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A ti quería dedicar el artículo del perfil de este mes. ¿Quién, de todos los directores del cine, lo merece más que tú? Habrá muchos directores con talento (Ford, Hawks, Hitchcock, Wilder, Allen, Spielgberg…), pero ninguno, ninguno de ellos supo transmitir esa felicidad, esa bondad que destila Mickey, la humanidad de Donald, la dulzura de Blancanieves, la inocencia de Dumbo… ¡Hay tanto talento en tus manos!

Así como tuviste una infancia feliz, en una granja de Missouri, jugando con tu pequeña hermana Ruth, quisiste que todos los niños pudieran disfrutar alegremente de esa inocencia siempre. Fue en esos primeros años cuando descubriste tu amor por el dibujo y tu afición a los trenes. ¡Quién te iba a decir a ti que más tarde te dedicarías a ello profesionalmente! Pronto tuviste que ayudar a tu padre repartiendo periódicos, y eso te causaba no pocos trastornos a la hora de estudiar… No fuiste un empollón, pero ¿y qué? Como buen artista tienes alma de soñador. Guardabas en secreto ese don tan preciado que Dios te dio, que esperaba a ver la luz en el momento adecuado. Mientras tanto te dedicabas a vender periódicos y chucherías en el Ferrocarril de Santa Fe (ahora entiendo por qué uno de los hoteles de Eurodisney se llama así) y publicabas historietas de temática política en el diario del instituto en plena Primera Guerra Mundial… Y tanto te involucraste, que tras un intento fallido de enrolarte en el ejército, lograste entrar en la Cruz Roja, no sin falsificar tu fecha de nacimiento.
walt disney

Pero había en tu corazón un ansia de desarrollar el arte que llevabas dentro, y por ello, te trasladaste a Kansas City donde trabajaste realizando anuncios con animación, y entusiasmado fundaste en 1922 la empresa Laugh-O-Gram Films, Inc. en la que realizabas cortos de animación basados en cuentos infantiles. El destino te llevó a Hollywood, donde con tu familia decidiste sembrar una semilla: el Disney Brothers Studio, comenzando con una serie de películas no animadas, Alice’s Wonderland como director, y siguiendo con una serie de animación sobre un conejo llamado Oswald, el cual te dio mucho éxito, pero tras un tira y afloja con Charles Mintz, uno de los peces gordos de la Universal, tuviste que ceder los derechos de Oswald a la productora. Pero como nada es por casualidad, este revés del mundo del cine hizo que te decidieras a crear tu propio personaje: un ratón, que en principio bautizaste como Mortimer, y que más tarde tu mujer, Lillian, haciendo gala de su buen gusto, le cambió a Mickey. Y con Mickey nació una nueva forma de hacer cortometrajes de animación. Apareciendo por primera vez en el cortometraje Plane Crazy, en 1928, pero sin convencer a los distribuidores. Con Streamboat Willie, esta vez un corto sonoro, este pequeño ratoncito, de orejas negras y sonrisa perenne, desde ese momento robó el corazón a medio mundo, incluso al mismísimo presidente Franklin Delano Roosevelt. Mickey representa la bondad, el buen humor y la nobleza de corazón. Teniendo su propia tira de cómic, en los años 30, se convirtió en la estrella animada (y mimada) de América, tanto que la sociedad de naciones le premió con la medalla de oro en 1935. El único dibujo animado que ha tenido ese honor. Pero además de tus cortos, también comenzaste a filmar pequeñas películas tituladas “Silly Simphonies”, una de las cuales, Flowers and Trees, ganó el Oscar al mejor Cortometraje de animación, en 1932, así como el Oscar Honorífico que recibiste por la creación de Mickey ese mismo año. Sin embargo, querías aspirar a más, lo que te llevó incluso a poner todo tu dinero en el proyecto, arriesgando el todo por el todo. Blancanieves y los siete enanitos fue el primer largometraje animado en lengua inglesa y todo un taquillazo en 1938, recaudando casi 8 veces más su coste. Un éxito sin precedentes que te concedió un Oscar sólo creado para esa ocasión, y te permitió fundar un nuevo estudio más grande, que dos años más tarde producirían otros dos largometrajes: Pinocchio y Fantasía, ésta última un proyecto muy arriesgado, que casi te lleva a la ruina. ¿Por qué no hacer que los dibujos sientan, bailen, se fundan con la música, creando algo nuevo? Nunca lo entenderé, pero inexplicablemente Fantasía fue un fracaso. Y digo inexplicablemente porque fue la mejor película de tu vida. Mi adorada Fantasía, gracias a la cual me enamoré de Tchaicovsky, a mis recién estrenados diez añitos. Descubrí un mundo donde los dibujos bailaban, donde las notas se movían a ritmo de Bach, y el Monte Olimpo cobraba vida gracias a La Pastoral, de Beethoven.

Ah, pero no todo era arte y cine, también hiciste tus pinitos en el FBI, de agente secreto. Sí sí, mis queridos lectores, habéis leído bien: ¡agente secreto! ¿Y qué hacías tú de agente secreto por ahí? Bueno, es comprensible, eran los primeros años de la guerra fría y tu patriotismo bullía por dentro otra vez, querías ayudar a tu país. ¡Si hasta te nombraron "agente especial de contacto"! Pero volvamos al arte, que es lo que más te hacía feliz: Recordemos el resto de películas que ya forman parte de nuestra vida: Dumbo, Los tres Caballeros (injustamente ignorada y poco valorada), Alicia, Cenicienta (tu favorita y el personaje con el que más me identifico), Peter Pan (La primera película que yo vi en cine), La Dama y el Vagabundo, 101 Dálmatas, la Bella Durmiente... Y por supuesto no dejaste tus cortos en los que nos ibas presentando a la “familia” de Mickey, que cada vez crecía más y más, con Pluto, Donald, el Tío Gilito larguísimo etcétera.

