexacta o no, la realidad es que el film nos narra de manera perfecta una historia de venganza en un tiempo difícil. Francia, apresada por las garras del Nacionalsocialismo, parece encontrar una última esperanza en Le Gamaar, un teatro donde se representa el último acto de una tragedia anunciada. Un cine parisino, donde confluyen tantas historias como esperanzas. Algunas no superarán la prueba, otras quizás alcancen su propósito. Sólo un cine en Paris podría engalanarse para recibir tantos personajes históricos, y sin que acabe Stolz der Nation, marcar el acto final. Y lo más parisino de todo, es que se engalana para correr el telón hasta sobre sí mismo.
DEVDAS
Título original: Devdas.
Bollywood parece no descansar. Imparable en sus producciones, es quizás la única industria cinematográfica capaz de hacer sombra a las letras blancas de Hollywood Hill. Con Devdas, considerada una de las mejores películas de los últimos años en el género, podemos disfrutar de un espectáculo en el que la plasticidad de las leyendas de amor y las coreografías más coloridas nos sumergen de lleno en el mundo hindi. Devdas (Shahrukh Khan) vuelve a su India natal tras diez años de estudios en Londres, y pese a llevar tanto tiempo separado de sus familiares, de su casa y su nación, lo más ansiado en su regreso es el reencuentro con Paro (Aishwarya Rai), su compañera de juegos de la infancia. Tal y como ambos venían sintiendo en la distancia, su amor es un impulso que los arrastra a situaciones incontrolables, hasta que la familia de Devdas, por pertenecer Paro a una clase social inferior a ellos, le obliga explícitamente a abandonar la idea de desposarla. Él, incapaz de afrontar la situación, se refugia en los excesos de la concubina más famosa de la ciudad para ahogar sus penas. Mientras, Paro, debe de aceptar la propuesta de matrimonio que sus padres encuentran, pero... ¿podrá ser su amor la solución a tantos conflictos? La historia se basa en la novela homónima del escritor Sharat Chandra Chattopadhyay, quien cosechó un enorme éxito desde que fue escrita en 1901, y marcó el enorme éxito que luego recogería el film. Como anécdota cabe destacar, que poco después de esta adaptación cinematográfica se filmó una versión más moderna de la historia, esta vez encargando la dirección a Anurag Kashyap y el rol protagonista a Abhay Deol. Pese a ello, esta remake no consiguió quitarle el popular honor de ser el más caro jamás hecho en Bollywood, aunque como siempre, hay quien señala, que el film más prohibitivo de la industria bollywoodiense está aún por hacer. Si bien es cierto que le película puede pecar de poco ocurrente en cuanto a los personajes que nos presentan - no nos falta el galán, la enamorada, la madre consentidora, el padre estricto, la malévola conspiradora...- y la historia de amor entre los protagonistas parece calcar guiones escritos con anterioridad, el film reserva para su final un emocionante desenlace que en comparación con el resto del desarrollo de la historia, es genial fundamentalmente por la rapidez con que acontece. Pese a lo perfectamente retorcido de la trama, los opulentos decorados que hacen perder el sentido de las clases y la recurrencia a gestos perfectamente coreografiados, es digno de mención la capacidad que tiene la cinta para poder introducir al espectador, con una sola nota del sitar, en un mundo donde los colores se mueven con voluntad propia, donde a pesar de no besarse, la sensualidad está a flor de piel y dónde, desgraciadamente, la violencia pasional adquiere a veces un protagonismo inmerecido. Como lo que se puede presuponer para cualquier película made in Bollywood, las extremas historias de amor dan paso con una facilidad absolutamente natural a coreografías grupales que sorprenden no sólo por sus rítmicos vaivenes, si no también por esas voces tan disociativas... Y en la capacidad de convertir lo mundano en fabuloso, lo cruel en pasión, los conflictos en destinos, es donde Bollywood toma toda su fuerza para seguir promocionando paraísos indescifrables. Porque al final, no se echa de menos el beso, al final el sari pasa de tapar a insinuar demasiado y para todos aquellos que nos gustaría poder creer que existe algún lugar, donde los colores gobiernen la realidad, siempre podemos recurrir a los mágicos tintineos de tobilleras que nos llegan desde la exótica India.
AYER, HOY Y MAÑANA Francisco Trinidad
Título original: Ieri, oggi, domani Vittorio de Sica, antes de marcar un hito en el cine italiano con Matrimonio a la italiana, recurrió a la ayuda de la eterna Sophia Loren y su perfecto compañero, Marcello Mastroianni, para culminar su obra Ieri, oggi e domani. La película se divide en tres historias que tratan de hacer un retrato de tres estereotipos de mujer italiana. Como hilo conductor de todos, Loren toma el rol principal, para conseguir, desde hacer reír al espectador, hasta subir la temperatura de la sala. En la primera historia –escrita por Eduardo De Filippo- se presenta a Adelina, una mujer dedicada a vender tabaco ilegalmente por las calles de Nápoles. Para evitar ser ingresada en prisión, recurre a quedarse embarazada cada 15 meses. Su marido, sin trabajo, acepta tan extraña estrategia, pero tras ocho hijos se enfrenta a su mujer para evitar que la situación continúe así. De mano de Anna, la mujer de un adinerado hombre de negocios, De Sica nos introduce en el mundo de una mujer, que pese a disponer de todas las atenciones materiales, se lanza a la seducción de un joven periodista, tratando de buscar uN escape en su desafortunada vida. De las tres, quizás sea la menos sorprendente, pero sin lugar a dudas, Alberto Moravia, deja para su final una inesperada sorpresa.
Como bien se dice en inglés, last but not least, De Sica deja quizás para el final, el más memorable de los relatos. En este caso, por obra de Cesare Zavattini podemos disfrutar de las extravagantes andaduras de Mara, una seductora prostituta, que sin querer, hace que el nieto de su vecina quiera dejar el seminario para poder estar juntos. Ella, desesperada, hace un pacto con Dios, por el cual ella se compromete a no mantener relaciones durante una semana, si él consigue devolverle su vocación. Colateralmente, el que más sufre por este pacto es Mastroianni, que interpreta a uno de los clientes de Mara. El legado más importante de esta parte resulta ser, sin duda, el strip-tease que Sophia le dedica a Mastroianni, sacando a relucir todos los encantos de una mujer italiana, convencida de su atractivo y que disfruta sabiendo del efecto que sus movimientos tienen en los que la miran atónitos. Da igual que sea una vendedora con excéntricas ideas para evitar la cárcel, una adinerada mujer deseosa de sentirse amada, o una meretriz que en el fondo guarda un corazón de oro: no sólo los hombres que les rodean caen doblegados ante sus deseos, si no además consiguen, que independientemente cuando veamos la película, siempre se nos antoje un cigarro por la calle, un paseo inacabable o simplemente, asomarnos por la ventana para saber quién está en el patio de al lado. Gracias a todas esas situaciones que parece a priori quizás demasiado extremas y manidas, podemos dejarnos llevar e introducirnos de lleno en la Italia más seductora, la que convierte a las mujeres en protagonistas indiscutibles de una vida que se mueve por pasiones. Y es que no se le puede pedir más a estas tres historias, tan bien apoyadas en un guión original, una interpretación excelente, y una muy cuidada edición. Inagotable. Atemporal. Seductor. Así es el cine italiano. Un mundo en el que a la mayoría nos gustaría huir y podernos quedar para siempre. Yo, por si acaso, siempre salgo a mi balcón para saber si está ahí... just in case...
SOPHIE SCHOLL: LOS ÚLTIMOS DÍAS
Título original: Sophie Scholl: die letzten Tagen
A veces, la historia parece un guión de cine, como si hubiera sido imposible alcanzar todo lo que una película nos pueda mostrar. Pero lejos de esta idílica idea, el cine nos permite descubrir tan tremendas aventuras, que pese a pasar desapercibidas en su época, consiguen su merecido reconocimiento uan vez que podemos echar la vista atrás. Sophie Scholl: los últimos días, trata de reflejar el interrogatorio y juicio al que se sometieron los tres miembros más implicados de la Rosa Blanca (die Weiße Rose), un movimiento pacifista que se enfrentó a la violencia militar del régimen nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Sophie (interpretada por Julia Jentsch), estudiante de Biología y Filosofía, consiguió, junto a su hermano Hans (Fabian Hinrichs), reunir a un nutrido grupo de intelectuales y estudiantes, la mayoría veteranos de guerra, que apoyaron y participaron de las actividades de la Rosa Blanca.
Las acciones que llevaban a cabo se basaban fundamentalmente en la distribución de panfletos, exponiendo hechos de la guerra que el régimen nazi intentaba ocultar y justificando las razones por las que el modelo político de la época iba a arrastrar a Alemania a una guerra que no podrían ganar. La película toma como principio el último suceso en el que Sophie y Hans Scholl tomaron parte. Tras repartir por la Universidad de Múnich unos folletos que atacaban directamente a la gestión militar de Hitler, Sophie decidió, en el último momento, lanzar algunos por el aire. Para su desgracia, el conserje de la Universidad, militante del partido nazi, la vió y se apresuró a cerrar las puertas para poder detenerla. Tras una serie de interrogaciones que parecían no poder incriminar a los hermanos Scholl, Sophie es obligada a pasar la noche en los calabozos, acompañada de Elsa Gebel. Obligada por la Gestapo, Elsa (Johanna Gastdorf) tenía la misión de conseguir información acerca de los miembros de la Rosa Blanca, sin embargo, acabó siendo captada por el movimiento y se unió al grupo de los hermanos Scholl.
A pesar del hermetismo de Sophie durante los interrogatorios, las evidencias empezaron a inculparles, señanándoles como los líderes de la Rosa Blanca. Así, los hermanos Scholl y Christoph Probst fueron juzgados, entre otros motivos, por traición. La película se basa en documentos que permanecieron ocultos en los archivos de la RDA hasta los noventa, y recopila además testimonios de testigos cercanos a los hechos narrados. Tomando como punto de partida los lugares de Múnich por los que Sophie se movió su último día libre, el film se introduce de lleno en un suplicio que se hace díficil de entender hoy en día. Emocionante como pocas historias, lo más doloroso no es centrarse en la crueldad de interrogadores y jueces, si no en la entereza de la protagonista. Absolutamente convencida de lo que defendía, dispuesta a continuar con su lucha pacífica, Sophie no muestra un ápice de temor ante sus verdugos.
Por esa voluntad infalible, no son los múltiples monumentos a lo largo de Múnich y muchas más ciudades alemanas el más digno homenaje a su memoria. Los honores a su recuerdo están simplemente en no tener la necesidad de defender la paz en vez de la guerra, la justicia sobre la represión.
“Sus cabezas caerán también”
SWEENEY TODD Francisco Trinidad
Título original: Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street El inestimable Tim Burton repite experiencia en la saga de oscuras películas - marca estrella de la casa - pero con la complicación, de que, en este caso, se trata además de un musical. Benjamin Barker (Johny Depp), uno de los mejores barberos del Londres victoriano, es acusado injustamente de crímenes y condenado por intervención del juez Turpin (Alan Rickman), quien estaba perdidamente enamorado de la esposa de Barker, Lucy (Laura Michelle Kelly). Tras cumplir su condena, y acompañado de un joven marinero (Jamie Campbell Bower), se escuda en un falso nombre, “Sweeney Todd”, para vengar su falsa acusación, la muerte de su esposa y liberar a su hija. Para ello, decide retomar su afilada navaja e instalar un local en la calle Fleent Street, y, ayudado de la pastelera Nellie Lovett (Helena Bonham Carter), ajusticiar a todos los que se interpongan entre él y su venganza final. Burton, fascinado desde su juventud por el musical homónimo, no tardó mucho en decidirse a dirigir este proyecto, que dado su carácter musical, suponía un gran reto para su adaptación cinematográfica. Pese a no contar con todo el apoyo del director musical de la obra -Stephen Sondheim- tras modificar y recortar muchas de las escenas que se incluían en su versión en los teatros, consiguió recrear a la perfección una historia tan grotesca y delirante, que consigue hacerse un hueco propio en la prole de Burton.
Para recrear el Londres de la época victoriana, Burton no decidió sólo grabar en estudios londinenses - cómodo con anteriores producciones que ya había dirigido en la ciudad -, si no que además se decantó por la realización de escenarios reales que dieran vida de nuevo a la calle Fleent. Según su opinión, salvando los pantallazos verdes de la técnica digital, conseguía implicar mucho más a los actores en su interpretación. Algo que resulto efectivo, teniendo en cuenta la musicalidad del guión y a tenor de los resultados. Obsesionado con eliminar cualquier atisbo narrativo en la historia, de principio a fin los personajes deben de tomar el canto como su lenguaje interpretativo, sorprendiendo a ajenos y extraños el talento de muchos de los actores para afrontar el proyecto. Depp, encabezando la lista de protagonistas de la cinta, demuestra una gran capacidad dramática en un género en el que no parecíamos estar acostumbrados a verle. Junto a Helena Bonham Carter -ya estamos acostumbrados a esta tendencia de Burton a que todo quede en casa- consiguen hacer reír y emocionar a los espectadores, a base de navajazos y pasteles aportan un reflejo fiel de lo que sería ese universo tan gris y monstruosamente sádico de Burton, al que parece no costarle tomar Londres entre sus manos y jugar con todo lo que la ciudad le ofrece. Porque es imposible negar que todo esa ambientación de la capital inglesa se convierte en uno de los protagonistas de este musical, pareciendo, a veces, que incluso son los fríos rincones de la calle Fleet, los que dirigen el ritmo de esos grotescos personajes que forman parte de la cruel venganza de Sweeney Todd. La venganza, a diferencia de lo dicho, en esta película se sirve caliente... y en forma de pastel.
MATCH POINT
Título original: Match Point Allen admitió - algo extraño en tan pintoresco personaje - que Match Point se había convertido, sin una predisposición previa, en uno de sus mejores películas. No hay quien pueda negar, que Match Point es ya una de las aportaciones más generosas que ha podido hacer al séptimo arte, pasando a formar parte, casi de manera inmediata, al personal Olimpo del director. En la película se nos presenta la historia de Chris Wilton (Jonathan Rhys-Meyers), que a través de las clases de tenis que imparte, conoce a Tom Hewett (Matthew Goode), un tenista aficionado, perteneciente a una de las familias adineradas de la cúpula londinense. A través de él conocerá a su hermana Chloe Hewett (Emily Mortimer), con quien comenzará una relación, y a Nola Rice (Scarlett Johansson), actriz estadounidense con la que Tom mantiene una relación. Por fin parece que Chris consigue alcanzar un nivel de vida con el que siempre había soñado, pero una enfermizo y furtivo romance con Nola puede hacer tambalearse todo el lujo y la posición social que su noviazgo con Chloe le habían granjeado.
Con un encanto halagador, Chris consigue atraer hacia sí toda la atención de una familia típicamente british, agobiada por la monotonía de una vida regalada de privilegios que no parecen tener fin. Unos padres que aplauden el noviazgo de su perfecta hija - toda una lady - con un chico responsable, con madera de convertirse en una pieza más del engranaje de su sociedad. Pero basta sólo una tentación, para que el chico perfecto pierda sus papeles, embaucado de una obsesión tan primaria que lo arrastra hacia su fatalidad. Y es que Johansson interpreta de manera espléndida el papel que Allen deja recaer sobre ella, haciendo irresistible el magnetismo de una chica estadounidense que se convierte en la nota disonante en esa aristocracia que la rodea, la fruta prohibida que se muestra tentadora para el protagonista. Y es que el desenfadado atractivo de Rhys-Meyers no sólo consigue ganarse la simpatía de la familia que le acoge, si no también el obsesivo deseo de la femme fatale. Tentado, engañado, obsesionado y a punto de perder todo lo que parecía haber conseguido por obra y gracia del destino, nuestro protagonista decide marcar él su propio camino, aunque ello le pueda hacer perder todo lo que ya había ganado, y aún estaba por alcanzar. Alejándose de las típicas historias de amor obsesivo, Allen consigue presentarnos un desarrollo tremendamente sorprendente de cómo la ambición puede guiar los pasos de una persona, para conseguir su sueño, cueste lo cueste. El director hace una revisión moderna del archiconocido Crimen y castigo de Dostoievsky, pero alejando todo rastro de redención divina del argumento, haciendo por una vez que el crimen cometido no tenga consecuencias para el culpable, que al fin y al cabo, la ambición se corone victoriosa frente a los ajados valores de la honestidad y de la consecuencia de nuestros actos. Por una vez, la cínica sonrisa de Chris parece dejar prendado a todos aquellos aristócratas con los que pretende codearse, y el falseado robo no levanta más sospechas.
Chris al fin y al cabo no es más que una víctima de un sistema feudal moderno, en el que el estamento dominante se retroalimenta de su poder para seguir siendo inalcanzable. Así, un individuo con las suficientes ganas de acceder a todos los privilegios que comparten en la aristocracia puede justificar todos las estrategias que sean necesarias para poder incorporarse a una vida con la que sueña, para poder compartir el lujo y poder que tanto anhela. Y como bien nos muestra Allen en la película, a veces basta un atisbo de suerte - o simplemente de buen empeño - para que una bola que parece congelada sobre la red, pueda convertirse en punto de partido.
DESDE EL INFIERNO
Título original: From hell 1888, Londres. Una serie de misteriosos asesinatos conmocionan a la ciudad. Lo que parece ser un metódico asesino en serie se dedica a ajusticiar sin piedad a prostitutas, siempre protegido por la oscuridad de una noche que se convierte en su mejor cómplice. Nada nuevo, ¿no? Esta película parece retomar al eterno Jack el Destripador, para darnos una versión basada en el cómic From Hell de Allan Moore y Eddie Campbell. El caso recae en esta ocasión en manos del inspector Freederick G. Abberline (Johny Depp), que obsesionado por sus visiones psíquicas y los continuos asesinatos de prostitutas, trata de dar una solución a tan complicado enigma. Ayudado de Mary Kelly (Heather Graham) y su amigas, intenta ir acercándose con cada asesinato cada vez más al misterioso asesino. Tratando de impulsar algo más la historia del cómic homónimo, la película establece los más que típicos amoríos entre personajes demasiado distintos como para poder estar juntos. Perdiendo algo de fuerza en el final, quizás con demasiados pájaros masónicos en la cabeza, la película no consigue marcar un verdadero hito en las narraciones de la fábula de Jack the Reaper. Al margen de todo lo débil que puede ser la narración de la misma historia de siempre, la película nos permite adentrarnos en las posibilidades que el cine actual, puede aportar a este eterno asesino. Con unos escenarios más cercanos de la fantasía burtonesca, Londres se muestra como una oscura ciudad, de edificios infinitamente altos, tanto, que parecen cubrir cualquier rastro de cielo que pudiera atisbarse desde sus calles. Al respecto de la tétrica leyenda de Jack, parece que Londres fue mucho más que un mero escenario o un simple observador. Londres se convierte en un cómplice de todos y cada uno de los asesinatos a manos de tremendo asesino. La ciudad permitió ocultar en su noche a las inocentes meretrices que sufrían un cruel final. La City, al fin y al cabo, se convierte en el mayor copartícipe de Jack el Destripador. A fin de cuentas... aún no se ha conseguido que Londres confiese nada acerca del caso.
LA CHICA DEL CALENDARIO Francisco Trinidad
Título original: Calendar girl Roy (Jason Priestley, archiconocido por su papel protagonista en Sensación de vivir) sabe que el verano de 1962 será su última oportunidad para conseguir sus sueños antes de comenzar su instrucción militar. Parece imposible, pero él está seguro de que llegará a conocer a Marilyn, y una vez conseguido, ¿por qué no tener un affaire con su amor platónico? Roy no lo duda un momento, y consigue convencer a sus dos mejores amigos para emprender un viaje que les llevará hasta Hollywood para poder conocer a la rubia más icónica. Pero para desesperación de los jóvenes, no les será tan fácil conocer a Marilyn.
Con sus ocurrentes situaciones - especialmente remarcable la persecución en la playa nudista -, poco a poco la película va atrapando a los espectadores, consiguiendo que se comparta con los tres amigos, su meta: Marilyn. Pese a que la película pone su acento en la relación de amistad entre los tres protagonistas - evolucionando a base de los problemas que les persiguen en su viaje -, rinde un digno homenaje a Marilyn Monroe. No sólo a la mujer, si no al concepto que consiguió crear - y que aún crea - entre sus incondicionales amantes.
No lo podemos negar, Marilyn siempre será la chica de nuestro calendario. Da igual qué año sea, bisiesto o no, ella siempre permanecerá sonriendo con ese brillo pícaro en su ojos. Inalcanzable, perfecta... el mito sigue vivo.
ANTES DEL AMANECER
Título original: Before Sunrise En lo que parece ser un simple tren de Budapest a Viena, dos personas desconocidas al fin se encuentran. Jesse (Ethan Hawke) trata de recorrer Europa en un intento por reflexionar tras su ruptura. Céline (Julie Delpy) regresa a su casa tras hacer una visita en la capital húngara a su abuela. Y así, sin más, cuando Jesse le ofrece pasar toda la noche juntos por las calles de Viena, ella no lo duda y comienza para ellos una noche que marcará sus vidas. La película se inspira en un fortuito encuentro de Richard Linklater, director y guionista de la cinta, quién conoció a una mujer en una juguetería de Philadelphia. Increíble, pero cierto: estas historias, aunque quizás no tan idílicas, pueden suceder en la realidad. Ayudado de Julie Delpy, redactaron un guión que prometía poder convertirse en uno de los hitos del cine romántico. Tras un cuidadoso casting, no se puede dudar que la película consigue mostrar una historia de amor distinta, pero eterna. Siempre se recurrirán a los mismos personajes, siempre nos centraremos en sus dudas iniciales, su temor, sus suspiros de enamorados,... pero con este film todo ello adquiere una dimensión enorme. Enmarcados por la noche, al final sólo puedes temer que el sol vuelva a romper el cielo al alba.
Y es que no puede darse una situación mejor, dos viajeros anónimos, que están más que dispuestos a conocer todo lo nuevo que contemplan, y que de repente, deciden dejarse llevar por una intuición y dar rienda suelta a su sensibilidad más íntima. No pierden el tiempo en dedicarse las carantoñas más relamidas, ni en elevar al firmamento las bondades de su enamorad@. Simplemente hablan, hablan de la vida, de su sentido, de cómo pueden enfrentarla desde su situación particular. Hablan de sentimientos, pero no de los merengados afectos a los que nos acostumbra Hollywood, sino de la chispa que todos anhelamos sentir. Un viaje no sólo es un origen y un destino, un viaje es también el camino; la noche no se mide por cuánto queda para el amanecer, si no por todo lo que has ido viviendo. ¿Y la recompensa? La recompensa no es la promesa de reencontrarse en la estación de una ciudad foránea. La recompensa ha sido conocerse, haber podido al menos contar con una noche juntos. Nada mejor que cruzarse fortuitamente con un anónimo para sentir que has encontrado lo que algunos quieran llamar amor.
ANTES DEL ATARDECER
Título original: Before Sunset La secuela de Antes del amanecer nos permite avanzar diez años en la increíble historia de amor entre Jesse (Ethan Hawke) y Céline (Julie Delpy). Pese a lo que nuestra remilgada imaginación pueda inventar, Jesse regresa a Paris promocionando su libro, inspirado en la noche que pasó en Viena con Céline. Allí se vuelven a encontrar, ya que desde ese momento no han vuelto a verse. Han pasado mucho tiempo sin contacto, y ahora lo que les queda es aclarar si todo lo que vivieron fue una ilusión, o si Paris es capaz de resucitar todo lo que surgió en Viena. Richard Linklater toma de nuevo la batuta para dirigir, nueve años después, a los mismos actores en un escenario distinto. En esta ocasión, el regidor se decantó por una grabación en tiempo real, enfatizando más todo el cúmulo de sensaciones que los personajes debían de expresar en un pequeño lapso de tiempo, ya que si en su predecesora, los protagonistas ponían sus alarmas con el amanecer, en este caso Jesse debe de tomar un vuelo antes de que atardezca. Con un retrato más intimista de los personajes, la historia ya no se desarrolla a favor de que puedan conocerse, en este caso ya no son dos extraños. Ahora es el turno de las explicaciones, y de retomar el testigo de lo que fue una noche que marcó sus vidas. Y como telón de fondo, París, aunque eso sí, intentando evitar los clichés de Torre Eiffel durante los sólo 15 días de grabación...
La historia parecía arriesgar con esta segunda parte, pero lejos de acabar con el increíble material de Antes del amanecer, la película consigue continuar lo que parece una anécdota inalcanzable. En este caso, los actores participaron en la elaboración del guión y se involucraron activamente en esta creación. Julie Delpy, compuso tres temas que aparecen en la cinta y hay malpensados que ven en la actuación de Hawke, ciertas reminiscencias a la crisis sentimental que pasó por aquella época. Lejos de las anécdotas que puedan mentar en torno al filme, ahora que se ha consagrado como un titán de las películas románticas, podemos disfrutar de unos 80 minutos de reflexión, sobre cómo afrontar la vida cuando, todo lo que había pasado a ser beatificado por tu memoria, regresa a ti y hay una nueva oportunidad. Una oportunidad para poder enmendar los fallos del pasado, para volver a dar más valor a ce qui peut être... Dos películas que nos permiten descubrir que el género romántico aún tiene mucho que decir. Dos películas, que en resumen, nos invitan a vivir al máximo la vida, bien sea paseando una tarde por París o desvelando a Viena. Porque no importa si amanece o atardece, lo que te queda al final es lo que has experimentado. No hay que tener prisa por llegar a Ítaca, la vida es una aventura que no se puede reducir a un final. Un viaje que no termina.
TAXI DRIVER
Título original: Taxi driver
Nueva York no es sólo la Quinta Avenida... No sólo es una visita a la Estatua de la Libertad... Es mucho más que el World Trade Center... Cuando la noche llega a la Gran Manzana, las calles transforman a todos sus huéspedes en unos personajes que, refugiados en la oscuridad buscan la vida en la ciudad que los acoge. Pese a tratarse de una película con 35 años a sus espaldas, Taxi Driver nos ofrece lo que aún a día de hoy podría ser un válido retrato de la faceta nocturna de la humanidad. A oscuras, sin la determinación de la luz, podemos sacar nuestros más tenebrosos secretos sin temor a ser rechazados. Podemos buscar un alivio a nuestras reprimidas obsesiones en los más lóbregos lugares de nuestra ciudad. Podemos dejar de maquillar nuestra alma y no morir en el intento. Y es allí donde Travis Bickle (Robert de Niro) consigue poner freno a su insomnio, pretendiendo ocupar su eterna vigilia con un trabajo que pueda amenizar sus eternas noches. Para su sorpresa, la rutinaria tarea de taxista nocturno parece no ser suficiente para equilibrar su vida, y lo arrastra hacia una espiral maníaca, en la que Travis se considera un héroe y purgador de todos los pecadores de la noche neoyorquina. Azuzado por el intento de salvar a Iris (Jodie Foster) de un presente abrumador al verse obligada a prostituirse pese a sus 13 años, Travis no duda en armarse de todo su valor, y un arsenal de armas de fuego, y poner un punto y final en la decadencia que lo rodea. Haciendo un increíble ejercicio de reflexión, tanto Schrader como Scorsese nos describen lo que puede ser el declive urbano de la ética humana. Ahogados en nuestras propias paranoias, no podemos más que ser espectadores del ocaso que nos pertenece, que somos capaces de proyectar sobre los mismo escenarios en los que basamos nuestra sensatez. Sólo con que el Sol se oculte podemos duplicar la identidad de Nueva York y hacer que se convierta en dos metrópolis que comparten situación espacial. Alejándose del héroe romántico, idealizado tanto por sus métodos como por sus resultados, nuestro taxi driver se convierte en un paladín de la violencia, seguro de poder ahogar con sus propias armas la corrupción que infecta la ciudad que recorre con su taxi. Sus clientes, más que colaborar en la recuperación de su insomnio le precipitan a un abismo. Entre ellos, destaca la participación del propio Scorsese, como un celoso marido que lo único que anhela es acabar con las infidelidades de su mujer... ayudado de una Magnum 44. Esta película ya ha quedado consagrada como un clásico en el ideario colectivo: jamás se podrá olvidar esa chulesca disertación ante el espejo, haciendo un ejercicio de pérdida definitiva de la racionalidad, y dejándonos seducir por el poder individual de cambiar el infierno a golpes de percutor. Poder disfrutar de las actuaciones de los que hoy son renombrados actores, nos permite comprender cómo a veces no es necesario un nombre para arrastrar a las masas al cine, si no simplemente es necesaria una narración bien ejecutada. Como no, el film no escapa a las anécdotas, quizás entre las más sorprendentes esté el hecho de que la cinta fuera de una tremenda inspiración a John Hinckley Jr., quién atentó contra la vida del entonces presidente Reagan en un intento de llamar la atención de Jodie Foster. A pesar de toda la violencia que pueda ir destilando esta cinta a medida que nuestro personaje va perdiendo el control, no podemos olvidar que cualquiera de nosotros podemos caer en el mismo precipicio delirante. No podemos escapar a la oscuridad de Manhattan, no podemos huir de una urbe que engulle a las personas, no podemos hacernos los decentes ante la Big City en su esplendor nocturno. No nos engañemos, a Nueva York siempre le queda una bala en la recámara. Por eso, y llegados a ese punto, sólo queda una opción... casarse con esa noche. You talkin' to me? ... You talkin' to me? ... You talkin' to me?...
EL ÁRBOL DE LA VIDA
Título original: The tree of life
Cierra los ojos. Aleja todo lo que te preocupa, todo eso que te impide comprender con claridad. Ahora, intenta simplemente hacer un balance de tu vida. Echa un vistazo atrás y recuerda todo eso que parecías haber olvidado... Jack (Hunter McCracken/Sean Penn) revive su infancia en el seno de una familia tejana, los O’Briens. A la estrecha relación con sus dos hermanos menores se une un tormentoso vínculo con su padre (Brad Pitt) y una relación mucho más íntima con su madre (Jessica Chastain). Pese a la continua preocupación de su padre por hacer que sus hijos sean capaces de alcanzar todas sus metas y ser fuertes en la vida, Jack no puede evitar convertirse en un pequeño rebelde al que le cuesta compartir el amor hacia su madre. En un principio, no nos engañemos, esta nueva obra de Terrence Malick - La delgada línea roja (1997), El nuevo mundo (2005) - no se ajusta, afortunadamente, a las películas a las que nos vienen acostumbrando en las carteleras. Y no es de extrañar que la película recuerde, y mucho, a la increíble 2001: Odisea en el espacio. De manera recurrente se suceden las escenas que desde un silencio vacío nos obligan a hacer una pausa en el transcurso de la historia para poder comprender mas allá. Galardonada con la Palma de Oro del pasado Festival de Cannes 2011, la película presenta una impecable atención a cada una de las secuencias, procurando preservar un encanto que desde principio a fin de la cinta embriaga al espectador en su butaca. Con un guión que deja una gran parte de la interpretación en las manos de la audiencia, Malick consigue identificar los recuerdos del protagonista, casi al extremo de llegar a reconocerlos como propios. Pese a la ambición casi desmesurada por parte del film para poder expresar todo lo que una vida significa, la película no llega a ser un ejercicio cansado de filosofía, más bien permite que desde una extraordinaria belleza visual se concluya todo lo que podamos querer, sin más. No intenta adoctrinar, no busca el gimoteo fácil, simplemente presenta una reflexión a lo único que podemos tener: nuestra vida. Porque, al fin y al cabo, merece la pena bajarse de vez en cuando de nuestro ritmo de vida, apartar todos aquellos añadidos que no son esencialmente útiles para nosotros, y regresar a una época en la que nuestra fragilidad infantil nos hacía plenamente feliz, o una época quizás en la que el mundo aún no era mundo, en la que la vida aún se habría paso con una finalidad... ¿cuál? Sólo nosotros podemos descubrirlo...
LA LISTA No, no puede ser - alguien en el patio de butacas parece exclamar ante lo evidente -. No, no, yo soy contable y nada de eso podrá ser jamás así. Contables o no, los espectadores de esta inaudita cinta tenemos que hacer frente a una historia que parece tener más de ciencia ficción que del suspense del que presume. Jonathan McQuarry (Ewan McGregor) está cansado. Cansado de no tener vida más allá de las cifras que compulsa de departamento en departamento, cansado de ser visto como el dedo acusador en vez de como un simple auditor en su trabajo. Pero también está cansado, de haber dedicado una vida a una excelencia que parece haber olvidado el pulido futuro que le auguraba, cansado de acabar su día en la maravillosa Nueva York con la melodía de Apagar sistema. Por eso, en cuanto conoce a Wyatt Bose (Hugh Jackman) toda su realidad parece mejorar por momentos: al fin encuentra a alguien que le abre los ojos a una ciudad y una vida de la que jamás podrá desengancharse. Tras un fortuito cambio de teléfonos parece que la fortuna acompaña a Jonathan, ayudándole a descubrir un selecto grupo de la élite neoyorquina que intercambian encuentros sexuales con nocturnidad y anonimato. Encontrar el amor así no resulta fácil para Jonathan, quien tendrá que hacer todo lo posible por enamorar a S, su desconocida y perfecta Julieta. ¿Realidad? Quizás... Pero todo tiene su precio.
Porque podemos comprobar con absoluta perplejidad que una vez más se encuentra a España como el país en el que todo vale, y Madrid como su capital de bandoleros y gitanas. Un Banco Nacional en el que poder evadir los controles financieros, unos empleados que contestan con cierto acento retorcido al inversionista americano. De haberlo pedido, siempre podríamos haber repetido en nuestra querida Madrid, una fiesta a lo Bienvenido Mr. Marshall, porque ya sabemos que a nosotros no nos importa quién venga a sacar dinero y cuántos millones saquen en una bolsa de la compra, seguro que por nuestra parte podríamos cortar la calle Alcalá por Cibeles para llevar en volandas a nuestros protagonistas. Porque al margen de lo que parezca, por una vez en Hollywood se prefirió trasladar un rodaje a la propia y verdadera Madrid, en vez de juntar un par de decorados de cartón piedra de los que sobraron a la megaproducción de El Zorro. Resulta más que emocionante pensar, que ese banco anónimo de Madrid pudo acoger entre sus mullidos asientos a actores de la talla de Jackman y McGregor. Que nuestro Paseo del Prado, se regocijaba al ver pasar por fin a dos ilustres caballeros, imaginando quizás por un momento, ser una extensión de Hollywood Boulevard. Madrid, queridos cineastas hollywoodienses, se merece algo más que un ser una capital de blanqueo de dinero. Madrid es capaz de albergar algo mucho más que el cobro de una cuenta en una fiesta de swingers. Pero como siempre, la exótica España podrá albergar un par de nuevas producciones al año - como mucho tres - para demostrar una y otra vez al mundo, que las mujeres con peineta, pasean contentas su talento flamenco por unas calles en las que el tráfico queda interrumpido por un torero extraviado que brinda su faena al bronceado americano... ¡olé!