Entonces empezó a tomar cuerpo una idea que poco a poco fue creciendo en tu interior: el parque temático de Disneyland, para que pudiéramos disfrutar como enanos, literalmente, siempre que quisiéramos. Para poder ser la princesa Aurora, o sentirnos como Alicia buscando al Conejo Blanco, por todo el país de las maravillas, o cantar con Mowgli aquello de “Busca lo más vital, no más...”, siempre que quisiéramos, que no se limitase a hora y media, sino que pudiéramos vivirlo directamente nosotros, y lo mejor: compartirlo. Con sencillez, con humildad, siempre defendiste los valores que te inculcaron desde pequeño: el amor a la familia, fidelidad en la amistad, alegría, bondad, inocencia... Un adulto con corazón de niño, desbordante de ganas por compartir con los demás tu amor por el arte, especialmente con los más pequeños.

No quería despedirme sin recordar una frase tuya, que siempre me hace sonreír: “nunca olvidaré que todo esto empezó dibujando un ratón”. Qué curiosa es la vida…

No sé qué opinarán el resto de mis lectores, pero yo no concibo mi infancia sin tus películas, sin tu forma de transmitir la vida a través de tu arte, una vida alegre, sencilla. Hablándome de la bondad y la nobleza de corazón me enseñaste mucho, Walt.
¡Gracias por dedicar tu vida a hacer felices a los demás!
¡Hasta siempre!

Fred y Ginger, Ginger y Fred. Dos nombres que van inevitablemente unidos entre sí. Como el blanco y el negro del celuloide clásico, el elegante sombrero de copa, la corbata blanca y el chaqué de Fred no se conciben sin los vestidos vaporosos y la sensualidad femenina de Ginger. No, nadie puede olvidar la incomparable magia que había entre ambos. Decidme, ¿quién no los conoce aunque sea de oídas?

Hijo de un inmigrante austriaco católico y de una estadounidense luterana, Fred, que en realidad se apellidaba Austerlitz, tomó el apellido de Astaire para actuar en vodeviles más o menos notables con su hermana Adele, incluso triunfando en musicales de Broadway tan conocidos como “Funny Face” o “The Band Wagon”. Por aquella época, Fred conoció al que sería uno de sus mejores amigos y con el que años más tarde cosecharía numerosos éxitos musicales: George Gershwin. Considerado el mejor bailarín del siglo XX, según el mismísimo Nureyev, dominaba todo tipo de danza: desde el ballet clásico al jazz, claqué, swing… tenía el increíble talento de hacer parecer fácil lo difícil.Pero el joven Fred no quería estancarse en el teatro, así que probó suerte en el cine, y después de que un “lumbreras” del casting de la RKO dijera de él: “No sabe cantar. No sabe actuar. Tiene entradas. Baila un poquito”, empezó con papeles pequeños, ya en un musical para la MGM con Joan Crawford, ya en una película para la RKO, con Dolores del Río, Flying down to Rio, donde tenía un papel secundario bailando al lado de una jovencísima Ginger Rogers, logrando robar todo el protagonismo a la pareja principal.

Hasta ese momento la carrera de Ginger también había sido algo corta, pues hasta entonces sólo había hecho papeles poco importantes en pequeñas películas (Night in the Dormitory, A Day of a Man of Affairs y Campus Sweethearts) en algún que otro cortometraje y en el teatro... A la joven Virgina Katherine McMath, apodada por sus primos Ginger, ya le picaba el gusanillo del baile desde pequeña, pues había participado en varios espectáculos de vodevil e incluso había ganado un concurso de charleston. Así como Astaire, ella también quiso aventurarse en Hollywood, y pese a que se habían conocido ya en el musical de Broadway “Girl Crazy”, no coincidieron como pareja artística hasta el año 1933, cuando el destino la llevó a participar en su primera película con Fred, la anteriormente mencionada Volando hacia Río.

Ése fue el punto de inflexión en las vidas de ambos y el comienzo de la leyenda. Después de que el público pidiera a gritos verles juntos otra vez en la gran pantalla, filmaron seguidamente ocho películas más, pero esta vez siendo ellos la pareja protagonista, siempre con la RKO: desde The Gay Divorcee (La alegre divorciada, en 1934), Roberta (1935), pasando por Top Hat (Sombrero de copa, 1935), Follow the Fleet (Sigamos la flota,1936), Swing Time (En alas de la danza, 1936), Shall we Dance (Ritmo Loco, 1937) la mejor de ellos dos en mi opinión, y Amanda en 1938, terminando la tanda con La historia de Vernon e Irene Castle, en 1939.

Después de filmar ésta última, Fred y Ginger siguieron sus carreras por separado, aunque se unirían una vez más para The barkleys of Broadway, una década más tarde. Rogers tuvo bastantes triunfos personales en solitario (Estrella de medianoche, 1935) junto a William Powell; En persona (1935), Damas del teatro (1937) de Gregory La Cava junto a Katharine Hepburn en una de sus mejores interpretaciones no musicales; Un ardid femenino (1938) junto a James Stewart o La muchacha de la quinta avenida (1939), también de La Cava. Después decidió que no quería volver al musical y tras protagonizar Mamá a la fuerza, le llegó el papel que, aunque no fuera su mejor interpretación, le daría el Oscar a la mejor actriz: Espejismo de amor en 1940. Tras lograr la estatuilla le llovieron muchos papeles, entre los que yo destacaría el curioso debut en Hollywood de Billy Wilder El mayor y la menor (1942), Once upon a honeymoon (Leo McCarey, 1942) y la delirante Me siento rejuvenecer (Howard Hawks, 1952), estas dos últimas junto a Cary Grant.