Deseando amar Francisco Trinidad
虽然我不配,但请在我最需要的时候爱我 。 Hong Kong, 1962: dos matrimonios, desconocidos hasta entonces, coinciden en su llegada el mismo día a unos apartamentos de alquiler de la gran ciudad. Con la marcha de la mujer de Chow Mo-Wan (Tony Leung) para cuidar de su madre y los frecuentes viajes de negocios del marido de Su Lizhen (Maggie Cheung), ambos se encuentran solos y perdidos ante una vida que parece estar pausada en la ausencia de sus parejas. Tras diversos encuentros en los que establecen una correcta amistad, Lizhen y Mo-Wan descubren una verdad para la que quizás no estén preparados: la infidelidad. China, con un cine marcado por una bicefalia entre las grandes metrópolis como Shanghai o Hong Kong y un cine más influenciado por las tesis estatales, ha otorgado al séptimo arte cintas tan importantes como El río de la primavera fluye hacia el este (1947), -una de las primeras en mostrar la desilusión frente al gobierno del partido nacionalista-, El ejército rojo de las mujeres (1961), -como respuesta ante el cine propagandístico-, y Ciudad de Hibisco (1986) -representante de las películas surgidas a partir de la remodelación de la cultura en base a las doctrinas de Mao-. Desde hace pocos años, Hollywood, y por ende, el mundo entero, ha tornado su mirada hacia la potencia de las historias creadas en Huáxiàcomo El Tigre y El Dragón (2000) o Hero (2002), en las que desgraciadamente se occidentaliza en exceso el carácter propio del cine chino. Pese a todo, directores Zhang Yimou (Ni uno menos 1999), Ang Lee (Sense and Sensibility, 1995; Brokeback Mountain 2005), Jia Zhangke (Still Life, 2006) y Wong Kar Wai (Days of being wild, 1991; In the mood for love, 2000) ofrecen de primera mano una representación de todas las vertientes actuales del cine chino, que cada vez llega a más carteleras en el mundo.
没想到会这么痛。。。 El director hongkonés Wong Kar-Wai, consiguió con esta película -considerada por muchos su opera prima- alcanzar un reconocimiento internacional avalados por la Palma de Oro, el Premio del Jurado y el Premio a la mejor interpretación masculina (otorgado a Tony Leung) del Festival de Cannes del 2000, entre otras menciones. De la mano de su compañero en otros films, Christopher Doyle -a cargo de la fotografía, muestra un excepcional gusto por una Hong Kong de un atractivo decadente, de encuadres muy reflexionados y un dinamismo que parece apagar los movimientos en el film- Kar-Wai nos traslada a una historia intemporal, una historia de amor que sacude las vidas de los protagonistas. Es difícil plasmar un desengaño de manera tan acertada, mostrando dolor, rabia e incomprensión sin dejar por ello de alejarse de cualquier otra historia antes contada. La película es la segunda parte de una trilogía del director, precedida por Days of Being Wild (1991) y continuada en 2046 (2004). Ambas continúan desarrollando las vivencias de los personajes principales, aunque en momentos muy distintos. Con una introducción simple, sencilla y rápida, los acontecimientos parecen suceder de manera fluida y natural sin apenas extrañar al espectador. Recurriendo a planos que ocultan a personajes en un diálogo, a escenas en las que se traslada el punto de vista hasta un ángulo escondido para los protagonistas, a secuencias que condensan distintos encuentros en un mismo trayecto, el público participa de la relación que los protagonistas tratan de mantener bajo la sombra de la infidelidad. La banda sonora recoge a la perfección todos y cada uno de los matices que precisan los momentos en los que diálogos están de más. Para muchos serán más conocidas muchas de las melodías que aparecen que la propia película, el trabajo de Galasso y Umebayashi ha conseguido superar una vez más los límites de la película y ha conseguido hacerse un hueco entre las grandes melodías incidentales.
我以为我们不会像他们一样，但是我错了。 La película en sí consigue destilar la emoción que embarga a los personajes de Lizhen y Mo-Wan, hasta tal punto que resulta inevitable tortura con su sufrimiento. Él parece suspendido de un amor que se le escapa, ella, sosteniendo un vínculo que se apaga. Atribulados por descubrir que sus parejas estaban juntos en la distancia, tratan de indagar por qué sucede todo, qué es lo que ha hecho romper su vida en dos entre el denso ambiente de Hong Kong... Cuando todos parecen creer que ellos estarán juntos por lo ocurrido, sólo Su y Chow saben que no todo es tan fácil.
在对爱的心情。 Un llanto apagado en un hombro desconocido, una canción que se aleja entre dos paredes, una ausencia al otro lado de la ventana, un secreto susurrado en una piedra... eso, también es amor. 结束。 Este artículo y parte del contenido de la presente publicación ha sido posible gracias a la colaboración de Ming Qi, a la que deseo expresar mi más profundo agradecimiento por su constante ayuda en la documentación y traducción de los textos.
MÁS ALLÁ DE LA VIDA Francisco Trinidad
Título original: Hereafter Clint Eastwood vuelve a coger la batuta de la dirección para ofrecernos una nueva reflexión acerca de los límites de la existencia humana. En esta película, las experiencias de tres personajes se cruzan y unen estableciendo un vínculo determinado por la dureza de lo vivido. Por un parte, George Lonnegan (Matt Damon) trata de normalizar su vida al máximo pese a que como él mismo defiende, posee “una maldición más que un don”: es capaz de establecer contacto con difuntos. Tras vivir unos años de gloria y exposición, decide alejarse de ese modo de vida, intentando huir de una tarea que le obliga a encadenarse a los muertos. Marie Lelay (Cécile de France) sufre en primera persona una experiencia cercana a la muerte, al encontrarse en Tailandia en el 2004, momento en el que se produjo el devastador tsunami. Tras esta marca, su vida parece zozobrar ante lo que ha sentido, y trata de buscar respuestas al respecto. En Londres, Marcus (Frankie McLaren) vive feliz en un entorno hostil gracias a que puede compartir su día a día con su hermano gemelo, Jason (George McLaren). Desafortunadamente, el destino se tuerce para ambos, y consigue derrumbar toda la existencia del pequeño Marcus. Con la marca que la muerte deja en personas completamente distintas como denominador común, esta película permite hacer una reflexión profunda sobre lo que queda en este mundo de vivos perteneciente a aquellos que pasan al otro lado. Y, pese a todo lo que ya se ha dicho y comentado acerca del tema, no deja de sorprender como podemos una vez más, perdernos en los límites de la comprensión humana, dejar de creer o agarrarnos a una fe demoledora, que nos permite soñar con que no todo acaba cuando la silenciosa parca nos acaricia definitivamente.
La cinta parece centrarse de manera excesiva en la localización de los personajes en trágicos eventos, quizás demasiado cercanos en el tiempo como para haber tomado una distancia que nos permita verlo con un mayor sosiego. Profundizar en el recuerdo de la catástrofe del tsunami en el Océano Índico del 2004 (cerca de 230.000 víctimas) y en los atentados ocurridos en Londres en el 2005, que dejaron un total de casi sesenta personas fallecidas y setecientas heridas, puede convertirse en una concesión demasiado peligrosa, tratándose de tan cercanas tragedias. Recogiendo el testigo de las nuevas reflexiones de nuestra compañera María Jesús, desde su Mecedora, parece que actualmente podemos encontrar en las carteleras muchas historias al estilo de la descrita en este film, quizás en un intento de dar un reflejo de la verdadera crisis humana -ahora que se estila tanto pesimismo entre la sociedad-, apuntando a la muerte como aquello que nos hace perder de manera definitiva todo aquello que tenemos, sin hacer diferencias. Pese a todo, incluso a aquellos que quieran hacernos creer de manera efímera en una esperanza más allá de lo que no podemos comprender, el film nos muestra que la verdadera motivación de nuestra mortalidad es el hecho de poder disfrutar de una trayectoria vital plenamente feliz, tanto que lo que menos nos importante, sea el final. No lo dudéis, si acudís a los cines -sólo los mejores, ya sabéis- no dudéis en compartirlo con alguien especial, así esta película (y cualquiera) siempre será especial. Yo por mi parte, me siento muy afortunado por poder contar conmigo con muchas personas que, aunque parezcan estar lejos, siempre me acompañan. Entre ellas, por supuesto, se encuentran los compañeros que hacen posible, no sólo esta increíble web de cine, si no también una nueva Revista -Todos al cine: la revista que estabas esperando- que viene dispuesta a aportar más éxitos a este proyecto. Como bien plasmó el doctor Gregorio Marañón: Vivir no es sólo existir, Descansar, es empezar a morir.
A SERBIAN FILM Francisco Trinidad
Título original: Српски филм / Srpski film Cuando leí en un periódico de tirada nacional que un juzgado español había paralizado la proyección de “A Serbian Film” en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, no pude más que alegrarme por todos aquellos que no tuvieron que sufrir por esta cinta... En este film serbio se nos presenta la historia de Milos, un ¿feliz? padre de familia que echa de menos todo lo que dejó atrás en su antigua ocupación. Y es que nuestro protagonista fue una de las grandes estrellas del cine pornográfico, pero de todo aquello sólo le quedan el recuerdo en sus películas y una inagotable curiosidad... En lo que para él parece una perfecta rutina, de repente, algo consigue desestibilizar todo lo construido: de nuevo recibe una oferta para regresar a la pornografía. Tras considerar la más que generosa oferta, decide participar en un proyecto que va más allá del género pornográfico, un proyecto que en palabras del director es sencillamente “arte”, algo nunca visto. Para desgracia de Milos, una vez que descubra hasta dónde llegan las pretensiones artísticas será demasiado tarde para poder evitar continuar con una grabación que acabará por destruir todo lo que era.
Pese a las enormes críticas que ha conseguido la película por su descripción tan explícita en escenas de máxima violencia o sexualidad - llega a mostrar una extrema pederastia -, ha recibido el apoyo de un sector del público y crítica que aboga por acabar con la censura aplicada sobre la cinta. En palabras del director, Srđan Spasojević, la película trata de la “descripción honesta y firme de las turbulencias políticas y emocionales que rigen la vida en Serbia desde hace dos décadas de guerras y transición", siendo su principal objetivo el "fusionar esa ambición con el deseo de hacer una película filosófica, de confrontación, que trascendiese el mero retrato". Debido a lo espantoso de ciertas escenas, el trabajo de fotografía y guión quedan indudablemente relegados, haciendo que la idea que subyace en su historia pierda toda su contextualización. No creo que sea necesario un ejercicio tan desagradable para reflejar el daño que haya podido sufrir la población serbia en los últimos años. La mayor parte de las escenas son prescindibles, no hay nada en el objetivo que se perseguía que justifique lo expuesto en la película, nada que haga válido el tratamiento que se hace de la violencia y el sexo.
Una película que estaría vetada en la mayoría de estanterías de sex-shops consigue un reconocimiento internacional... ¿qué nos está pasando? ¡Cómo se nota que no pudieron verla!...
EL ÚLTIMO EXORCISMO Francisco Trinidad
Título original: The last exorcism Dejando de lado contorsiones demoníacas y los vómitos multicolores, esta película nos presenta lo que parece ser una nueva versión de los clásicos exorcismos, tratando de rejuvenecer una cara ya marcada por cortes y pústulas... El reverendo Cotton Marcus sufre por una crisis de indentidad en la que se replantea todas sus creencias, incluidas la fe que deposita en su labor como exorcista. Dentro de su voluntad de demostrar que no todos los exorcismos son casos reales, y que lo que buscan realmente los afectados es una solución teatralizada, permite que un equipo de grabación le acompañe a filmar el último caso que ha llegado a sus manos: la hija de un aflijido granjero dice estar poseída y sufrir experiencias demoníacas que la atormentan cada vez más.
La película ha sido grabada con la técnica de “metraje encontrado”, al estilo de grandes predecesoras como “El proyecto de la bruja de Blair” (1999). Esta vez, lo que parece ser un desconcertante documental se va transformando en la historia de siempre, en la que la verdad acaba por dejar a un margen todas las anécdotas mágicas que se quieran evocar. Con una cuidada preparación de la historia (se puede incluso acceder a una ficticia web del reverendo Cotton Marcus, pincha aquí) que sólo busca dotar a la película de una veracidad que vaya más allá de la pantalla, el trabajo elaborado por el equipo sólo se consigue ver empañado por un final demasiado abrupto y típico, que deja perder toda la intriga generada en el espectador a lo largo de la película. Para todos aquellos que busquen un lavado de cara de la clásica versión del Exorcista, no duden en dejarse cautivar por este film. Para los escépticos que saben que lo mejor de las películas actuales queda resumido en el trailer, es mejor que recuperen el clásico de su polvorienta estantería... Ya se sabe, como apuntó Shakespeare: “Rather bear the ills we have than fly to others that we not know of”.
PARANORMAL ACTIVITY 2
Título original: Paranormal Activity 2 Recurriendo a un exceso de poca originalidad, de nuevo podemos encontrar en las carteleras una precuela más, en este caso de la exitosa Paranormal Activity (2009). En esta nueva entrega los padres de la idea tratan de aportar algo más de veracidad a la primera parte describiendo los eventos que le suceden a la hermana de la protagonista de la primera película, Kristi (Sprague Grayden) y su familia. Tras experimentar extraños sucesos en su casa, su marido Dan (Brian Boland) y ella deciden cubrir todos los posibles recovecos de la casa con cámaras de vigilancia ininterrumpida. Una vez que la situación se les escapa de las manos, ya no queda más que persignarse y hacer una revisión detallada de los vídeos nocturnos, para saber qué es lo que está amenazando a la familia, y en particular al pequeño Hunter, que sufre ajeno a todo una enfermiza obsesión por parte de la entidad paranormal.
Una vez más podemos acudir al cine a comprobar cómo cámaras nocturnas - estratégicamente colocadas por una sombría casa - pueden desvelar horripilantes y absurdos misterios de mano de entidades psíquicas con demasiado afán de protagonismo. ¿Qué más podríamos añadir, además de esa recurrente escena del limpiador de piscina trepando por el bordillo?... Simplemente, escalofriante... Pese a todo es de agradecer a este film la apreciable contribución que hacen para la integración de empleadas del hogar latinoamericanas en las casas estadounidenses... Recordad que siempre podréis recurrir a ellas cuando no sepáis como bendecir un crucifijo con una botella de aceite de oliva - de la variedad cornicabra, no penséis que cualquiera puede - o cuando necesitéis de alguien que además de mantener limpia la casa, mantenga lejos a los malos espíritus - ¡¡y todo con la misma aspiradora, sin cambiarle el filtro ni nada!!-.
Lo único que parece volver a demostrarnos este tipo de cintas es que las ideas simples, de bajo presupuesto, son las que más apoyo encontrarán en el público. Esta nueva entrega ha conseguido recaudar 41,5 millones de dólares sólo en su primer fin de semana en EEUU y Canadá... Teniendo en cuenta que los gastos asociados a la película ascendieron simplemente a 3 millones de dólares, lo realmente paranormal de esta historia es el motivo que hace que esta segunda entrega, sea aún más capaz que su hermana mayor, pese a que no aporta nada nuevo... Con todo, no tengo más remedio que desvelaros lo único que podría dejaros de verdad sin respiración de manera fulminante: los productores ya han prometido una tercera parte de Paranormal Activity... quién sabrá lo que nos deparará la visión nocturna...
UN PEQUEÑO CAMBIO
Como dicen, las penas con pan son menos, y con esta película en cartelera se nos invita a volver a nuestra cruda realidad septembril de una manera de lo más Aniston. En este caso se nos presentan las inquietudes de Kassey (Jennifer Anniston), que, a punto de entrar en la cuarentena, desea ser madre a toda costa. Tras valorar sus posibilidades, decide acudir a la ayuda de una inseminación artificial, pero de un modo algo estrambótico, al seleccionar al donante con una entrevista personal. Pese a que su mejor amigo, Wally (Jason Bateman), no consigue trasladarle sus inquietudes respecto a su decisión (¿lo adivináis?... aún no ha superado su fracasada relación), parece que se decide a actuar al límite de la situación. A partir de “un pequeño cambio” en la muestra del donante todo parece que pueda encaminarse hacia un final feliz... ¿o no? Una vez más Jennifer Aniston repite en el género de la comedia romántica, en el que ostenta la corona de dueña y señora. Tras innumerables participaciones en otros filmes de semejante temática - Novio de alquiler (1997), Separados (2006), ¿Qué les pasa a los hombres? (2009), Exposados (2010)- parece que Jennifer se encuentra encumbrada en estos papeles más bien por su propia historia sentimental, alcanzando un momento álgido en su ruptura con Brad Pitt (momento también conocido en el refranero patrio como “¿Más se perdió en Cuba?”) que por sus conocidos trabajos. Brangelinas aparte, esta actriz consigue una aceptación más que encomiable entre el público de mano de películas tan previsibles como la presente.
Pese a los rasgos pocos originales de la película cabe destacar su peculiar cuidado en los diálogos a lo largo de la misma y sobre todo la reflexión que realiza a partir de lo que parece una película romántica más. Con una variada localización temporal en la ciudad de Nueva York, la historia parece desarrollarse de manera natural para el espectador, casi se puede intuir que la cinta va compartiendo a lo largo de su avance una complicidad especial con la audiencia. Jason Bateman - Robert Kennedy y su época (TV -1985), Extract (2009), Todo incluido (2009)-, ya conocido por su participación en este tipo de películas cómicas, establece una actuación directa y sin un exceso de caricaturas grotescas. No por ello se libra de protagonizar uno de los momentos más absurdos de la cinta, en una fiesta de celebración de inseminación, en la que el propio donante realiza su aportación en la casa de la futura mamá, y ante la algarabía de amigos y médicos... Espeluznante...
Con todo, y como suele venir siendo común, la película es un historia que en apariencia parece novedosa y original, pero que en el fondo todos sentimos como ordinaria. Y siempre, -¡¡creedme!!- siempre tendremos oportunidad de ver más muestras de su propio linaje, porque afortunadamente queda Aniston para largo... y desafortunadamente queda Septiembre también para rato...
Philip Morris, ¡te quiero! Francisco Trinidad
Dirección: Glenn Ficarra, John Recqua Steven Russel (Jim Carrey) lo tiene todo: unos padres que le quieren, una mujer piadosa que comparte con él su vida diaria - y los posteriores rezos nocturnos -, una hija preciosa, un trabajo como policía al servicio de su comunidad... Pero como sin conflicto no existiría la vida, nuestro caricaturesco personaje descubre que quizás su vida no es tan adecuada para él como parece. ¿Por qué? Bueno, quizás influya en cierto aspecto que su madre biológica no quiera saber nada de él, a pesar de que, como Steven puede comprobar, ella sí puede ocuparse de otros dos hijos. En esta crisis también puede tener algo de importancia un accidente de tráfico que sufre nuestro protagonista, incluso hay quien puede señalar que además de todo eso su secreta homosexualidad pudo hacer estallar por los aires la vida de Steven, pero, ¿quién puede señalar al culpable?
Ayudado por todo, Steven consigue rediseñar su vida, comenzando por afrontar su estrenada realidad... nueva casa, nuevo novio (Rodrigo Santoro) y un nuevo estilo de vida que le permite disfrutar al máximo. Pero para costear todo el lujo de esa nueva rutina, Steven recurre a diversos métodos de dudosa legalidad para obtener una financiación extra, recurriendo a las cada vez más frecuentes estafas al seguro. Por supuesto, pasa poco tiempo hasta que la policía comienza a perseguir a nuestro dicharachero protagonista, siendo finalmente capturado. Pese a lo que podríamos pensar, en la cárcel Steven no sufre de inimaginables desprecios, peleas o terribles experiencias de mano de resbaladizas pastillas de jabón. No, Steven de repente se descubre profundamente enamorado de un compañero del presidio, Philip Morris (Ewan McGregor). Steven hará lo imposible por permanecer siempre unido a Philip, pese a que ello supongo comenzar una serie de intrincadas mentiras que acaban por tejer un enmarañado panorama de estafas.
Basada en el libro de Steve McVicker, I love you Philip Morris - este a su vez basado en una historia real según el autor -, la película nos presenta de una manera extremadamente divertida la atípica comedia romántica. Y sí, he dicho atípica, porque parece que una gran parte de las distribuidoras estadounidenses han pensado que el hecho de representar una relación homosexual pueda ser un impedimento en la patria del tío Sam. De hecho, la película puede estar orgullosa de haber sido estrenada antes en países como España que en su propia patria. Y tranquilos, os puedo asegurar que no hay nada ofensivo en lo proyectado en esta película, siempre será más ofensivo el hecho de intentar evitar su distribución. Como dijo ese gran filósofo, Peter Griffin: [refiriéndose a los EEUU] “Fundaremos un nuevo asentamiento, donde defender los derechos de todos. Salvo negros, asiáticos, latinos, judíos, gays, mujeres, musulmanes... eh... todos los que no sean hombres blancos... me refiero a blancos blancos: ni italianos, ni polacos... sólo gente de Irlanda, Inglaterra y Escocia... pero sólo ciertas partes de Escocia e Irlanda... sólo blancos de verdad... ¿sabes qué? Ni siquiera blancos... que nadie tenga derechos. ¡Ah!... América” Con un elenco liderado por Jim Carrey, el acento cómico consigue estar fielmente defendido, encontrando ciertas reminiscencias a las pasadas producciones hollywoodienses de comedia romántica tales como Algo pasa con Mary (1998), La boda de mi mejor amigo (1997), Los padres de ella y Los padres de él (2000 y 2004 respectivamente). Pese a todo, no puedes evitar disfrutar con cada una de las estrafalarias situaciones que provoca nuestro protagonista Steven Russel, y no ya por lo cómico de cada momento, si no por el verdadero fin de Steven: no persigue nada más que a su verdadero amor. Y es que no se hace difícil sentir un inmenso cariño por Philip Morris, con su especial candor. Con un más que notable aclaramiento capilar, Ewan McGregor consigue encandilar no sólo a Steven Rusell, si no a todo el público. Quizás de una inocencia demasiado exagerada, el personaje que Mr McGregor interpreta de nuevo de manera genial, consigue atrapar la historia vital de Steven, y consigue además aportarle un fin a toda su experiencia vital. Pese a que parecíamos haber olvidado que Jim Carrey seguía en activo - no podemos olvidar (y ojalá no fuera así) sus conocidos papeles en Ace Ventura (1994 y 1995) y La máscara (1994), aunque también nos dejó un buen sabor de boca en El show de Truman (1998), o Man on the moon (1999) - no os extrañéis, porque en lo próximos meses podremos ver su cara de nuevo en la cartelera. En esta película podemos notar que Jim se siente cómodo, de nuevo regresando al mundo cómico, aunque no exento de duras críticas. Es muy de agradecer que haya disminuido el nivel de gesticulación durante la cinta, y sea quien sea el encargado de haberlo evitado, mi más sincera enhorabuena.
Con una historia imponente, el film consigue estar a la altura de lo que como espectador puedes pedirle, tanto a nivel cómico como a nivel ético. Porque, no hay que dejar de perseguir el sueño de ser felices en la vida. No hay que dejar de luchar por esa persona que hace que todo de repente tenga sentido. Porque hay que estar por encima de estúpidas ideas preconcebidas que limitan hoy en día la emisión de romances. Porque está en nosotros mismos esa búsqueda de la felicidad sin importar dónde tengamos que ir o cuánto tengamos que estafar al seguro. Porque a veces, tenemos que levantarnos de nuestra butaca, y, aunque hordas de irascibles espectadores nos lancen sus refrescos y palomitas, alzar nuestra voz y gritar sin pensarlo: “¡¡¡Yo también te quiero, Philip Morris!!!”
ORIGEN Francisco Trinidad
¡¡DESPIERTA!!... ¿te notas algo extraño? ¿no estás preocupado por nada? ¿no notas algo que antes no estaba ahí dentro? ¿¿seguro?? Si realmente no te preocupas es porque aún no te has acercado a un cine - bueno, como siempre dicen, sólo a uno de los mejor cines - para ver Origen. Y si eso es verdad, deja de leer ahora mismo, aprovecha de verdad tu tiempo y acércate a ver esta magnífica película. Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) tiene un peculiar oficio. En una época futura, aunque no demasiado lejana, Dom es el mejor de entre todos los ladrones. Pero no penséis que se dedica a entrar en lujosas mansiones y llevarse consigo diamantes de tamaños inimaginables. No, la imaginación de Christopher Nolan (guionista y director del film) va mucho más allá. Dom se encarga de colarse en los sueños de sus víctimas y conseguir la información que le requieran. Dentro de sus sueños, interactúa con el subconsciente de la víctima, y rebusca hasta encontrar la caja fuerte donde se encuentra lo más oculto de cada uno. Pese a que Dom cuenta con la participación de Arthur (Joseph Gordon-Levitt) y Fischer (Cilian Murphy) en esta ocasión prefiere ir un paso más allá y tratar de lograr el reto que le propone un exigente cliente, algo que hasta entonces jamás se había conseguido, más allá de robar una simple información en principio oculta. Con todo, el más difícil de los retos para Dom será mantener a raya a sus propios demonios internos, genialmente interpretados por una despechada Marion Cotillard (Mal en la cinta), que hará que todo el plan que construyen se derrumbe bajo la fuerza del subconsciente. Con un reparto en el que destaca por méritos propios Leonardo DiCaprio, pero que cuenta con numerosos rostros de sobra conocidos para el gran público, la historia resulta estar tan bien elaborada que el guión se establece como el verdadero factor del éxito del film. Con sus últimos trabajos, Christopher Nolan (Following, Batman Begins, The Dark Knight, y la futura Batman 3), parece demostrarnos que es capaz de dejar una profunda marca en el género de la ciencia ficción. Con Origen, el director y guionista británico introduce al espectador en una historia apasionante, que consigue absorber a cualquiera desde el primer minuto. Enmarcando la acción en la accesibilidad a un mundo onírico, con un sólo objetivo de los protagonistas consigue llenar los 149 minutos de la película. En el último minuto, por supuesto, logra finalmente que todo el mundo no pueda dejar de pensar en ese desenlace... (tranquilos, de estas líneas no saldrá ni un ápice de lo que ocurre, pese a que se debería de buscar una solución colectiva, al estilo de lo ocurrido con la fe “lostiana”).
Al margen de heridas del pasado aún sin cicatrizar, con esta cinta recuperamos un poco la fe en que no todo está ya visto. Con unos impecables efectos especiales, situados estratégicamente a lo largo del film, podemos adentrarnos en una tecnología onírica al más alto nivel de desarrollo. Los entornos creados para poder adquirir la información requerida son sin lugar a dudas increíbles, algo que se escapa de lo que cualquiera de nosotros podamos llegar a ver en nuestros sueños. ¿O no? Una vez experimentado todo lo que esta cinta es capaz de ofrecernos sólo nos queda cerrar los ojos, y sujetando nuestro totem con la mano, aferrarlo fuerte, identificando en cada momento que sigue ahí, y poder distinguir cuándo estamos sufriendo nuestra vida real y cuándo alguien está infiltrándose en los delirios oníricos de nuestro subconsciente para algún retorcido fin. Cerrad de nuevo los ojos... tranquilos... ya todo comienza a iluminarse y podemos volver a nuestro sueño... a esa irrealidad que supera nuestra realidad...
EL AMANECER DE LOS MUERTOS
De nuevo acosados por la escasez de ideas, Hollywood recurre a un socorrido remake para resucitar las carteleras. Con esta nueva versión, Zack Snyder dirige el guión elaborado por James Gunn siguiendo la estela del de George A. Romero. La película comienza basándose en las experiencias de Ana (Sarah Polley), una enfermera que despierta un día acosada por el ataque de hordas de zombis. Junto con otro grupo de supervivientes, consigue establecer un último reducto a salvo de los no muertos en un centro comercial. Con todo, deberán de diseñar un plan para escapar de los cada vez más zombis que se congregan a su alrededor. En el centro comercial los mayores peligros no sólo vendrán de mano de los riesgos a ser contagiado por parte de los amenazantes zombis, si no que los delirios de grandeza de inútiles guardas de seguridad y las aspiraciones de supervivencias propias de cada personaje harán difícil el poder seguir adelante en un mundo teñido de sangre verde.
Con un reparto conocido (y reconocible) para el gran público, la película no consigue ir más allá de describir los típicos clichés del género de los no muertos. Con un amplio repertorio de armas, persecuciones y sangre que mana a borbotones de las bocas de putrefactos individuos, no existe un aliciente especial que consiga diferenciar esta cinta del resto de las del género.
UN CIUDADANO EJEMPLAR Título original: Law abiding citizen Clyde Shelton (Gerard Butler) ve marcada su vida cuando dos individuos irrumpen en su casa y matan a su mujer y su hija ante sus ojos. Poniendo toda su confianza en que el sistema judicial podrá hacer pagar ese terrible crimen, se apoya en su abogado, Nick Rice (Jamie Foxx) para conseguirlo. Sin embargo, durante el juicio se llega a un acuerdo con uno de los asesinos para que culpe a su cómplice y rebajarle así la pena. Diez años después, cuando se somete a la pena de muerte a su compañero, un suceso extraño llama la atención de la policía: lo que se suponía que era una muerte controlada e indolora se transforma en una agonía estremecedora, por lo que parece un sabotaje. Al mismo tiempo, el asesino exculpado -que disfrutaba de la libertad- es encontrado asesinado. La policía acude inmediatamente al señor Shelton, quien se entrega sin oponer resistencia. El ahora fiscal Rice se enfrenta a un hombre que no parece empeñado en atacar al sistema judicial, si no en hacerlo caer por sus propios fallos.
Tomando un argumento que suscita bastante controversia hoy en día, este film logra captar la atención del espectador, cada instante con más fuerza a medida que transcurre la película, y consigue manifestar las muchas incoherencias en las que cae el sistema judicial moderno. Con un reparto excepcional para tal fin, encabezado por Jamie Foxx y Gerard Butler, la película consigue conmover desde un enfoque centrado en la acción, en los trepidantes movimientos de una partida de ajedrez, en la que parece que uno de los contrincantes consigue hacerse con el dominio en base a la anticipación. Gerard Butler se presenta últimamente en nuestra carteleras como un inquilino habitual, con películas como Drácula 2001 (2000), Lara Croft: la cuna de la vida (2003), El fantasma de la ópera (2004), 300 (2007), Como entrenar a tu dragón (2010). En esta nueva película, el actor escocés consigue aportar el ritmo dramático y contenido al personaje del padre desgarrado, que trata de consumir su venganza lentamente, con un meticuloso trabajo previo. Por su parte, Jamie Foxx - Ali (2001), Collateral (2004), Ray (2004) [Oscar al mejor actor], Corrupción en Miami (2006), Dreamgirls (2006) - hereda el más que conocido papel de fiscal americano, que se debe a un valor tan noble como la justicia. Para hacer frente a la situación, deberá de sentar sus prioridades y recordar los principios que guiaban su vida antes de llegar a un nivel de cómodo poder.
Con una promoción desapercibida frente a otros estrenos con los que comparte cartel, Un ciudadano ejemplar cosecha un éxito arrebatador en aquellos que se deciden por una película que no se conoce. En ocasiones como éstas, ese descarte con tintes publicitarios te permite disfrutar de una película muy estructurada en torno a la solidez de los valores éticos en la actualidad. ¿Y es que acaso nadie sería capaz de seguir los pasos de Clyde Shelton en el caso de contar con esa capacidad?
LA CUARTA FASE
“Soy Milla Jovovich, actriz. Interpreto a la doctora Abigail Tyler. Esta película es una dramatización de hechos ocurridos en Octubre de 2000 y está respaldada por imágenes reales de archivo, algunas de las que verán son... tremendamente perturbadoras”. Con estas palabras se presenta el inicio de la película de mano de una profundamente seria Milla Jovovich. En esta ocasión interpreta a la doctora Abigail Tyler, una psicoterapeuta instalada en Nome, un pueblo aislado de Alaska. Tras la dramática muerte de su marido, decide retomar su trabajo, investigando una serie de extraños sueños que parecen compartir distintos vecinos de Nome. Tras sesiones de hipnosis, los pacientes recuerdan la presencia en sus propias casas de extraños seres inidentificables. Con todos los testimonios que va recogiendo, la doctora Tyler trata de dar una explicación racional a estos fenómenos que parecen al causa de misteriosas desapariciones. Milla Jovovich parece pretender demostrarnos sus aptitudes como actriz desde la lejana película Regreso al lago azul (1991). Tras El quinto elemento (1997), cinta en la que compartió protagonismo con Bruce Willis, Chris Tucker y Gary Oldman, Jovovich se ha consagrado como una constante en las carteleras de todo el mundo, y durante los últimos años ha sido presentada como la cabeza de cartel en la saga de Resident Evil. Pese a lo reprochable de ciertas actuaciones en anteriores películas, en este caso Milla consigue hacer un trabajo adecuado a lo expuesto en el film. El hecho de no tratar de sustituir a los testimonios y experiencias reales en los que está basada la película, consigue validar la dramatización que realizan, perfectamente combinada con los documentos incluidos.
Con una trama que parece haber protagonizado ya demasiadas películas en nuestras carteleras, este film consigue sorprender y al mismo tiempo cautivar al espectador incluyendo documentos inéditos en los que se ha basado la película. Desde el comienzo, las secuencias dramatizadas comparten pantalla con las grabaciones originales, algunas de las cuales de una tremenda dureza por su contenido. Pese a que en un principio es fácil tratar de mantenerse al margen de lo narrado en la película al final es inevitable no establecer una empatía con lo narrado: ¿quién sería capaz de poner en duda experiencias tan traumáticas para distintas personas?
Pese a todo, La cuarta fase no ha estado exenta de críticas. Por una parte, distintos medios acusaron a la productora Universal Pictures de haber promovido la creación de falsos artículos periodísticos para apoyar la veracidad de esta película. Por otra parte, parece que el haber intentado hacer pasar a una actriz (Charlotte Milchard) por la que parece ser en la cinta -en los documentos inéditos incluidos- la verdadera Doctora Abigail Tyler, ha hecho que muchos duden por tanto de la veracidad de dichos documentos.
Con todo, se ha demostrado que la película no está basada en hechos reales, o al menos en los hechos reales que exponen en la misma. Sin lugar a dudas, esto parece restar cierta veracidad a la cinta, pero no evita que los espectadores de la misma lleguemos a dudar de los límites de lo que es racional y factible, y -a título personal al menos- quedemos con una sensación de empatía por las personas que tengan que superar un trance como ese. Y es que, no parece aún se haya demostrado totalmente nuestra soledad en el Universo...
IRONMAN 2 Francisco Trinidad
Tony Stark (Robert Downey Jr.) parece decidido a seguir siendo el chico más malo de entre todos los superheróes. Pese a haber logrado la paz mundial y haber cumplido el sueño de su padre al construir la Stark Expo, Ironman no deja en esta entrega de estar acosado por estrambóticos villanos. En este caso, el afamado multimillonario deberá de enfrentarse no sólo a una nueva ristra de mecanizados enemigos, si no al peor adversario: su egocentrismo. Tras anunciar que su alter ego era el propio Ironman, Ivan Vanko (Mickey Rourke) jura a su padre, en su lecho de muerte, que se vengará de Stark. Para ello, partirá de un diseño semejante al que diseñó su padre -y que curiosamente Stark también usa- para elaborar un mecanismo tan mortal como excéntrico. Mientras, Tony Stark decide nombrar directora general de su compañía a Pepper (Gwyneth Paltrow), preocupado por el lento envenenamiento que provoca en él el paladio del que está hecho el instrumento que le mantiene con vida. Para suplir las tareas de las que se encargaba Pepper, Tony decide contratar a Natalie Rushman (Scarlett Johansson), una eficiente secretaria que consigue cautivarle con algo más que llevar su agenda al día. Por si fuera poco, el Gobierno de Estados Unidos reclama a Stark que les ceda el diseño de las armaduras diseñadas por él para Ironman, dado el enorme peligro que podrían suponer en las manos equivocadas. Esta segunda entrega de Ironman nos demuestra una vez más que ante la escasez de ideas es bastante rentable seguir explotando la creatividad de la fábrica Marvel, repitiendo una vez más una acción basada en los típicos clichés de Norteamérica. Tranquilos, que en breve podremos disfrutar de una tercera entrega de mano del formato 3D, además de una nueva saga que nos introduce Ironman, “Los Vengadores”. Es irónico, cuando los que realmente tendríamos que encargarnos de la venganza, en compensación, somos nosotros... no ellos. Con un reparto ya conocido en esta saga (repiten Tony Stark, Gwyneth Paltrow) se incorporan Scarlett Johansson, Mickey Rourke y Samuel L. Jackson. Como bien comentó la propia actriz, Scarlett tuvo que someterse a cinco meses de entrenamiento para su papel en esta película... Quizás yo sea demasiado escéptico, pero no me digáis que se necesitan cinco meses para ese papel. Por supuesto, quizás se refiera a cinco meses, entrenando un primer día para saber cuántos pasos tenía que dar, y un último día -cinco meses después- para saber cuánta carne iba a enseñar.