Fred por su parte intentó tener la misma suerte con otras parejas de baile. Realizó un incontable número de musicales sin Ginger, sobre todo en la década de los 40 y 50, entre otras Broadway Melody of 1940, con Eleanor Powell; enamorando a Rita Hayworth vestido de uniforme militar en Desde aquel beso y también en You were never lovelier (1942). Con Judy Garlad trabajaría en Easter Parade (1948), repitiendo The Band Wagon, pero esta vez con Cyd-“Las-mejores-piernas-del-cine”-Charysse sustituyendo a su hermana Adele. Compartió cartel con Leslie Caron en Daddy Long Legs (1955), y cayó bajo el hechizo de la adorable Cara con ángel (1957) de Audrey Hepburn. Más tarde incluso probó con dramas bélicos y de catástrofes como On the beach (1959), que trataba sobre la guerra nuclear y El coloso en llamas (1974), respectivamente, logrando su única nominación al Oscar. Sin embargo el público, aunque reconociendo su éxito y demostrándole su cariño y devoción, echaba de menos la magia que sólo tenía con Ginger. Y no es que sus películas por separado no fueran buenas, lo eran, pero es que Fred y Ginger tenían una química especial, que nunca se volvió a repetir en ninguna otra pareja cinematográfica. No eran simplemente buenos. Eran los mejores.

Incluso marcarían una forma diferente de hacer cine musical. Astaire innovó la manera de filmar todo un número de cante y baile logrando hacerlo en una sola toma, algo que no se había hecho hasta entonces y que nadie tampoco ha conseguido repetir (¡Ja!) en ningún otro estilo musical posterior hasta la fecha. También era necesario que los números musicales estuvieran integrados en el argumento de la película: este hecho influyó muchísimo en los musicales de las décadas posteriores, sobre todo hasta los años 60.

Consiguieron demostrar su inmenso talento, así como su vena cómica, y su química en la pantalla, que era mucha. Parecía que la magia y el romanticismo se unían con el ritmo y el humor, demostrando que la comedia musical no tenía nada que envidiar al drama en cuanto a interpretación y éxito de público.

Las películas de Fred y Ginger reflejaron la época de la Gran Depresión, cuando la sociedad estadounidense intentaba salir adelante, olvidando las miserias, y la pobreza. Fue en ese momento cuando las comedias clásicas tuvieron su mejor cosecha. En el terreno musical nuestra mítica pareja destacó, entre decorados art decó y argumentos casi absurdos, donde predominaban los enredos amorosos y los diálogos surrealistas (“¿Srta. Keene, es Ud. la Sra. Petrov, o Sra. Petrov, debería llamarla Srta. Keene?”, como preguntaba un estupefacto Eric Blore en Ritmo loco). Sus números musicales, además de divertidos, era originales, como el baile con patines que se marcan en un parque de Nueva York en Shall we dance?, o el concurso de bailes por parejas en Sigamos la flota. Los espectadores olvidaban esos difíciles tiempos viendo cómo Fred y Ginger bailaban embelesados bajo la batuta de Gershwin. Entonces el tiempo se detenía: los hombres se imaginaban encandilando a Ginger Rogers, enfundados en sus chaqués y las mujeres soñaban (y siguen soñando, como una servidora) con bailar entre los brazos de Fred Astaire.

Ginger Rogers ha sido sin duda la mejor pareja de baile de Astaire, pero ¿por qué -se preguntarán algunos- si es reconocido que Cyd Charisse tenía mejor técnica en la danza que ella, o que Jane Powell poseía una voz prodigiosa que Ginger no tenía, o que Rita Hayworth era más cautivadora que ella? Ni siquiera nuestra amadísima Audrey Hepburn podía rivalizar con Ginger en eso. Así pues, ¿Qué la hace tan especial? Pues que se complementaba perfectamente con Fred. Era su perfecto contrapunto, si Fred era la elegancia, Ginger le daba el punto picante a la trama y a los números musicales, siempre refinada, pero también pizpireta y descarada. Porque desde el primer fotograma ya formaban un dúo interpretativo, porque se entendían sin hablar, y sobre todo, porque más que bailar parecía que flotaban en un paraíso donde sólo existían ellos dos y la música de Berlin de fondo... “Heaven… I’m in Heaven, and my heart beats so that I can hardly speak”… Ah, mis queridos lectores, eso es Arte, y lo demás tonterías.

La mejor pareja de cine de la historia de los años 30 era irónicamente la peor en la vida real, pues es de sobra sabido que no se aguantaban, prueba de ello es que en ninguna de las películas que hicieron juntos se les ve besarse... En lo personal Ginger tuvo una vida sentimental bastante agitada: se casó y divorció hasta 5 veces. Activista republicana junto a su madre, murió de una angina de pecho en 1995, no sin antes recibir el Oscar Honorifico a su carrera 3 años antes; galardón que nunca obtuvo Fred, hecho que demuestra lo terriblemente injusta que es a veces la Academia de Hollywood para juzgar los trabajos de sus propias estrellas. El mejor bailarín e intérprete musical que ha dado la historia del cine se quedó sin el reconocimiento de sus propios colegas.¡Ah, qué irónica es la vida!

Sin embargo Fred y Ginger siempre formarán parte de la historia de la antología del cine: belleza, armonía, agilidad, elegancia y romance son palabras que pueden describir la huella que dejaron en nuestros corazones, pero soy de la opinión de que una imagen (o más bien escena) vale más de mil palabras, así que con vuestro permiso, me despediré hoy con la que es para mí la mejor de toda su filmografía juntos, sin duda el momento más romántico de mi pareja favorita. Fred cantando “They can’t take that away from me” a Ginger en un ferry, rumbo a Nueva York en Shall we dance?:

Our romance won't end on a sorrowful note,
Though by tomorrow you're gone;
The song is ended, but as the songwriter wrote,
The melody lingers on…
They may take you from me, I'll miss your fond caress.
But though they take you from me, I'll still possess….