Mención aparte merece la colaboración de Mickey Rourke. Pese a que en un principio los guionistas querían enfrentar a nuestro superhéroe de la brillante armadura con su archienemigo, “el Mandarín”, no pudo llevarse a cabo. Y es que el cirujano de Mickey (no Mouse, ¡cuidado!) no podía estirar más la cara para conseguir un aspecto más asiático, pero lo dejó preparado con el resto de extras de villano desconsiderado: tatuajes de quita y pon por todo el cuerpo, como si no hubiera sentido reparo en comprar Phoskitos a nivel industrial e ir mostrándolo; unos injertos de pelo lacio y grasiento, de ese de descubrir una nueva arma mortífera -pero no poder descubrir qué contiene el bote amarillo de la ducha-; un par de estiramientos faciales (de los que te suben el ombligo de tanto estirar) y ya por último, un repaso de Botox a nivel general, no vaya a ser que se le caigan las carnes en el peor momento. (Ya sabéis que si queréis poneros Botox en casa al estilo Rourke, no os olvidéis de poner una capa de imprimación antes, que si no luego no tira bien la toxina milagrosa....).
En cuanto a ti, Gwyneth, mi querídisima Gwyneth... esperaba cambiar de opinión ante esta nueva entrega, pero debo de suscribir todo lo que se escribió en la crítica para esta misma web de Ironman 1. Te mereces algo más, querida Gwyneth, cuando vuelvas a estar de bajón tú ponte en contacto con nosotros, que desde que nuestra increíble directora Lucía Tello se encargó del corto “Un tango con Norma”, podemos reconducir tu carrera y volver a hacerte pretendiente a otra estatuilla dorada. Créeme, que Lucía tiene talento, especialmente al escoger a sus actores... Asumámoslo, nadie que no sea estadounidense podría lograr la paz mundial a golpe de hierro -no me refiero a fuera de las pantallas, of course-. Por supuesto, el mismo sujeto que consigue la paz mundial, es capaz de organizar espléndidas fiestas en mansiones de ensueño, con una simple llamada. Y por si fuera poco, en el período en el cualquiera de nosotros -pobretones mortales- sufriríamos una tremenda resaca, nuestro magnífico héroe consigue sintetizar una nueva sustancia... (Ponle un Highway to hell de fondo y todos lo pasamos por alto, mientras los pies nos bailan solos...). Pero lo peor, al margen de esas incongruencias ya típicas en este tipo de películas, es la tendencia a seguir dinamitando la esperanza de los espectadores. Una simple esperanza que se basa en encontrar una historia distinta, algo que no se haya visto aún. Para los que no tengáis estas aspiraciones, os lo aseguro... ¡esta es vuestra película!
EL MAL AJENO
Título original: El mal ajeno. Diego (Eduardo Noriega) es un exitoso médico, acostumbrado a lidiar con situaciones límite en el hospital. Desgraciadamente, el marido de una de sus pacientes le señala como el culpable de la muerte de su mujer, por lo que Diego sufre un duro enfrentamiento con él, tras el cual se despierta y sólo es capaz de recordar que el sujeto disparó una pistola contra él, pero no hay ningún daño aparente. Desde entonces, Diego trata de retomar su labor en el hospital, pero algo extraño les sucede a sus pacientes. La película también cuenta con la participación de Belén Rueda, interpretando el papel de una mujer desencantada con el amor. Su relación con Diego dará un nuevo a sentido a su vida, pero el misterio que rodea a los extraños sucesos que ocurren hará que deban colaborar para salir adelante.
Con un guión que en ciertos momentos de la película pierde la fuerza que caracteriza a determinadas escenas, la película no consigue convencer en totalidad, dejándose llevar por un final que trata de resolver todos los conflictos que surgen, perdiendo la magia de lo desconocido en la que se inspira el comienzo del film. Óscar Santos, director de la película, cuenta con un padrino de excepción para su primer largometraje, Alejandro Amenábar. Amenábar apoya a un equipo respaldado por trabajos, con quizás menos renombre, pero de gran calidad. Cabe destacar la participación de Daniel Sánchez Arévalo, quien se encargó de escribir y dirigir el alabado Azuloscurocasinegro (2006). Con todo, la película sigue cayendo en las insulsas necesidades del cine español en cuanto a los amores desenfrenados se refiere. Además, el hecho de no contar con una base adecuada para el desarrollo de los matices más fantásticos de la película, deja la sensación de que la película no alcanza toda la calidad que podría haber conseguido.
Siempre ocurrirá lo mismo con el cine español, incapaz de culminar una gran idea con una película a su altura. Más que un mal ajeno, lo que nos transmite es un enorme sentimiento de... vergüenza ajena.
PARANORMAL ENTITY
Título original: Paranormal Entity Por primera vez me hago cargo de comentar una película que no pasa por los cines, si no que directamente ve la luz en formato DVD. Y os puedo asegurar que no es ese el motivo por el que esta película no llega a valer el disco en el que está grabado.La cinta muestra desde un enfoque de documental los sucesos que acontecen a la familia Finley. Tras la muerte de su marido,Ellen Finley (Fia Perera) empieza a contactar con lo que parece ser su marido desde el más allá. A medida que esta comunicación se hace más frecuente, unos extraños sucesos tienen lugar en el hogar familiar. Por ello, Thomas (Shane Van Dyke), el hermano de la familia, decide comenzar a grabar todo lo que ocurre para así documentar el caso. Todos los eventos que sufren parecen centrarse en la hermana de Thomas, Samantha (Erin Marie Hogana), que cada día se muestra más trastornada por esa presencia que la persigue. En busca de ayuda, la familia trata de recurrir a un médium que les aconseje qué poder hacer con su nuevo inquilino, pero por desgracia la visita del experto se hace de rogar.
Siguiendo al estela de la exitosa Paranormal activity (comentada también en esta web), Shane Van Dyke recurrió a escribir un guión prácticamente igual -escribir quizás sea demasiado generoso, su tarea fue algo más “copy-paste”-. Las localizaciones recuerdan a las de su predecesora (típica casa americana), el estilo del rodaje es idéntico, en formato de diario nocturno que registra las peripecias acontecidas por la familia y al día siguiente las caras de asombro de los mismos... Algunos defenderían que esta película pertenece al grupo de las “mockbuster” al tomar el testigo de Paranormal Activity, pero podréis comprobar personalmente que se trata de una vulgar copia.
Al margen de contar con una casa realmente ridícula (¿por qué no hay rastro de vida en esa casa? ¿Era necesario intuir que no habían quitado ni las etiquetas a los sofás para poder devolverlo cuando terminaran de grabar ese fin de semana?), y una historia que se basa en el “copy-paste”, no sólo de Paranormal Activity, si no también de Pesadilla en Elm Street y Poltergeist (ya sabéis el efecto que puede crear en el subconsciente colectivo una televisión inundada por la señal de nieve). Quizás alguno conozcáis a Shane Van Dyke (guionista, director, productor, actor en esta cinta) por su colaboración previa como protagonista en la televisiva serie Diagnóstico asesinato, con su papel del Dr. Mark Sloan (¡no os confundáis con Grey’s Anatomy!, esta es una versión más tejana...). Si aún no le recordáis -os comprendo, yo tampoco-, os puedo dejar un enlace a su sitio oficial para que comprobéis de primera mano el “talento” de este “actor”. Tras ver ese monstruoso sitio no comprendo por qué se limitó a copiar a Paranormal Activity, cuando con esa web ya tiene material paranormal de sobra. El resto de los actores de este film -me refiero a los tres restantes- no consiguen aportar mucho más, incluso podemos ver la impotencia reflejada en sus ojos ante tal espectáculo. Porque si con alguna ventaja cuenta esta película, es que algún incauto decida comprar el DVD por confusión con la original Paranormal Activity.
Se nota que intentan dar una profundidad real a la película, convirtiéndolo en el testimonio de una familia, pensando que pueden hacernos creer que los sucesos acontecidos son el testimonio real que rodea a este singular caso... Por supuesto, no podían dejar de rematar este show con una escena de posesión catatónica en la bañera, protagonizado por Samantha. En realidad esa escena sobra... bueno, esa y las que se incluyen los restantes 90 minutos de metraje... Visto lo visto a Paranormal Activity podemos aplicarle lo comúnmente dicho: “De fuera vendrán, que bueno te harán”.
SHUTTER ISLAND
Scorsese vuelve a apostar - eso sí, con un imbatible as en la mano como Leo DiCaprio – y parece que crítica y público apoyan su proyecto. Con esta película, el director neoyorquino nos introduce de lleno en la visita de un par de agentes judiciales, Teddy Daniela (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) a un hospital psiquiátrico situado en una lejana y siniestra isla. Dicho hospital psiquiátrico ostenta además la categoría de centro penitenciario, cobijando entre sus muros a los más peligrosos y desequilibrados reclusos. Los dos agentes tratan de investigar la desaparición de una peligrosa asesina recluida allí, pero en el transcurso de su rutinaria tarea deberán de enfrentarse al encierro en esta institución debido a una más que inoportuna tormenta. Una vez dentro deberán lidiar con todos los indicios que les indican que en ese centro ocurren sucesos muy extraños, que parecen apuntar a la extraña gestión del doctor John Cawley (Ben Kingsley). Parece que el idilio - laboral, por supuesto - entre DiCaprio y Scorsese parece no dejar de dar frutos, y esta película no se queda atrás. Con una impresionante fotografía, en esta película podemos sentir lo alejados que quedan todas las posibles leyes de esta isla de locos. Un isla que oculta secretos que, pese a las posibles secuelas que ello pueda producir, no se resuelven.
Podríamos achacar estas faltas a esa necesidad de recortar la narrativa para obtener una versión apta cinematográficamente (la cinta está basada en la novela homónima de Dennos Lehane), pero no deja de desparecer en nosotros esa sensación de que le falta ese punto para ser una buena película. Mención aparte merece la colaboración de nuestro estimado Leo DiCaprio que, intentando dejar de lado pasados recuerdos de enormes transatlánticos (sí, no he podido evitar recordarlo, pero es que no hay lobotomía lo suficientemente profunda para solucionarlo) consigue resolver de manera satisfactoria su actuación. Parece que la experiencia es realmente un grado, y en este caso merece la pena señalarlo. Con un guión difícil, sembrado de trampas y misterios, el papel del protagonista debe saber confundir y atrapar al público, haciendo de su historia ficticia, el más importante desvelo de los insólitos espectadores. ¿Dónde están los límites de la locura?
A la luz de la película queda claro que lejos de las celdas de este centro penitenciario-hospital psiquiátrico. ¿Quién puede asegurar cuáles son hechos reales y cuáles son producto de su imaginación? Quien aún piense que puede definirlos, no le animo simplemente a ver Shutter Island, si no recapacitar en su propia vida... ¿acaso no tenemos todos un faro en el que ocultamos lo más oscuro de nuestro subconsciente? Los que hayan visto ya la película sabrán el por qué de esta referencia, los que no la hayáis visto... seguid la luz.
¿QUÉ LES PASA A LOS HOMBRES?
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No cabe duda alguna: si lo que buscas es un tema conflictivo, que encienda a la gente nada más mencionarlo, que sea capaz de dividir a la población mundial, sólo tienes que pensar en el eterno conflicto entre hombres y mujeres. Y cómo no, esta película se basa en ese imperecedero enfrentamiento, en el que parece que aún no está dicha la última palabra. Basada en el libro homónimo, escrito por Greg Behrendt y Liz Tuccillo - más conocidos por ser parte del equipo de guionistas de la exitosa “Sexo en Nueva York” – la película nos presenta los problemas que pueden tener un grupo de parejas de hoy en día: una eterna soltera que no logra descifrar el lenguaje masculino, una pareja en crisis por la aparición de una tercera persona, un grupo de singles con ganas de encontrar el amor verdadero y una pareja que no sabe cómo avanzar en su relación, entre otros casos - patológicos, seguro -.
Por último, el tercer grupo de “actores” es aquel que podríamos denominar como los actores cuyo talento interpretativo está en la UCI, en constante criticidad. Un buen ejemplo son Ben Affleck (Neil) y Jennifer Connelly (Janine). Porque, podemos entender que Ben tuviera su tirón en un momento muy puntual, pero creo que ahora mismo no hace más que empañar el lustre de esta película: hace falta algo más que su cara de caballo para poder interpretar el papel de la pareja de Jennifer Anniston (sí, de nuestra Rachel). Y qué decir de nuestra gran Jenniffer Connelly, que aunque en esta película parece encajar, nos deja sorprendidos y preocupados. Ya al margen de la película, querría hacer un llamamiento para recuperarla. Porque antes era una mujer que se veía guapa, casi espectacular. Pero ya no es la misma,… es un ente que se sigue llamando igual pero con la décima parte de peso. Por eso os pido, que si la véis no dudéis en invitarla a tomar algo. Simplemente con el gesto de tirarle a su boca – intentad encestar – el bocata que os vayáis comiendo por la calle podremos recuperar a la Jenniffer de la que todos nos enamoramos en películas como “Una mente maravillosa”. Sinceramente, más allá del morbo de ver a toda esta panda de grandes conocidos en inverosímiles enredos sentimentales, la película no presenta ningún otro atractivo. Porque sigue siendo otro ladrillo más en el muro de los que intentan mantener el conflicto sexual en nuestra cotidianidad, otro lastre para separarnos más aún y pretender hacernos ver que, por ejemplo, una mujer tiene que conseguir realizarse sólo si pasa por una relación amorosa – que, curiosamente, siempre resulta ser tortuosa -. ¿Estaremos preparados para una historia de realización personal, de catarsis, al margen de conflictos tan superficiales?
Pese a todo, la cinta se ha convertido en un filón en la taquilla con más de 1,39 millones de euros recaudados sólo en las salas españolas. Si aún estáis decididos a ir a verla, tened en cuenta que no es más que ficción, que la vida no se comparte con hombres o mujeres, sino con personas… no os dejéis engañar.
MILLENIUM I: LOS HOMBRES QUE NO AMAN A LAS MUJERES
Título original: Män som hatar kvinnor Pincha aquí para ver el trailer
Una vez más podemos ver cómo una película se nutre de la estantería de best-sellers mundiales. Y no parece que en este caso el equipo haya dado puntada sin hilo, dado el éxito que ha acompañado a la película en su periplo por las taquillas de todo el mundo. Siguiendo la primera novela de la trilogía “Millenium” de Stieg Larsson, la película nos presenta a Mikael (Michael Nyqvist), un infatigable periodista que participa en la revista de nombre homónimo a la trilogía. Tras sufrir el revés de la justicia por una de sus investigaciones, Mikael acepta realizar una nueva investigación: debe de esclarecer el crimen de la sobrina de Henrik Vanger, un acaudalado empresario. Pese a lo difícil que parece la tarea, dado que ocurrió hace unas decenas de años, Mikael desconoce que alguien sigue de cerca sus pasos, la hacker Lisbeth Salander (Noomi Rapace), una chica de agresiva apariencia, efectivo trabajo y … dudosa sexualidad. Con un ritmo constante la historia se desarrolla como la gran novela de intriga en la que se inspira. A la adecuada actuación por parte del reparto se añade una cuidada fotografía que consigue convertirse en un mecanismo imprescindible para la cinta. Pese a todo, ciertas escenas resultan demasiado duras, no sólo por el hecho que tratan de reflejar, sino también por el método tan explícito con el que lo hacen. En cierto modo no se pueden considerar una parte imprescindible de la película, pese al avance argumental de la misma. El hecho de no contar con la colaboración del escritor de la trilogía, Stieg Larsson, que falleció el 9 de Noviembre del 2004 sin llegar siquiera a ver su publicada su obra, no supuso un hándicap en su lanzamiento. Claro está, que sus herederos seguirán promocionando las versiones cinematográficas, seguro que en pos de universalizar la labor de Larsson… Con todo, esta película consigue hacernos ver que se acercan nuestras carteleras dos secuelas más que, siguiendo con la estela de la trilogía literaria, consigan un éxito unánime a nivel mundial.
ARRÁSTRAME AL INFIERNO
Título original: Drag me to hell Pincha aquí para ver el trailer No parece que la cartelera estival tenga grandes éxitos entre sus filas, pero siempre hay películas cuyas expectativas son más satisfactorias que la propia película. Y entre ellas podemos encontrar Arrástrame al infierno.
Pese a lo que pueda parecer la película no aporta ningún argumento original, ni tan siquiera en su final, que resulta ser más que previsible. Parece que Sam Raimi, conocido por dirigir las películas de Spiderman en la gran pantalla, no trataba de conseguir una película de impacto. Quizás simplemente esto es para él un simple aguinaldo veraniego, porque seamos sinceros, faltan casi dos años para el estreno de la cuarta entrega del héroe arácnido, y no sólo de telarañas vive el hombre. A lo largo de la cinta no existe ni un solo momento en el que puedas sentir terror, aunque quizás no era esa la intención de los guionistas, nuestro querido Sam y su hermano Ivan. Se me ocurre que no fuera tal su intención porque parece más bien que no quieran hacerte temblar, sino marearte. Son múltiples las escenas en las que la señora Agnus vomita sobre Christine, incluso Ivan y Sam nos enseñan que dichos vómitos son capaces de traspasar la barrera con el más allá. Pero, cortes digestivos aparte, sí es cierto que la película no se hace extremadamente larga, tiene un ritmo constante… pero fácilmente predecible.