…The way you wear your hat
The way you sip your tea
The memory of all that
No, no, they can't take that away from me

The way your smile just beams
The way you sing off key
The way you haunt my dreams
No, no, they can't take that away from me

We may never, never meet again
On the bumpy road to love
Still, I'll always, always keep the memory of…

…The way you hold your knife
The way we danced till three
The way you changed my life
No, no, they can't take that away from me
No, they can't take that away from me

Hoy hablaré de James Graham, Bruce Wayne, Patrick Bateman, Laurie, Batman ... Durante muchos años se le ha llamado de muchas y variadas maneras, aunque su nombre en realidad es otro... ¿Lo adivináis? Por supuesto. Me refiero a Christian Bale.

Christian Charles Phillip Bale nació un 30 de enero de 1974 en Haverfordwest, Gales. Su padre, David, fue piloto de la RAF, y su madre, Jane, trabajaba como bailarina y acróbata en un circo. El padre, imposibilitado para volar a causa de una enfermedad que le hizo dejar su carrera, se dedicó a viajar, trasladando la familia Bale (su mujer y a sus cuatro hijos: Sharon, Erin, Louise y el pequeño Christian) a lo largo y ancho del globo. Dejaron el país cuando Christian apenas tenía 2 años, lo que le permitió vivir y conocer distintas lenguas y culturas. Él mismo ha confesado que vivió en más de 15 países diferentes y de hecho, posiblemente, creo que gracias a ello le es tan fácil imitar voces y acentos a la perfección. La infancia de Christian, como él mismo ha descrito, fue muy interesante.

La tradición artística de la familia Bale (su abuelo fue el doble de John Wayne en el rodaje de Hatari!, y su tío abuelo Rex fue un actor profesional con una carrera muy prolífica) pronto la continuarían las hermanas de Christian y luego Christian mismo: Sharon fue la única que no sacó su lado artístico, convirtiéndose en una experta en informática. Sin embargo, sus otras dos hermanas sí: Erin decidió ser músico y Louise actriz de teatro, que además ganó varios premios. Christian, que ya durante su infancia había aprendido baile y guitarra, se entretenía observando el trabajo de su hermana Louise en el teatro, y ello despertó en él el gusanillo de la interpretación, tanto que a la ya temprana edad de 8 años apareció en un anuncio de cereales para la televisión, e incluso dos años más tarde, participó en una obra de teatro del West End Londinense (haciendo más patente la regla no escrita que dice así: Actor británico = debut en el teatro) , The Nerd, junto con el actor británico Rowan Atkinson (el ahora archiconocido Mr Bean, y antes menos conocido, pero no menos brillante, The Black Adder). En cambio, no hizo su primera incursión en la gran pantalla hasta el año 1987, cuando un iluminado Steven Spielberg le eligió personalmente de entre los más de 4.000 niños que se presentaron al cásting para el papel del pequeño James Graham, el protagonista de una de sus mejores películas (aunque, francamente... ¿hay alguna película de Spielberg que sea mala?):El Imperio del Sol, que relata la ocupación japonesa en China, durante la Segunda Guerra Mundial, vista desde el punto de vista de un niño que sueña con ser aviador, en un campo de concentración. Tengo que decir que en esta película Christian bordó su papel, y a pesar de que era un chiquillo por entonces, obtuvo, además de las alabanzas de la crítica, un premio creado especialmente para él: Mejor Interpretación por un actor juvenil de la National Board of Review. Todos estos éxitos atrajeron la atención de los medios y el público sobre el joven Bale, que, sin embargo, y, al contrario que muchos actores adolescentes de entonces y de ahora, decidió pasar desapercibido, alejándose del mundanal ruido de las fiestas y del ambiente de Hollywood, y continuar sus estudios como cualquier chico de su edad. Incluso se planteó dejar la actuación, hasta que, afortunadamente, Kenneth Branagh le persuadió para que apareciera en su película Enrique V, pero eso sería un poco más tarde, en 1989.