Y podréis comprenderme que diga que son insuperables como cuando, por ejemplo, la protagonista, a pesar de ser consciente de su maldición, acepta ir a conocer a los padres de su novio. O también, como cuando se enfrenta – en reiteradas ocasiones a lo largo de la película – al pañuelo repleto de flemas de la señora Agnus. Pero sobre todo, y bajo mi punto de vista, la mejor escena de entre las absurdas, es el momento en el que una cabra (sí, habéis leído bien, un cabra, de esas normalitas con cuernos retorcidos), le grita (sí, sí, seguís leyendo bien, es capaz de tener una conversación) a nuestra protagonista, y cito textualmente: “¡¡¡Me has engañado, maldita zo*** !!!... ¡¡¿¿Serás p***??!!”. Yo, sinceramente, no podía parar de reír ante esta situación, una cabra fue capaz de dos proezas simultáneamente: primero expresar en 12 segundos más de lo que expresa la protagonista en la película; y segundo, decirle a nuestra querida Christine, lo que todos hubiéramos dicho de haber estado en sus cuernos. Aparte de los comentarios de nuestra amiga la cabra, de los accidentes causados por la maldición, o de las más que divertidas visitas de la anciana, la película no consigue ni hacerte sentir el miedo aterrador, ni tampoco sorprenderte con un inquietante argumento. Serás tú, amante del cine, el que tendrá que poner de tu parte las risas por lo absurdo de la película, el arrepentimiento por el dinero perdido o la esperanza de que a la protagonista le pase algo, porque la película no hará ese trabajo por tí. Si no crees que podrás aportar nada y a pesar de ello te pasas a verla, ten en cuenta que te verás arrastrado a un verdadero infierno…
CONFESIONES DE UNA COMPRADORA COMPULSIVA Francisco Trinidad
“¿Hablas Prada?”… Parece mentira que tal y como se perfila el panorama económico, en los cines se nos ofrezca la posibilidad de escuchar una sarta de frivolidades que no cesan de caer en los clichés más absurdos. Aunque quizás, visto de otro modo, esta sea la manera de superar un síndrome de abstinencia al consumismo, tal y como aquellos pintores que muertos de hambre conseguían, pincelada a pincelada, un soberbio bodegón de jugosas frutas.
A ciegas Francisco Trinidad
No nos engañemos: adaptar al cine un ensayo de un premio Nobel no es tarea fácil. No quiero decir que resulte demasiado caro, complicado o largo… me refiero a esa sensación que debió sentir el equipo, como un cosquilleo continuo en la nuca, algo que te hace revisar varias veces hasta el café del apuntador, una presión que sin embargo, en cuanto ves la película editada, desaparece de inmediato.
MONSTRUOS CONTRA ALIENÍGENAS Francisco Trinidad
Título original: Monsters Vs Aliens
Cada vez que las películas de animación ocupan un hueco en la cartelera descubrimos que el cine del futuro sí es posible. En este caso, “Monstruos contra alienígenas” nos lleva a una realidad en la que se produce una amenaza alienígena. Para poder hacer frente a esa invasión se recurre a los monstruos, unos especímenes que el gobierno estadounidense ha mantenido ocultos en una de esas conspiraciones pentagonales. La protagonista experimenta un terrible accidente el día de su boda, haciendo que se convierta en lo que se encargan de llamar Ginormica. Junto con B.O.B., Eslabón perdido y Dr. Cucaracha tendrá que enfrentarse al malvadísimo Galaxhar. En definitiva, se podría definir esta cinta como una buena excusa para entretener a los críos al menos un par de horas estas fiestas, aunque la versión 3D es más que sorprendente, incluso para los adultos acompañantes… por si todo falla, recuerda: al menos escoge bien las palomitas.
Saw 5 Francisco Trinidad
Título original: Saw 5 ¡Sssh! Silencio… ¿podéis escucharlo?...”Mon…mon…” … un poco más de silencio… ¡dejad de leer en voz alta!... “Money…money…”...cada vez se escucha más claro… “Money money money… must be funny… in the rich man’s world… money money money… always sunny… in the rich man’s world”. No cabe duda, los productores de la más que esperada Saw 5 están celebrando a pleno pulmón… su falta de originalidad. Pero, ¿acaso les podemos reprochar algo? Cada otoño llega a nuestras carteleras una nueva entrega de la película del horror y la tortura por excelencia; y, tanto en Estados Unidos (55 millones de dólares en un mes) como en Europa, consigue arrasar en la recaudación. El más que perturbado (¿o visionario?) Jigsaw continúa marcando pautas a sus pupilos para conseguir encaminar a más personas hacia la valoración de su vida y la superación de sus errores. Lástima que en el caso de Jigsaw el precio siempre se marque en… casquería. Esta quinta entrega muestra la ¿última? pieza de este puzzle interminable: el postrero heredero vivo del legado de Jigsaw es Hoffman (Costas Mandylor), uno de los agentes que trabajaban en el caso para acabar con los asesinatos coordinados por “Puzzle” (Tobin Bell). Cuando Hoffman ve peligrar su secreto por la intromisión del agente Strahn (Scott Patterson), decide volver a poner en marcha sus “juegos” para evitar errores. Parecía no poder tener más extensión la historia que acabó en la cuarta entrega, pero los guionistas no se cansan de demostrarnos (y ya han anunciado sus planes de seguir con una sexta entrega, o sea que lo de no se cansan no es una licencia literaria) que es posible seguir con la genial ocurrencia de John Kramer. Nadie puede negar que la primera entrega fue un rotundo éxito: una película que pese a su bajo presupuesto mostraba una idea original, sorprendente y… maquiavélica. Todo el mundo comenta que las nuevas generaciones viven rodeadas de violencia, que no son conscientes del daño físico o moral que constantemente se repite. Pero gracias a estos films podemos añadir algo más: la gente disfruta a niveles elevadísimos con las experiencias extremas (sobre todo si tan sólo se observa cómo las víctimas son otros), tan extremas que basan la derrota en… una muerte algo más que espantosa.
Sin dudas lo que consigue hacer que te chirrien los dientes, que tus uñas se quiebren en dos, que no puedas soportar ni un segundo más de película es que esta quinta entrega es simplemente, un amplio tobogán para caer directamente en la sexta parte (tobogán por otra parte, bien empapado en sangre para facilitar la transición). Sólo nos van mostrando cómo el poli bueno va encajando piezas y descubriendo al fiel pupilo de Jigsaw, mientras en otra sala aparte (un poco en plan Diario de Patricia, te muestran la historia con chicha en plató y en la sala insonorizada aparte te enseñan a las pobre víctimas) van matando poco a poco a gente. La verdad, es que las torturas no son excesivamente originales, no tanto en cómo van rodando cabezas, o desmembrando brazos, o licuando cerebros, sino más bien en la moraleja final – ya sabéis, algo como: haz siempre caso a tus padres, no juegues con la dentadura de la abuela, o el perro del vecino no queda bien al horno, ponlo mejor rebozado (evidentemente, no revelaré la parte educativa de la película, os dejo que la veáis) - algo que al principio te parece bastante adecuado para este tipo de película, pero al final acabas descubriendo que a nuestros compañeros Marcus y Patrick se les acaban las ideas. A la luz de esta película, cabe preguntarse (os aseguro que da tiempo, entre exanguinación y evisceración) ¿es posible que exista alguien como Jigsaw? No me refiero a que haya alguien con su talento (por otro lado muy creativo y con un tremendo trato con la gente) sino más bien, qué tipo de vida podría llevar a alguien a acabar así. Ya con las anteriores películas nos dibujan un boceto del hombre después conocido como Jigsaw: un ex-ingenierio (¿por qué a nadie le sorprende?), con su novia guapísima, y además, descubrimos que Jigsaw iba a ser padre (que por cierto, se supone que el payaso era uno de los futuros juguetes de su hijo… algo que te deja, más que sin palabras, sin aliento…). Por cierto, en cuanto al reparto de la herencia de nuestro tan querido y entrañable Jigsaw, me parece que es una escena sacada de una mente tan torturada quizás como los guionistas de la serie “Perdidos”. La ex-mujer de Jigsaw acude al notario, desconsolada por la muerte del que una vez fue su amor, y recibe un cofre como herencia de su difunto marido. Lo abre, se queda soprendida y luego se marcha… muerta de risa y sin que nadie comprenda nada… . ¿Con qué truculenta historia nos vendrán ahora los guionistas? ¿Quizás la mujer retome el trabajo de su difunto y lo primero que hará será cargarse a su pupilo? O, ¿será más bien la nueva y terrible arma de Jigsaw?... Te despiertas un día en tu cama y de repente ves una notita en tu mesilla: “Vamos a jugar un juego”, de camino a tu trabajo no te sientes nada raro, pero al llegar descubres… que tampoco nada se sale de lo normal… y al volver a casa … ¡todo está como siempre! (quizás algo más sucio)… y al abrir la nevera para ponerte la cena aperece uno vestido con una cabeza de jabalí y… te despiertas en una sótano, y al girar la cabeza, provocas una corriente de aire que apaga una vela, un sensor de luz se pone en marcha y activa un payaso que se acerca hacia ti, al cogerlo tiras de un anilla, que tensa un cable, el cable cruza la sala, empuja una bola, que a su vez cierra la puerta de golpe y a su vez pulsa un mando que enciende el video, conectado a una tele, la tele se enciende… y ¡aparece tu sentencia de muerte!: tienes dos minutos y medio para con un cuchillo de mantequilla abrirte el cráneo, hurgar en tu cerebro y matar a una comadreja negra (la negra, no te vayas a equivocar y mates a la blanca) que se ha tragado una cerilla para que enciendas una mecha que te va indicando por dónde salir, mientras que tratas de descifrar un código en arameo que es la contraseña de la puerta por la que tienes que salir, teniendo en cuenta que tienes que hacerlo antes de que explote una bomba de clavos, antes de que la comadreja blanca se vuelva carnivora, y mientras que en la tele pasan los mejores momentos de Cine de Barrio. Por supuesto, todo tiene relación con la historia vital de la víctima, porque dejó que el cuñado del hijo de la vecina, que tenía una comadreja disecada como mascota, muriera en un incendio mientras estaba de viaje para estudiar arameo, y nuestra feliz victima no hizo nada por salvarlo… (lo de poner Cine de Barrio no tiene nada de relación, eso es puro sadismo)… Por supuesto nuestro amigo acaba muerto porque fue Amanda la que le preparó la prueba y dejó la puerta de salida con el pestillo echado.(por supuesto se podría incluir un flashback de Amanda cortándose las uñas a la altura de la muñeca). Esto último es algo más que una paranoia (con algo de brote psicótico añadido), es un regalo para los guionistas de la sexta parte... porque estoy seguro de que yo iré a verla… aunque supongo que como siempre, merecerán mucho más la pena las palomitas.
The Spirit Francisco Trinidad
Título original: The spirit
Una vez más, podemos disfrutar de la adaptación de un cómic a la gran pantalla. Danny Colt (Gabriel Macht) es un policía que tras, aparentemente, morir decide ocultarlo para combatir el crimen desde el anonimato en su ciudad, Central City. Como buen superhéroe estará rodeado de sus más que numerosas conquistas y acechado siempre por su eterno archienemigo, el Doctor Octopus.
Ultimátum a la tierra Francisco Trinidad
Título original: The day the earth stood still
Está claro que aunuque las ideas escasean, no por ello dejaremos de ver estrenos en nuestra cartelera: siempre podrán “sorprendernos”con un remake. En este caso, la película es un remake de la obra homónima de 1951. Pese a que las películas tienen algunas diferencias, la esencia de la misma se mantiene durante los años: una civilización extraterrestre acude a la Tierra, con la amenaza de un ataque inminente para que se cambie la tendencia destructiva de la que presume la raza humana. En la película de 1951 el argumento versaba en torno a la carrera tecnológica desarrollada en pos del desarrollo nuclear (vaya insenstatos, ¿no crees, querida y admirada Abogada del Diablo?), enmarcada evidentemente en la situación de la Guerra Fría. La nueva versión se centra en una preocupación mucho más cercana a Al Gore: el extraterrestre solicita el fin de la raza humana para evitar la muerte de la Tierra.
FUNNY GAMES Francisco Trinidad
Título original: Funny games Nunca he podido estar más de acuerdo: si se es educado, todo sale bien. Pese a esto hay que destacar que el extremo protocolario alcanzado en la película roza, de manera sublime lo extrañamente desequilibrado. Pero como no se puede comenzar por un final, antes tengo que poner al lector en situación. Una sublime familia disfruta de unas vacaciones en un idílico lago… perdón, ¿he dicho disfruta? Quería decir sufre de torturas inimaginable en vez de unas vacaciones y todo ello de mano de dos dicharacheros jóvenes con ganas de jugar. La película es un remake del film del mismo nombre y director, pero en su versión austriaca, de 1997. Diez años después Michael Haneke repite en este festival del sadismo de la mano de actores plenamente hollywoodienses, entre los que merece ser destacada Naomi Watts. Tras su trabajo en The ring: la señal (2002) y The ring 2 (2005) Naomi nos demuestra que no sólo hay que temer a las niñas fangosas que salen reptando (gracias, Miguel) de la televisión, sino también a los extraños que llaman a tu puerta. Nada más llegar a su paraiso vacacional (no, Marina D’Or no, simplemente uno de esos típicos lagos americanos) la familia posiblemente más feliz en ese momento prepara su estancia: mientras el padre y el niño ultiman los detalles de su embarcación, con un escurridizo cuchillo que te hace pensar en un final simplón (casi aciertas, Elena) la madre se encarga de organizar la casa. Un educado joven entra en su casa pidiendo media docena de huevos, y lo que podía haber sido un simple favor se transforma en el más desagradable entuerto para nuestra queridísma familia: a este joven, Peter (Brady Corbet), le acompaña su inseparable amigo, Paul (Michael Pitt), que tras atacar al padre (algo justificado por la pérdida de modales de éste) explican su pequeño jueguecito a nuestros protagonistas: ellos apuestan que la familia estará muerta a la mañana siguiente, y la familia – lo quieran o no – apuestan lo contrario. Este sencillo juego se convierte en la más perversa demostración de hasta dónde puede llegar la demencia juvenil – entre la que me incluyo, claro --. Un especial papel en la película cobra juego en la indumentaria de nuestro amigos Peter y Paul, impecablemente vestidos de blanco (sport, eso sí, no hay nada como matar de manera cómoda) y con guantes blancos, algo que sin duda rebasa el hecho de no dejar huellas de su actividad, más bien se convierte en un gesto del extremo que alcanza la meticulosidad de estos dos “jugadores”. Bardy Corbet llega a recordar en esta película al grandísimo Jack Nicholson en su papel del Jocker, no tanto en el estilo del personaje, sino en los gestos de la cara. Mención aparte tiene el momento en el cual Paul comienza con Peter a divagar en el sofá y a contar una historia cuanto menos divertida de la vida de Peter.
La familia – con un miembro menos, eso sí – trata de recomponerse de lo que era hasta ese momento las peores vacaciones: la angustia que te reflejan estos momentos es sin duda mucho peor de lo que se sentía en presencia de nuestros amigos Peter y Paul, la inquietud de no saber qué hacer, de darse cuenta de lo indefensos que estaban ante ese juego pudo hacer perder a más de uno la cordura. Porque de haber seguido el juego como había sido hasta ese momento podrían quizás haber hecho frente a la apuesta. Cuando más tarde Peter sufre un accidente a manos de uno de los miembros de la familia y Paul consigue salvarle rebobinando con el mando del video es algo que ya muestra definitivamente la enajenación mental no transitoria que sufre Michael Haneke. Pese a ello nos lanza el aviso de que en esa película no va a haber un final agradable, no veremos como se abraza la familia con un amanecer de fondo tras matar a sus verdugos mientras Marco se reencuentra con su madre a lo lejos y aún más lejos podemos ver que el disparo de la madre de bambi solo le hizo un rasguño. Así, te llegas a dar cuenta de que no pueden hacer nada y todo llegará a su… ¿final? Porque el hecho de volver a pedir unos huevos por parte de Paul en casa de unos vecinos no parece serlo… Una reconocida mención de la debe llevar la banda sonora, que pese a que se reduzca a una canción es algo absolutamente acorde con la película: las suaves melodías de Mozart y Händel dejan paso al toque thrash-punk de John Zorn, simplemente escalofriante: http://es.youtube.com/watch?v=MX4BmANMfiQ (sólo son los créditos, no desvela nada, a pesar de la cara que nos dedica Peter). Así, se nos ofrece una película, bajo mi punto de vista recomendable, que es capaz de hacer obscena la locura sin por ello llegar a mostrar sangre ni cuchilladas. Un cuadro en el que se permite ironizar con la clase burguesa, mostrando unos consternados y refinados asesinos que son capaces de acabar con la vida de una familia… jugando. Todo comienza en un coche, una familia juega a adivinar canciones de música clásica, sin llegar a saber… que después jugarían a algo más divertido,… más Funny Games.