Durante los primeros años de la década de los noventa Bale se dedicó a hacer películas aceptables, aunque no fueron ningún éxito de taquilla o público, como La Isla del Tesoro, película para la televisión, adaptación del clásico del mismo título de Robert Louis Stevenson, compartiendo cartel con Charlton Heston, o el musical de Disney, Newsies (La pandilla), demostrando que además de interpretar bien, sabía cantar, aunque la película pasó sin pena ni gloria; o también la poco valorada Swing Kids, que relataba las reuniones secretas de un grupo de adolescentes que se entretenían en bailar el entonces prohibido jazz durante los primeros pasos del régimen nazi en Alemania. Más tarde, en 1994, con 20 años y dejando atrás su adolescencia, participó, convencido por una amiga suya, Winona Ryder, en la adaptación cinematográfica del clásico de Louisa May Alcott, Mujercitas. Bale interpretaba al joven Theodore Laurence, Laurie, mejor amigo, y enamorado en secreto (pero enamorando a su vez a todas las que éramos en su momento adolescentes, como yo), de la protagonista Jo March (una remarcable y además nominada al Oscar por ese mismo papel, Winona Rider). Un año más tarde prestó su voz para interpretar a Thomas, el joven compatriota del capitán John Smith, en la producción de Disney, Pocahontas, y poco después apareció en 1997, como protagonista, interpretando a un periodista que investiga la carrera de un cantante de Rock-Glam en la película de tinte independiente Velvet Goldmine.
Pero en 1999 le llegaría uno de los mejores papeles que ha interpretado en su vida (para mí, Bruce Wayne/Batman y Patrick Bateman aunque son registros diferentes, en cuanto a calidad interpretativa están a la par) y desde luego el que marcó un antes y un después en su carrera: el del yuppi obsesionado con su imagen de día y asesino en serie de noche, Patrick Bateman en American Psycho, película basada en la famosa novela de Bret Easton Ellis del mismo título. Bale describió su papel como "lo contario a cualquier cosa que haya hecho antes" y Harron, la directora del filme, subrayó "el misterio y la profundidad" que Bale daba al personaje. Y yo aún diría más: Bale está "inquietantemente perfecto" en la piel de Bateman, sin duda ha sido su interpretación más aclamada y la más reconocida (hasta ahora) por ambos, público y crítica, a pesar de la controversia causada por el hecho de que el protagonista fuera un asesino. Ese mismo año rodó dos películas más: La Mandolina del Capitán Corelli, adaptación cinematográfica de la novela del mismo título en la que Bale interpretaba a un pescador griego que rivalizaba con el papel de Nicholas Cage por el amor de la bella Pelagia (Penélope Cruz). Y además volvió a participar en una versión de la obra de Shakespeare, El sueño de una noche de verano, compartiendo cartel con un elenco espectacular, con Michelle Pfeiffer y Ruppert Everett, entre otros. En el 2000, filmó la secuela de 1971, Shaft, The Return. Bale interpretaba al malvado yuppi racista que se enfrentaba al famoso detective (Samuel L. Jackson) Al ser un papel muy similar a Bateman, Bale reconoció que pudo ser un error haberlo aceptado, puesto que los dos protagonistas se parecían mucho y podría encasillarse en ese tipo de personajes.

Pero Bale no sólo ha trabajado en grandes producciones, sino que también se ha dejado ver en algunas producciones independientes: Laurel Canyon (2002), un film independiente sobre el amor y sus amplias y divididas críticas; Reign of FIRE (2002), cuya trama protagonizó junto con Matthew McConaughey, interpretando a dos héroes con metas idénticas, pero diferentes métodos para llegar a ellas. El film fue un fracaso, tanto de taquilla como de crítica y supuso un batacazo en la carrera de Christian. Equilibrium fue el tercer film del año 2002, causando otro fracaso en taquilla, aunque no de crítica. En ella interpretaba a un clérigo, encargado de hacer cumplir la ley en una sociedad distópica, mecanizada e insensibilizada que además era maestro de Gun Kata, un arte marcial inspirado en The Matrix que combinaba lucha con armas y cuerpo a cuerpo. En 2003 decidió tomarse un tiempo para descansar y volvió al cine un año más tarde para interpretar a Trevor Reznik, un insonme crónico, atormentado por un misterioso stalker en el thriller psicológico The Machinist. Se volcó tanto en su papel, sacrificando su salud mental y física para poder alcanzar la demacrada y esquelética apariencia del protagonista, para una actuación más auténtica y natural, realista que se obligó a sí mismo a llevar a cabo una dieta bastante drástica que le permitió perder hasta 27 kilos en unos meses. Christian quiso perder más peso, pero el equipo de la película, incluido el director y su propio médico se lo prohibieron. Se le llegó a comparar con Robert De Niro, quién se sabe que ganó 55 libras de peso para su papel de Jake LaMotta en Toro Salvaje. The Machinist ganó muchos elogios como película, y los críticos estaban impresionados con la dedicación de Bale. Cuando se anunció que el nuevo Batman sería Christian Bale, muchos pusieron el grito en el cielo, al ser un actor británico poco conocido en Estados Unidos. Incluso él mismo tenía sus reservas al principio sobre el hecho de interpretar a Batman, se sentía más ridículo que intimidante con el traje de Batman "Te calzas el traje, te asas de calor, sudas y consigues un buen dolor de cabeza, pero no voy a quejarme, porque he conseguido el papel de Batman”. Y haciendo honor a la fama de actor tremendamente profesional que tiene, se preparó para llevar a cabo el que sería su rol más popular y para ello se preparó no sólo físicamente (tuvo que reponerse rápidamente del rodaje de "The Machinist" y ganar exactamente 45 kilos en seis meses), sino que además para llegar a comprender más profundamente el personaje, Bale leyó varios cómics de Batman.