Expediente X 2: Creer es la clave Francisco Trinidad
Título original: The X-Files 2: I want to believe
Cuando proyectaron el tráiler de la nueva entrega cinemtográfica de Expediente X, pude sentir como me estremecía en mi butaca. Una nueva oportunidad de reencontrarse con ovnis, intrigas gubernamentales, carreras por pasillos que no llevan a ninguna parte, exámenes rectales a medianoche y, por supuesto, esos pequeños hombrecitos verdes. La desaparición de una mujer parece un suceso muy alejado de esta saga, hasta que un sacerdote acusado de peredastia en el pasado, revela a través de visiones escalofriantes detalles en el caso. No hace falta esperar la llamada a la puerta de los exagentes Mulder y Scully, que intentaron retomar sus vidas después de más de un susto paranormal. Mientras que Scully sigue debatiéndose en intrincadas decisiones morales, pero esta vez como médico de un hospital infantil, Mulder… Mulder está encerrado en una habitación (no demasiado oscura) rodeado de todo lo que ha sido su vida: los expedientes X. Cuando comentan que en esta ocasión cuentan para el guión y la dirección con la colaboración del grande Chris Carter, alma mater de la serie televisiva, esperas encontrar una película distinta, no tan empeñada en tirar de la sábana que tapa el cadáver de un extraterrestre, sino más enfocada a demostrar que ellos no son necesarios para no poder explicar ciertos fenómenos. El fallo: se trata de una capitulo de expediente de 105 minutos… sin contar los tráilers del comienzo… y contando los continuos bostezos. Porque lo único que ofrece – aunque ahora no sabría decir si es positivo o negativo – es no tener cortes de publicidad. Parece pretender dar continuidad a la ya difunta serie, zanjando asuntos personales en un par de minutos, para intentar enfocar la acción, como en la serie, en algo inexplicable. Pero es realemente decpcionante el tratamiento de la relación personal que mantienen Mulder y Scully, simplemente con una breve secuencia de diálogo en la cama, no se sabe si pre- o post-… ¡¡¡ABDUCCIONAL!!!… ¿qué pensabais que diría? (os recuerdo que esto es una web de cine). Como decía, un diálogo de apenas cinco minutos en el que tratan de revelar que pasó con ellos, y sin venir a cuento te sueltan algo más importante que el propio caso de la desaparición. Para los que no han visto la película, mejor que no sigan leyendo: ¿pretenden que nos quedemos tranquilos tras saber que tuvieron un hijo juntos y que murió? ¿Qué intentan? ¿Dar sentido al desprecio que siente Scully por el sacerdote? Porque en tal caso no es algo necesario, no creo que fuera algo increíble que alguien menospreciara a un pederasta, por muy rahabilitado que parezca estar en la película.(!) Seleccionar texto para leer.
Porque no creo que unos experimentos clandestinos sea el tema más interesante que podrían haber escogido. Desde luego hay más asuntos que hubieran despertado ese espanto en el público como un ataque biológico, un descubrimiento de nuevos planetas o civilizaciones, o simplemente algo que no fuera simplemente otro capítulo sin sentido. Yo sinceramente, I wanted to believe, pero la secuela de Expediente X no fue suficiente para obrar tal milagro.
EL INCIDENTE Francisco Trinidad
Título original: The happening Año: 2008.
Central Park: de repente, ante el terrible ajetreo que se acostumbra a ver por este espacio, un viento que pasa susurrando un canto fúnebre provoca que todo el mundo se quede parado. Sin más, la gente va muriendo, cayendo como piezas de un dominó sin saber qué es lo que ocurre. Y entonces entra nuestro protagonista: un profesor de instituto - patéticamente interpretado por un más que envejecido Mark Wahlberg – tiene que resolver el mayor problema al que nunca jamás se ha enfrentado: sobrevivir… Ahora sólo se puede huir pero… ¿de qué? ¿dónde ir? Las últimas noticias señalan que toda la costa Oeste de Estados Unidos está siendo atacada. Y además, a esta historia le añadimos un matrimonio en crisis, un amigo y su hija cuya mujer no está con ellos y, por supuesto, el más temible de todos los personajes: el pánico colectivo. Cuando creíamos que M. Night Shyamalan (guionista y director) era el único capaz de hacernos gemir de miedo como si fuéramos críos, hacernos dudar de todo lo que habíamos pensado que era cierto en una película; cuando sólo él podía devolvernos la esperanza de un film a la altura del precio de las entradas (¿¿Es que nos estamos volviendo locos??... Ahora llegaría el comentario de algunos: “Pues yo antes por una peseta veía dos películas”) nos sorprende con su película, El incidente, aunque la sorpresa sea darse cuenta de que no está a la altura de sus predecesoras. Antes de seguir haciendo que cunda el pesimismo sí me gustaría haceros saber que los primeros 10 minutos de película son buenos, sobre todo la atmósfera que consigue crear a través de los personajes anónimos (véase los obreros tirándose literalmente de los andamios, simplemente increíble). Tras un fuerte arranque, sobre todo gracias a la atmósfera que consigue crear a través de los personajes anónimos (véase los obreros tirándose literalmente de los andamios, simplemente increíble) la película pierde toda su magia en una historia que se revela estúpida hasta para Mark Wahlberg. Quizás M. Night Shyamalan trata de intentar enseñarnos que no todos nuestros principios son inexpugnables, que no somos para nada la raza suprema de la naturaleza… y podría seguir mucho más con este final, pero eso tendréis que descubrirlo cada uno, no seré yo quien os desvele el patético final de esta película. Quizás soy yo, que escribo desde mi ignorancia, pero no veo normal que le otorguen el papel protagonista a Mark Wahlberg. Si aún no sabéis de quien hablo, os lo aclaro, es fácil: hermano de uno de los integrantes del grupo “New kids on the block”, intentó seguir su camino, fundando su propio grupo: "Marky Mark & the Funky Bunch" (una traducción aproximada es “Marquitos Marcos y el manojo del funk”); su primer disco cosechó grandes éxitos, pero el segundo, fue un anticipo de lo que sería su vida: un fracaso. Pero si algo cabe destacar en este individuo es ser polifacético, porque mientras cantaba a ritmo de rap, fue modelo de ropa interior para Calvin Klein (sin comentarios) y tras cultivar su lado más artístico dio el gran batacazo al mundo del cine, con películas como: The italian job (2003), El planeta de los simios de Tim Burton (2000) – donde también pudimos ver el lado más simiesco de Helena Bonham-Carter - y Tres reyes (1999), entre otras. Pero si hay algo que TODOS sabemos, es que se necesita algo más que un abultado paquete para hacer una actuación convincente. Y he marcado el TODOS bien grande, Mark, para que te des por aludido y no quepa ni tan siquiera la posibilidad de que una de tus películas vuelva a nuestras moribundas carteleras. El resto del reparto está a la altura de la película, aunque la verdad es que John Leguizamo no consigue llegar a una genial interpretación, como hizo con Toulouse Lautrec en la película de Baz Luhrmann de Moulin Rouge (2001). Entre otros detalles, el momento en el que deja a su hija con la guapísima mujer del profesor, Alma (Zooey Deschanel), justo cuando le grita a Alma: “No le des la mano (refiriéndose a su hija) si no lo sientes de verdad”. Aún no entiendo por qué ser tan maleducado con una persona que va a cuidar de tu hija en la tan excepcional situación que vivían, supongo que sería alguno de los traumas infantiles de Shyalaman [entre otros rumores, se dice que el guión de El sexto sentido no le surgió por inspiración propia, sino porque él vivió algo semejante de pequeño… ¿verdad?... ¿artimaña publicitaria?... juzguen ustedes mismos].
Mención aparte merecen los planos en los que podemos ver a la gente huyendo, increíbles escenas donde la naturaleza cobra un protagonismo más que merecido. Ni que decir tiene que uno de los momentos en los que la película parece remontar el ritmo del comienzo es la casa de la señora loca. Para quien no la haya visto, esto le parecerá un mal chiste; pero los incautos que ya cayeron en la tentación, seguro que no encuentran una mejor definición de esa mujer.
Pero no pasa ni un minuto cuando esas dudas, no es que se despejen, sino que se apartan para contemplar el sublime y delirante baile. La señora de avanzada edad y más que avanzado estado de enajenación mental – llamémosla, cariñosamente, la vieja loca – consigue mostrarnos los efectos de no tener televisión: una falsedad bastante pulcra, cachetes a la niña por coger una galleta (lo mejor es cuando luego le ofrece esa galleta, como si nada hubiera pasado), esa sublime manera de saber si esos extraños querían robarla – ¿tenía un maniquí de vieja para meterlo en su cama? – y no podemos dejar atrás esa manera de atacar su propia casa, que resumidamente sería: (ATENCIÓN: quien aún no haya visto la película y tenga aún ganas de verla, que se ahorre leer este final de párrafo) [plano de Marquitos interpretando una escena de miedo y tensión … ante su incapacidad, mejor plano de paquete] [sabemos que la vieja loca esta por fuera de la habitación, ya infectada] ¡BLOM! [cabezazo a la pared] ¡BLOM! [otro más, un cuadro se cae… mejor espejo, que eso es más impactante] ¡BLOM! [se acerca a la ventana] [abrimos plano de paquete para ver de fondo los visillos de la ventana] y… ¡¡¡¡CRASH!!!! [el arrugado rostro viejuno arrasa con las ventanas]. Bromas aparte, la verdad es que estos momentos consiguen añadir mucha más inquietud al ambiente, cuando ya sabemos prácticamente el desenlace de la película. De hecho segundos después, añoramos a esa vieja loca (que ya se ha hecho un hueco, al menos en mi corazón), en vista de la más que estúpida declaración de amor vía tubería marca ACME. Digo tubería marca ACME porque resulta que nuestra ya difunta vieja loca tenía una especie de cobertizo en el jardín que estaba conectada por la casa sólo a través de una tubería, una tubería subwoofer, porque todo lo que pasaba allí se oía por la casa. Desde luego si eso ya es patético, lo de salir a abrazarse a riesgo de morir asquerosamente, hace que la película acabe demasiado mal… (por cierto, aún no me cuadra que la mujer salga corriendo al abrazo, pero… ¿¿qué es eso de llevar agarrada a la niña de la mano??... por dios, que se la llevaban arrastrada a una muerte segura…). A pesar de todo, es interesante destacar el reducido presupuesto con el que se ha hecho la película, que según las malas lenguas es de entorno a los 57 millones de dólares, cantidad que se hace más esperpéntica si consideramos que M. Night Shyamalan declaró que con esta película pretendía hacer un homenaje cinematográfico a las películas de serie B. Sólo en España, la cinta ya ha recaudado más de 6.1 millones de euros. Y la verdad es que podemos decir que sí, que es de serie B… Bochornosa, Burla, Basura, Bazofia, Bufonada, Bodrio, ...
INDIANA JONES Francisco Trinidad
Queridos hermanos y hermanas, es bello pensar que pese a que tengamos que sufrir esta gran pérdida, podremos recordar siempre los momentos que compartimos junto a ella. Debemos de encontrar la fortaleza en la comunión de los cinéfilos para superar su ausencia en los estrenos venideros. Parecía ayer cuando con su exquisita fragancia nos hacía creer que la creación divina era algo bello, no sólo en su conjunto, sino en cada momento que vivíamos. Parecía ayer cuando nos permitía soñar sin límites con argumentos que sembraban en nuestros corazones la emoción del cine. Parecía ayer cuando contábamos con ella, y ella con nosotros. Porque el mejor bálsamo que podemos recibir es aceptarlo sin dudar que pese a nuestras oraciones y súplicas, no quieren hacerla regresar. Aceptémoslo, la originalidad ha muerto. En el fondo, para eso vino al mundo: para hablarnos de situaciones mejores, para dárnoslas a conocer a nosotros, hijos pródigos, y para encender en nuestros corazones la alegría de poder experimentar nuevas sensaciones con cada nueva película. Pero nunca jamás nos hicimos a la idea de que la resurrección de las difuntas ideas vendría hacia nosotros en masa, como jinete apocalíptico. Y podemos ver cada día como esta decadencia se ceba de nuestras salas: nos extasiamos con la resurrección de viejos héroes de látigo y maldición en talones – Indiana Jones y el reino de la calavera - (y no sólo personajes, también actores), podemos oler el hedor que llega de películas que continúan con la estela (por no decir que continúan con el cuerpo moribundo) de series que supieron retirarse a tiempo. Porque más que Sexo en Nueva York, estamos pasando Sequía en Nueva York, porque no podemos evitar pensar que la película basada en un cómic – Ironman, Batman Begins 2: the dark knight - no tiene argumento propio, sólo efectos especiales; porque a diferencia de lo que nos indicó nuestro Padre, sólo nos verá en una segunda venida, no en una tercera, o cuarta, o quinta venida de entre las risas enlatadas de películas de terrhumor – Scarie Movie 5 – y las aventuras arqueológicas aliñadas con maldiciones faraónicas inagotables ya sean pasadas o futuras – La momia 3: La maldición del dragón, Stargate SG-21 (2008) -. Esperamos saber si tendrán finales las historias o si por el contrario todo se acabará con un impertinente ataque de espinillas mágicas – Harry Potter y el Príncipe Mestizo - . Y sintiéndolo en nuestros corazones, we don’t want to believe, ni siquiera en una nueva secuela de los expedientes que marcaron una época de misterio en nuestras pantallas – X-Files: I want to believe - . Pensarán que la precuela de Star Trek – Star Trek XI - podría hacernos creer que recuperar argumentos olvidados en el tiempo puede pasar por historias nuevas. Pensarán que si mantienen espías entre nuestras carteleras podrán sacar de nosotros la emoción que nos arrebataron hace tiempo – Bond 22 -. Y no podemos tratar de evadirnos en creaciones nacionales, que buscan en los tópicos de volantes y banderillas su expresión más recurrente – Manolete -. Parece que a quien no hay que dar de comer después de medianoche, ni mojar en ningún momento es a los creadores de maravillosas repeticiones que resultan esperpénticas copias de los 80 – Gremlins 3 -. Porque la amenaza de maquillar ideas de antaño es cada vez más real ya sea en forma de sabuesos asustadizos – Scooby Doo 3 – o niños perdidos en los cambios de su pubertad, que logran sin problema alguno ser héroes antes de crecer – Los Goonies (¿2008?) -. Unamos nuestras oraciones para que alcancemos la recuperación de nuestra compañera, nuestra hermana, que yace fría en su sepultura. Roguemos así mismo que cesen las plagas de huelgas en guiones, que cavan para ella una fosa más honda, y tengamos fe en que no tendremos que sufrir el ascenso de las profundidades de la película de “Los vigilantes de la playa” (la primera película grabada íntegramente a cámara lenta, y por la que actrices de dudosa capacidad seguro ganarán un Oscar). Depositemos nuestra moribunda confianza en los Wachwosky, cuyos milagros superan las ideas insólitas y llegan hasta la conversión de gónadas; recemos por recuperar la presencia del talento del ya difunto Hitchcock, que nos sonríe de perfil desde el paraíso, tratemos de remendar nuestros pecados suplicando clemencia a Tarantino, que perdió su cordura para entretenernos a todos, y nos espera en las salas con su capacidad de multiplicar las vísceras y la sangre. Así mismo depositemos nuestras plegarias en la sabiduría de la Santísima Trinidad: Spielberg-Lucas-Scorsese para que sigan trabajando en ideas nuevas, superando cualquier atisbo de interrupciones creativas de guionistas, y así mismo recemos porque no interceda por ellos su hijo, nacido del amor y de las agotadoras repeticiones de buenas ideas, Harrison Ford, ya sea en su forma humana, su forma hansoliana, indianajoniana, o cualquiera de sus formas presidenciales.