Irónicamente, la película encantó a los fans, al público en general y a la crítica. Fue un exitazo, no sólo por la interpretación suya y del gran reparto que tenía a su lado, como Liam Neeson, Katie Holmes, Michael Caine, Morgan Freeman y Cillian Murphy, entre otros, sino porque Christopher Nolan, el director, dio una visión del comienzo del superhéroe completamente diferente de los Batmans anteriores de Burton o Schumacher, dando más importancia a la psicología de Bruce Wayne, haciendo al personaje mucho más verosímil y más cercano a la visión del cómic. Incluso durante la promoción del film, en las entrevistas y eventos públicos, Christian retuvo el acento americano de Bruce Wayne para evitar que el público creyera que Batman era británico, como una señal de respeto a los fans del superhéroe, algo que es muy de agradecer. El reparto fue alabado por sus grandes interpretaciones, pero Bale se llevó la mayor aclamación del público, por su fiel y dual retrato de Batman y Bruce Wayne, que le dio el premio a Mejor Héroe en los MTV Movie Awards del 2006. Y siguiendo su peculiar costumbre, después de participar en un taquillazo como Batman Begins, Bale volvió a su vena independiente, participando en el drama Harsh Times, interpretando a un veterano de la guerra de Afganistán con estrés y desorden post-traumático, y en The New World, dirigida por Terrence Malick en donde se contaba la historia de amor entre el capitán John Smith y Pocahontas, siendo un fracaso de taquilla. En los dos últimos años participó también en otros cuatro proyectos: Rescue Dawn(2006), del director alemán Werner Herzog, en la que interpretaba a un piloto de guerra estadounidense que tiene que luchar por su vida después de haber sido herido durante una misión en la guerra de Vietnam. Repitió con Michael Caine y el director Christopher Nolan en el Truco Final, The Prestige, una adaptación de la novela de Christopher Priest sobre una rivalidad entre dos magos del escenario en la época victoriana en la que también aparecen Hugh Jackman (aunque Christian se lo come con patatas, interpretativamente hablando) y Scarlett Johansson. La idea de la película en un principio era buena, pero la parte final desinfla gran parte de la magia (y nunca mejor dicho) de la trama. También participó en I'm Not There, una reflexión artística sobre la vida de Bob Dylan, por la que Cate Blanchett fue nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto. Y por último protagonizó con Russell Crowe un exitoso western, remake del clásico 3:10 to Yuma.
Actualmente está en rodaje con la película Public Enemies dándole la réplica a Johnny Depp , también aparecerá en la película "Terminator Salvation: The Future Begins" en el papel de John Connor, y además, este año terminó de rodar la secuela de Batman Beguins, The Dark Knight (El Caballero Oscuro), dirigida también por Nolan y conservando prácticamente mismo reparto de la primera, con la incorporación de Maggie Gyllenhaall como la abogada Rachel Dowes y el tristemente hace poco fallecido Heath Ledger como el Joker. Bale explicó sobre su interpretación en The Dark Knight: “Batman es su oculta faceta llena de rabia demoníaca. La criatura (Batman) que Bruce Wayne crea es una criatura absolutamente sincera y que debe controlar pero Wayne lo hace de una manera muy caótica. Es capaz de actuar con violencia, incluso de matar, así que debe controlarse constantemente.” La carrera cinematográfica de Christian Bale es tremendamente prolífica, a pesar de tener tan sólo 34 años, cuenta ya en su haber con 38 películas y muchas ya son auténticos clásicos del cine como El imperio del sol, Mujercitas, American Psycho..., tiene una manera de trabajar muy característica y personal. Ha impresionado por su enorme calidad interpretativa no sólo al público, sino también a directores (durante el rodaje de Rescue Dawn, el director, Werner Herzog quedó impresionado con Christian: "Es uno de los mejores talentos de su generación, nos dimos cuenta de ello mucho antes del éxito de Batman" ), críticos (“Christian Bale actúa de una manera especial: permite al personaje introducirse en él, sin dejar rastro de Bale mismo dentro, y eso es una marca de buen actor”) y otros distinguidos compañeros suyos de profesión ("Es realmente un actor con mayúsculas").Tanto su peculiar habilidad para imitar cualquier acento en inglés, ya sea británico, americano, irlandés, escocés; como su manera de trabajar tan característica y personal, demostrando gran capacidad y versatilidad a la hora de actuar, metiéndose de lleno en cada uno de sus papeles, metamorfoseándose con maestría impecable, ya sea en papeles de bueno, de malo, secundario o principal, dramas, comedias, musicales, tanto en filmes independientes, como en taquillazos, ha hecho que se le considere uno de los mejores actores de su generación.
Como él mismo dijo en una entrevista: "Me gusta el tipo de papeles donde puedo impregnarme de lleno en la psicología del personaje". Creo que esta frase describe a la perfección la pasión que siente por su trabajo.

Tremendamente reservado con su vida privada, Christian conoció en 1994 a la que es ahora su mujer y madre de su hija Emmaline (nacida el 27 de marzo de 2005), Sandra "Sibi" Blazic, gracias a Winona Ryder, que se la presentó, ya que Blazic trabajaba como su asistente personal por aquella época.
Le encantan los animales (tiene varios perros, gatos, que incluso ha recogido él mismo de la calle), es un ávido lector, y como lo fue su padre, es conocido por su incesante actividad en defensa de los animales y el medio ambiente, colaborando en muchas organizaciones como Ark Trust, Greenpeace, WWF y la Fundación Dianne Fossey, entre otras.

Además de talento, Christian tiene un físico muy destacable: alto (mide 1,85 metros), atractivo (hecho innegable), elegante y con carisma. En el año 1998 la revista Premiere le nombró uno de los "Actores más atractivos menores de 30", e incluso en 2007, la revista Empire le eligió como una de las 100 estrellas de cine más sexys en la historia del cine, apareciendo en el número 13 de la lista. ¿Por qué será que no me extraña?

¡Hola de nuevo a mis lectores! Sé que he estado mucho tiempo ausente, pero ha sido por falta de tiempo, que no por falta de ganas. Y como quería volver a lo grande, os dejo mi artículo sobre Audrey Hepburn, una de las mejores y más completas actrices que ha dado el mundo del cine.

Edda Kathleen Hepburn-Ruston Van Heemstra, más conocida por Audrey Hepburn, nació en Ixelles, una comuna de Bruselas el 4 de mayo de 1929. Aunque estudiaba en Inglaterra, en realidad residía en Holanda, con sus padres, un banquero inglés, Joseph Hepburn-Ruston y una aristócrata holandesa, Ella van Heemstra, y sus dos hermanos. Pero en 1935 los padres se divorciaron y Audrey, que tenía apenas 6 años, dejó su colegio en Londres y volvió a Holanda, con su madre.

Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, en 1939, y los alemanes ocuparon Holanda, la vida se convirtió en un infierno para Audrey y su familia. Uno de sus hermanos fue llevado a un campo de concentración. El otro se perdió en los ataques de resistencia y un tío y un primo fueron fusilados. Incluso ella misma colaboró como correo de la resistencia contra los nazis. Cuando acabó la guerra, la vida en cualquier sitio de Holanda era prácticamente imposible, así que se trasladó a Inglaterra con su madre, para comenzar su educación artística.

En Londres estudió Danza y Arte Dramático en la Marie Rambert School, y trabajó como modelo y poco después como bailarina teatral, e incluso como actriz, realizando pequeños roles en diversas películas. Su primer contacto con el cine fue en 1948 y le sirvió para adquirir experiencia y para poder presentarse con éxito en Broadway. Consiguió el papel principal de la obra musical Gigi, que estuvo seis meses en cartel, y en 1951 actuaba ya en películas, siempre como extra, claro está. Es una lástima que no existan filmaciones de este musical, habría sido curioso verla interpretando, y a la vez cantando ese papel que años más tarde inmortalizaría a Leslie Caron. Pero el salto definitivo al cine lo dio en 1952, cuando el director William Wyler le ofreció protagonizar una deliciosa comedia que más tarde le reportaría su primer Oscar como actriz principal, Vacaciones en Roma, con Gregory Peck como co-protagonista. Gracias a esta película triunfó en el mercado estadounidense, firmando un contrato con la Paramount, y demostrando ser, no sólo una mujer de singular belleza y elegancia, sino además, una buena actriz. A partir de ese momento, Audrey se convirtió en una de las actrices más populares y solicitadas en Hollywood, comenzó a filmar sin parar, realizando algunas inolvidables interpretaciones en películas como la dulce Sabrina de Billy Wilder en 1954, Guerra y Paz, en 1956, o incluso en papeles más dramáticos en Historia de una monja (1959, de Fred Zinneman), la inolvidable Desayuno con diamantes (1961, de Blake Edwards), Charada (1963, de Stanley Donen ), el musical My Fair Lady, en 1964 o Sola en la oscuridad, (1967, de Terence Young), y trabajando con los mejores actores del momento Cary Grant, Humphrey Bogart, George Peppard, o Rex Harrison, entre otros. Cuatro de estas películas (Sabrina, Historia de una monja, Desayuno con diamantes y Sola en la oscuridad) le valieron otras tantas nominaciones a los Oscar como mejor actriz. Personalmente, también le habría concedido ese mismo premio por su brillante interpretación de Eliza Doolittle en My Fair Lady, una de sus mejores películas. Sin embargo la Academia creyó más acertado brindarle ese honor a Julie Andrews por su papel en Mary Poppins... ¡Vivir para ver!

En el viejo continente también obtuvo varios premios: en 1958 logró el premio a la mejor actriz en el Festival de San Sebastián y el Bafta Británico en la misma categoría por Historia de una monja (repetiría este premio en 1963 por Charada).

Audrey Hepburn no sólo encandiló al público que acudía en masa a los cines; también deslumbró en el mundo de la moda. Fue en 1952, cuando conoció a Hubert de Givenchy, un apuesto diseñador que trabajaba para Dior. En seguida, Givenchy se convirtió en su mejor amigo y el creador del «look Audrey», realzando la belleza de la actriz. En la época en la que las actrices de aspecto más voluptuoso, como Marilyn Monroe, Jane Russel, o Betty Grable, reinaban en las pantallas, ella aportó al cine un encanto nuevo; sus ojos alegres de gacela y sus largas piernas daban elegancia y esbeltez a su aparente (y sólo aparente) fragilidad, combinada con una fuerza interior y una inteligencia fuera de lo común. Su personalidad y su estilo fueron dignos de una época inolvidable. Y aún hoy en día sigue siendo un icono de la moda y del cine: en este mismo año se subastó un traje que lució la actriz en la película Desayuno con diamantes por un precio de 467.200 libras (unos 700.500 euros) destinando el dinero a un proyecto, impulsado por el escritor Dominique Lapierre, para dos escuelas en Bengala.

En 1954, su compañero de reparto en Sabrina, Gregory Peck, le presentó a un viejo amigo suyo, el actor, director y escritor Mel Ferrer, del cual se enamoró y con el que más tarde se casó el 25 de septiembre del mismo año. El 17 de julio de 1960 nació su hijo Sean, pero meses después el matrimonio se vio consternado ante la pérdida de otros cinco embarazos y en noviembre de 1968, después de quince años de matrimonio, se divorciaron.
En enero de 1969, se casó nuevamente con, Andrea Dotti, un psiquiatra italiano. De este matrimonio nació su hijo Luca Andrea, el 8 de febrero de 1970. Pero pronto le llegarían problemas a Audrey, al tener que soportar las continuas infidelidades en su vida conyugal, lo que le llevó a un irremediable divorcio, en 1976. Después de quince años de éxitos sobresalientes en el cine, se retiró temporalmente para ocuparse de sus dos hijos durante algunos años, regresando con la historia final de Robin Hood, en Robin y Marian (1976), un film dirigido por Richard Lester. Después de la cual en 1979 filma, en Nueva York, Lazos de Sangre, con Omar Sharif y Ben Gazzara. En 1983, la Academia de Hollywood decide galardonarla con un premio honorífico a toda su carrera: el Oscar humanitario Jean Hersholt por su labor como embajadora permanente de UNICEF. Su última actuación fue con el ya consagrado director, Steven Spielberg, en Always (1989), donde daba vida a un ángel, papel que le iba a la perfección, haciendo que el espectador evocara la frase que más tarde se utilizaría en su funeral: "Si en el cielo existen los ángeles, estoy convencido de que deben tener los ojos, las manos, el rostro y la voz de Audrey Hepbrun". Pero su papel más importante en la vida estaba por venir: En 1988 fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad de UNICEF, y viajó por todo el globo demostrando su dedicación, por encima de su propia salud, ayudando a los niños necesitados que, como ella durante su infancia, sufrían guerras, enfermedades y hambruna en los países más pobres. Los viajes a Sudán, El Salvador, Guatemala, Honduras y Vietnam marcaron los últimos años de su vida, demostrando una generosidad (ella misma estaba enferma de cáncer), una valentía y una solidaridad extraodinarias. Audrey aplicó ese conocimiento de primera mano para informar a la Asamblea especial de las Naciones Unidas, compartió detalles con varias asociaciones de prensa, y recaudó fondos en nombre de los niños en muchos parlamentos del mundo.