Elevemos nuestras oraciones bien altas, pues aquí y ahora damos constancia de que falleció la originalidad, después de haber recibido los Santos Sacramentos y la bendición apostólica. Sus homicidas, las películas en cartelera y las que aún estar por llegar; su viudo, el cine de calidad; sus hijos, los filmes que guardaremos en nuestra memoria para siempre – Dios salve en su seno Pretty Woman - ; sus hijos políticos, secuelas y precuelas numerables de los mismos; sus sobrinos, amigos, amantes y demás familia, ruegan una oración por su alma. El funeral por su descanso eterno tendrá lugar en los mejores cines, en sesiones de tarde y noche, incluyendo sábados, domingos y festivos un responso adicional a medianoche. “Pensemos, que al menos, siempre nos quedarán las palomitas”
IRON MAN Francisco Trinidad
Título original: Ironman La historia se repite: cómic conoce director, director conoce cómic, se enamoran, piensan que pueden hacer una película y… ¡allá que vamos! Desde el primer momento ya con esto causa gran expectación, e incluso puedes llegar a oír en la cola para comprar tus entradas comentarios acerca de lo mucho que la gente conoce el cómic, las veces que se han leído el primer número o lo indignados que llegarán a estar si no se trata con el suficiente “respeto” a este personaje y todas las grandes disyunciones metafísicas que se presentan en su tan lograda biografía gráfica (evidentemente, estoy siendo sarcástico). Espero ansioso el día en el que se haga una versión cinematográfica del diccionario, que a mucha de esta gente que va a lo último no les vendría mal leérselo (aunque sólo fuera la A). Volviendo a la película: está basada en el archiconocido cómic del mismo nombre, en el que se presenta a un multimillonario - dedicado a la industria armamentística - que diseña un traje con el adquiere habilidades de superhéroe y lo utiliza para remendar todas las injusticias que están apoyadas por sus armas. La verdad es que comienza asombrosamente bien, es ágil, se muestra una historia bastante interesante (y como todas, increíble) y resulta entretenido. Pero este comienzo aceptable se ve indudablemente eclipsado por nuestro gran protagonista, Tony Stark (interpretado por Robert Downey Jr). Es un gran héroe, pero al estilo del tío Sam: un canalla patriota, de mala vida pero grandes sentimientos, un héroe que permite que la fuerza militar americana consiga llegar allí donde no hay democracia (y sobre todo donde no falta oro negro) para liberar a pueblos y someter a terroristas desdentados: vamos, una versión americana de nuestro Manolo Escobar (suponiendo un traje metálico de superhéroe en lugar de patillas, claro). Según cuentan, las escenas de bingo, mujeres y alcohol las grabaron todas de una vez, sólo con un cámara que seguía a nuestro querido Robert Downey Jr (que manía americana con el junior, cuando podría ser más nuestro diciendo el “Robertillo Downey” ). Querida Gwyenth, sé que me estas leyendo, que sabes español y que visitas regularmente esta magnífica web, así que directamente me dirijo a ti, sin metáforas intermediarias: no te leíste el guión, ¿no? Porque no puedo entender como una actriz de tu nivel, de tu pedigrí – recuerda la estatuilla que te llevaste a casa por “Shakespeare enamorado” en 1998, si, mujer, la que tienes en la estantería, la que sostiene unos álbumes de fotos – aceptó ese papel. Para mí no tienes secretos, sé perfectamente lo que pasó: te fueron a dejar el guión, pero claro, tú estabas ordenando tus tarros de comida macrobiótica y dijiste “Déjalo por ahí, que me lo leo y en dos semanas te llamo”. Cuando pasaron dos meses te llamo el señor Marvel (¿o es Stan Lee?) para saber que te pareció, pero tú, claro, ni te acordabas, y no permitiste que pensara que se te olvidan esas cosas. “Sí, sí me encanta, la verdad es que el guión alcanza un ambiente muy tenso cuando mi personaje se replantea sus principios” – le decías por teléfono. Y cuando te leíste la primera página pensaste, “la verdad, no está mal… siempre me quise teñir de pelirroja”. Y no me digas que cuando llegaste a plató no pudiste ver ese espectáculo tan dantesco, porque sólo podías mirar tu imagen reflejada en el espejo, con esos tacones que parecías el propio Ironman en pleno vuelo, y decías “sí señor, no vuelvo a hacer de gorda, porque aprendí de ese error, y ahora reviso lo que le hacen a mi personaje”. Pero lo que le hicieron a tu personaje en esta ocasión no fue nada en comparación con lo que te hicieron a ti: ¿cómo lo permitiste, Gwyneth? ¿¿Cómo?? Porque era increíble verte de secretaría sexy, con carpeta y escote allá donde fuera tu jefe. Porque tú no eres de esas que pintan bien en ese estilo, las hay que pegan mejor como mi Nicole Kidman, que daba el pego de rubia tonta fenomenal. Pero tú no puedes ser de esas, de las chicas “Uy-que-mona-soy-pero-como-me-toques-me-rompo” (gracias, María), de ésas que pelean en la película por correr sobre sus tacones, con el arma mortal por el que la persiguen los malos malísimos cyborgs (véase también monstruos o alienígenas) mientras se rascan el ombligo con el sacro, en un intento por meter tripa, cual posado veraniego de Ana Obregón. Me duele que hayas hecho esto y espero que en la próxima te leas el guión, que es algo a tener en cuenta (y por cierto, deja ya tu amistad con Madonna, que como vemos te está afectando seriamente). Después de esta carta para mi querida señorita Paltrow (no dejes de leer y toma nota, querida) no podemos dejar de decir, como las 40 personas más que salían de la sala: estaban bien los efectos especiales… Veamos, estamos en el 2008, si no estuvieran bien los efectos especiales sería para que nos devolvieran el importe de la entrada; es más, ¿qué película de éste género no cuenta con efectos especiales que tengan un nivel de calidad? Porque ya es evidente que tras esa frase se esconde nuestra frustración por una historia insulsa, un desarrollo plano, un argumento previsible y un final insoportable. En realidad, la película no deja lugar a sorpresas, todo está bastante claro: el caradura que trafica con muertes puede ver en primera persona la doble cara de su negocio; pero como además es un genio consigue desarrollar un armamento tan sumamente sofisticado (sólo con ayuda de unos robots, que por cierto eran capaces de mostrar más expresividad que él) que supera cualquier diseño enemigo, por muy musulmán o calvo que sea el malo malísimo. Pero sin lugar a dudas lo peor se nos presenta en el final, ya no sólo porque sea bastante superficial y asquerosamente previsible, sino porque… es un final… ¡abierto a más entregas! Si, es así, parece que se han mezclado las ganas de seguir haciendo caja, la desgana de tener que inventar una historia (porque, seamos sinceros, el hecho de tenerlo escrito es bastante cómodo, y más si hay el doble de ilustraciones que de texto) y creo que un importante factor también ha sido, según fuentes cercanas a la productora, que Gwyneth ha manifestado que le gustaría probar con un color de pelo más oscuro y que Robertillo Downey sigue de fiesta en el decorado del casino, hasta el punto de que ha llegado a secuestrar a las figurantes que aparecían con él y no consiguen reducirle. Por eso, esperemos que esta locura se quede en una sola parte, porque al menos yo no estoy preparado para salir del cine y tener que volver a valorar con más nota las palomitas, que la película.
21 BLACK JACK Francisco Trinidad
“A ganar a ganar, pollo para cenar” Desde el comienzo éste es el marco con el que se nos presenta la película, pero lo que no podría haber llegado a imaginar en esos primeros minutos de expectación, en los que la emoción por disfrutar o la angustia por sufrir surgen curiosos en mi cabeza, es que ni al final de la película entendería qué es lo que significa. Lo primero que me intrigó de esta película no fue la historia, ni el equipo (la verdad es que el director, Robert Luketic, no atrae por sus anteriores trabajo, véase “La madre del novio”, “Una rubia muy legal”), ni tan siquiera el tan lastimado póster de la misma; sólo el hecho de que estuviera “basada en hechos reales”. Es increíble cómo parece que cuando se utiliza esta expresión en las promociones de las películas, éstas ya ganan unos puntos extras (me refiero claro, a su recaudación). Esta película esta basada en el libro "Bringing down the house" de Ben Mezrich, donde se cuenta la historia de seis estudiantes del MIT que entre 1992 y 1999 consiguieron ganar unos tres millones de dólares en los casinos de Las Vegas con una técnica sencilla: formar un grupo que controle las mesas donde se juega, tener un código para saber cómo estaba el juego en cada mesa y contar. La historia de la película parece fácil: un chico necesita dinero para estudiar y debido a su gran aptitud para las matemáticas le introducen en un grupo organizado por un profesor que se dedica a estudiar estrategias acerca del Black-Jack - que aún no sé ni en que consiste – y las ponen en práctica todos los fines de semana a lo grande, en Las Vegas. El chaval con el que se nos presenta la trama, es exactamente el tipo de personaje del cual todos sentimos empatía, pensando: “Pobre; a mi tampoco me concedieron una beca parecida, y yo soy seguro mucho más inteligente que él”, “Vaya, él tampoco se va con la gente enrollada, sólo con el más que típico grupo de freaks (de esos que se autodenominan “consejo de sabios”)”, “Mira qué cambio, como recorre triunfante las fiestas de Las Vegas”. Pero, ¿tiene algo de real este personaje? Es más, ¿tienen algo de real todos los personajes? Porque son la verdad todo menos verosímiles: tenemos a la “ingeniera aeronáutica” que es tan guapa, inteligente y sexy que mejor que meterse a modelo, o estudiar un poco sus asignaturas prefiere irse todos los fines de semana a desbancar casinos - que en ningún momento se explica para qué lo necesita, pero nos conformamos porque le toca a interpretar a mujeres rusas en las mesas (sí, es cierto, pese a que Kate Bosworth – ya la vimos en “Superman Returns” (2006) - ya es incapaz de llegar a dar vida a un personaje, el guión le hace desarrollar a otro partir de ése) -, el típico profesor de matemáticas (personaje salvado por Kevin Spacey), que en vez de saciar su rencor hacia la vida en sus exámenes y posteriores correcciones y revisiones, entrena a un grupo de gente aventajada (estoy seguro de que no en la interpretación); los típicos amigos del protagonista que representan todo lo anti-cool en la Universidad (de acuerdo, estos pueden a ser algo reales); tenemos también a los compañeros de pillerías, que cómo no sufren un ataque de celos regado por mucho alcohol, y no podemos dejar de olvidarnos de las bailarinas de striptease que aportan una gran carga emotiva contoneando sus cuerpos en un segundo plano (sí, fijaos, podréis verlas en la mayoría de las escenas de discotecas exclusivas de Las Vegas, e incluso me atrevo a decir que en la casa de la madre pude ver a alguna por detrás de las cortinas, para hacer más amena la escena ). El personaje que, personalmente más me decepcionó y gustó al mismo tiempo es el matón de los casinos (Laurence Fishburne), que por una parte es muy previsible, pero por otra añade esa parte de realidad al robo de tanto dinero. Es divertido cuando se pone anillos para pegar a la gente…
No es todo tan malo como parece en esta película, es cierto que consigue atraer tu atención, presenta el mundo como una gran oportunidad para Ben (nuestro audaz protagonista) y pese a que el final es tremendamente evidente es inevitable sentirse aliviado al saber que nuestro indefenso Ben es capaz de tomar decisiones… acertadas. Y sobre todo, lo mejor es que - como ha debido considerar el director – no hace falta saber cómo acaba todo, es mejor terminar la historia cuando corresponde, no alargar más argumentos insulsos que lo único que hacen es robar tiempo para escenas en las que podamos poner bailarinas o pizarras de sabiduría (¿o por qué no ambas?). Al acabar la película sólo aciertas a sacar dos conclusiones: la primera, que te han gustado mucho más las palomitas (aunque sepas que con ellas envenenes tus arterias) y la segunda… … “A ganar a ganar, pollo para cenar”…
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Por si fuera poco, no se contentan con mostrar demasiados –y cuando digo demasiados, creedme, son DEMASIADOS– tópicos en estas aventuras amorosas, sino que además cuentan con un reparto digno de mención. He dicho digno de mención, pero habría que especificar qué tipo de mención. Por una parte tenemos esos actores que con su presencia nos evocan la esencia de la comedia romántica: Ginnifer Goodwin (Gigi), que además de una bonita sonrisa consigue aportar cierta consistencia al papel que le toca interpretar, algo insulso, o Jennifer Aniston (Beth), aunque la pobre siempre figurará en nuestros corazones como Rachel-La-Ex-de-Brad-el-cual-la-dejó-por-Jolie-para-formar-una-camada, o más cariñosamente, como “la chica que perdió lo que más de un@ para si querría”. 
Otro grupo de actores dentro de la película podríamos establecer que son aquellos que sin llegar a destacar, hacen que la película tenga más sentido - no sólo por su interpretación, también por su rol – aunque a veces sientas que están encasillándose. Scarlett Johansson (Anna) podría ser una de las integrantes de este grupo – parece que no te molesta que repetir en personajes de calienta… dejémoslo en calienta-palomitas -, pero también podemos encontrar a Drew Barrymore (Mary) y Kris Kristofferson (Ken Murphy), que pueden considerarse como los que tienen eternamente cara de confusión, pero algo así como que con matices: confusión-enamorado, confusión-engañada, y el más difícil aún: ¡¡confusión-confusos!!
Christine Brown (Alison Nohman), nuestra protagonista, quiere conseguir un ascenso en su trabajo en una sucursal bancaria. Pese a ser una empleada diligente, su director le indica que debería ser menos empática con sus clientes y tomar decisiones de manera más fría. Cómo no, inmediatamente se acerca hasta Christine la señora Agnus, una anciana cuya casa está siendo desahuciada por el impago de su hipoteca. Pese a que la señora le suplica – incluso hasta de rodillas - un aplazamiento para no perder su casa, Christine, pensando más en su posible ascenso que en su clienta, no le concede más oportunidades. Visiblemente contrariada, la anciana – que, por si no lo había comentado es una gitana con un ojo blanco y uñas negras – lanza sobre Christine una maldición por haberla humillado: en tres días su alma será condenada al sufrimiento eterno. Y hasta entonces, deberá sufrir la persecución de un terrible demonio.
Alison Lohman, que encarna a la protagonista de dicha maldición (quizás os suene su cara de películas como Big Fish, en la que interpretaba el papel de la madre cuando era joven o Gamer, ahora en cartelera también), no parece estar muy al tanto del guión de la película. No se si me entendéis, pero ¿sabéis de esa gente que no sabe dónde está, es más, ni siquiera sabe si está en su casa? ¿Aquellos que no son capaces ni de seguir el hilo argumental de la teletienda? Pues ésa es la sensación que evoca la interpretación de Alison. Y es posible que esa fuera la voluntad del director, porque al fin y al cabo, ciertas escenas carecen de sentido, aunque para mi gusto son insuperables.
En esta película nos presentan a una de esas New York- fashion victims: Rebecca Bloomwood, nuestra pizpireta protagonista, hará lo imposible por conseguir ser contratada como periodista para la revista “Alette”, la más prestigiosa publicación de moda de la Gran Manzana. Tantas son las ganas de lograr ese sueño, que Rebecca trabajará para la revista “Ahorro seguro”, con la intención de ir ascendiendo hasta pasarse a la revista “Alette”, de la misma familia editorial.
En esta película podemos ver a John Goodman [1] y Joan Cusack [2], que se encargan de interpretar a los padres de Rebecca; quizás los recordéis si os digo que él interpretó a Pedro Picapiedra en la primera entrega cinematográfica de esta saga y ella ha hecho diversos papeles, quizás de los más famosos fue el de “Nueve meses”, como la amiga de la protagonista. También podemos encontrar a nuestra anorex… digo, delgadísima amiga Leslie Bibb [3], más conocida quizás por sus papeles en la serie “Popular” y la película “The skulls” [sino caéis, tranquilos, mirad la foto 3 que seguro que su cadavérica cara os suena].
Pero no puedo criticar tan libremente este comportamiento: yo mismo compro la entrada en taquilla para la quinta entrega y disfruto pensando en qué creativas torturas se mostrarán esta vez. Porque al final es tremendamente divertido cómo alguien puede tan siquiera imaginar tremendos aparatos, o cómo lo único que le echa en cara nuestro tan entrañable Jigsaw a su nuevo pupilo, es que para la hoja de una guillotina debe de usar no un acero cualquiera, sino uno templado (por supuesto mas martensíticamente perfecto). Pese a todo, personalmente prefiero la tercera entrega de la saga Saw, es más sutilmente enrevesada (¿a que sí, Isma?).
Mención aparte merece, por supuesto, nuestra ¿admiradísima? Paz Vega. Querida Paz, parecía que era ayer cuando estabas dando vueltas por la serie de 7 Vidas, y mírate ahora… una actriz de Hollywood, pero mejor déjalo que lo ponga con mayúscula: una ACTRIZ de Hollywood. Por supuesto, estaba de broma. Apareces… ¿cuánto? ¿seis, siete minutos?... y la verdad es algo colosal, un antes y un después en mi vida… El papel de gitana parisina con brotes de asesina mortal (el personaje se llama “Plaster de París”, algo que se podría traducir como “Aquaplast de Paris”… ) hace que recapacite sobre qué es de tu vida. Porque si te va mal al otro lado del charco, puedes volver cuando quieras, seguro que podríamos organizar algún remake de tus grandes éxitos y salir adelante. Y seguro que ahora estarás pensando: “Pues yo por lo menos salgo en la película, aunque sean siete minutos cuarenta y dos segundos y siete centésimas”… pues sí, no podría estar más de acuerdo contigo, eres tú la que haces el ridículo durante siete minutos cuarenta y dos segundos y siete centésimas… 
Una nave extraterrestre aterriza en pleno Central Park (cómo no, es algo previsiblemente americano). El Dr. Grenier (Jon Hamm), oficial de la NASA, recluta a eminentes científicos, entre los que destaca Helen - papel interpretado por la bellísima Jennifer Connelly -, encargada de investigar la llegada de alienígenas a la Tierra. De repente, un extraño ser sale de la esfera luminosa aterrizada en Central Park: se trata de Klaatu, el extraterrestre interpretado por Keanu Reeves. Los problemas comenzarán cuando Klaatu le comunique que el fin de la humanidad ya está decidido, no hay marcha atrás para ese apocalipsis. Helen tratará por todos los medios de hacer cambiar de opinión al visitante, siempre con la oposición de su rebelde hijastro (Jaden Smith, el hijo/clon/niño-repelente de Will Smith).
Otro caso aparte resulta a ser la indescriptible actuación de los actores: Jenniffer Connelly es ese tipo de actriz que demuestra una gran capacidad para reflejar un sinfín de emociones sólo con su rostro; pero claro, en ciertos momentos son demasiadas emociones las que quiere reflejar y su cara parece moverse como si tuviera vida propia, o como si le fueron a salir aliens de los ojos, en un sentido mucho más poético. Keanu Reeves consigue estar sin duda a la altura del guión, es decir, consigue una actuación manifiestamente mala. Supongo que los directores de cásting recurrieron a él para el papel de extraterrestre, porque … ¿de dónde ha salido este hombre? Sí, mucha gente se escuda en decir que es hawaiano cuando lo que quieren decir es que no saben a qué responde su cara: ojos de chino, pómulos pronunciados, frente más que despejada (casi frontón), ojos que melancólicamente buscan un punto del más allá (es decir, prácticamente estrábicos) y una sonrisa perruna. 
Esta película es además capaz de hacerte temer lo más sencillo: no se muestra una escena directa de ningún disparo, ni evisceraciones, ni tampoco juegos sucios -- más típicos del gore --. Es genial ver como el simple rodar de una bola de golf puede hacerte estremecer hasta un punto que parecía inalcanzable. Y sin lugar a dudas, el momento de la película en el que permiten a sus víctimas mover ficha, es uno de los mejores.
La historia nos muestra como Elliot Moore (no confundir con Mohr, aunque suene igual), el increíble profesor interpretado por Marquitos, su mujer (Zooey Deschanel) y la hija de su amigo (Ashlyn Sanchez) llegan exhaustos hasta una destartalada casa. En el porche, una tediosa mujer se balancea mientras disfruta del crujir de su silla (¿o rodillas?). Parece borde, de hecho lo es, pero no duda en ofrecer cobijo al pintoresco trío. Es entonces cuando comienzas a preguntarte de dónde sale este personaje: una mujer viviendo sola y en medio de la nada, sin luz ni teléfono… prácticamente te parece que sería una de las actrices de la película de El Bosque (2004), seguramente olvidada por nuestro gurú del miedo en una de las casas de plató.
A favor de la película tengo que destacar dos cosas que me hicieron reír: la primera es el problema que plantea el profesor en clase, cuando descubre el gran talento de nuestro protagonista. Sin lugar a dudas no hay mejor atrezzo para una clase de ecuaciones no lineales - en general, para cualquier escena de película americana en la que tengamos que ver el más mínimo atisbo de enseñanza - que sus integrales, sus sumatorios y números y fracciones a discreción, no hace falta ni saber si representa algo mínimamente coherente (o quizás es que era el día de descanso de las bailarinas de striptease y no había nada mejor para el segundo plano). Por cierto, el problema del concurso que comentan tiene de ecuaciones lineales los que tiene esta película de “basada en hechos reales”. Que me pregunto yo, mucha inteligencia para resolver “enigmas matemáticos”, pero luego nos aparece guardando sus ahorros en el techo falso de su habitación.