En 1993, Sean H. Ferrer, Luca Dotti (los hijos de Audrey) y Robert Wolders (su compañero) crearon la The Audrey Hepburn Memorial Fund en los Estados Unidos para UNICEF, con el fin de conmemorar los esfuerzos humanitarios que hizo como Embajadora de Buena Voluntad en UNICEF. Sean Ferrer actualmente gestiona la fundación, que hasta la fecha, ha recaudado más de 1 millón de dólares para programas educacionales en Eritrea, Ethiopia, Rwanda, Sudan y Somalia. Cabe destacar la estatua que erigieron en su memoria, situada en la sede UNICEF de Nueva York, e inaugurada en el año 2000.
Sus últimos días los pasó acompañada de Robert Wolders en su casa de Suiza, hasta que falleció de cáncer de cólon el 20 de enero de 1993.
Pero el mundo no ha olvidado su sonrisa cautivadora, su belleza grácil y etérea, su figura esbelta y tenue, inmortalizada en el tiempo, una actriz versátil, capaz de ahondar en el drama, destacar en la comedia y en los musicales. Sin duda, una mujer con una personalidad remarcable que supo dejar su impronta allá donde iba: en el cine, en la moda e incluso en la vida de aquellos que menos suerte tienen en la vida: los pobres y enfermos. Cualidades todas ellas, que dignificaron su ya sencilla, humana y noble forma de entender la vida.

"Lo más importante en esta vida es disfrutarla, ser feliz, eso es lo que importa." Audrey Hepburn. Razón no le falta, ¿verdad?

Always (Para siempre) (Always, 1989)
Todos rieron (1981)
Lazos de sangre (1979)
Robin y Marian (1976)
Sola en la oscuridad (Wait Until Dark — 1967)
Dos en la carretera (1967)
Cómo robar un millón (1966)
My Fair Lady (1964)
Encuentro en París (1964)
Charada (Charade — 1963)
La calumnia (1961)
Desayuno con diamantes (Breakfast at Tiffany's — 1961)
Los que no perdonan (1960)
Historia de una monja (1959)
Mansiones verdes (1959)
Ariane (1957)
Una cara con ángel (1957)
Guerra y paz (War and Peace — 1956)
Sabrina (1954)
Vacaciones en Roma (Roman Holiday — 1953)
Americanos en Montecarlo (1952)
The Secret People (1952)
Monte Carlo Baby (1951)
One Wild Oat (1951)
Young Wives' Tale (1951)
Risa en el paraíso (1951)
Oro en barras (1951)
Dutch in Seven Lessons (1948) ocumental)

Carlo Ponti, el productor italiano, que financió más de 150 películas, incluyendo "La Strada" y "Doctor Zhivago," y quien probablemente fue el hombre más envidiado en el mundo, como marido y mentor de la bellísima actriz Sofia Loren, murió el 10 de enero a los 94 años en un hospital en Ginebra.

Ponti nació el 11 de diciembre de 1910, en Magenta, Italia, y estudió Derecho en la Universidad de Milán. Después de graduarse, practicó el derecho antes de empezar la producción de películas a finales de los años 30. Empezó a trabajar en el Despacho de abogados de su padre en Milán y sin pretenderlo se encontró envuelto en contratos y asuntos legales sobre la producción de un film. A raíz de su buen trabajo, un cliente le ofreció trabajo en su productora, sin embargo Ponti tenía otros planes más ambiciosos: crear una productora propia

Intentó establecer una industria cinematográfica en Milán en 1940, pero después de infructuosos esfuerzos, Ponti aceptó una oferta de Lux Films company en 1941, donde produjo una serie de films con éxito comercial, con protagonistas como el comediante Totó. Su primera producción para Lux fue "Picco Mondo Antico" (Pequeño Mundo Antiguo) un drama histórico hecho en 1941 y dirigido por el prolífico director, escritor y actor italiano, Mario Soldati, con Alida Valli como protagonista. El film coincidió con la guerra de los italianos contra los austriacos a causa de la inclusión del Noreste de Italia en el Reino de Italia, durante el Resurgimiento, y tuvo muchísimo éxito, ya que fue fácil para el público imaginar a los austriacos como alemanes, durante la Segunda Guerra Mundial. Como resultado, Ponti fue encarcelado por un breve espacio de tiempo por ser sospechoso de "entablar relaciones" con la Alemania Nazi. Unos años más tarde, Ponti produjo una versión del clásico de Victor Hugo "Les Miserables", con el popular actor Gino Cervi como el buscado Jean Valjean. Expandió su área de producción para incluir dramas de tradición neo-realista con actores inexpertos y sin formación, ésto incluyó "Without Pity" (1948), film que relataba un affaire entre un GI afroamericano y una mujer italiana.

Ya en 1950, formó una sociedad productora con Dino De Laurentiis, la "Ponti-De Laurentiis". Consiguieron firmar un contrato de tres películas con Anthony Quinn, que empezó actuando en películas épicas como "Attila" y "Ulysses." La tercera colaboración de este magnífico actor resultó ser una de las películas más recordadas del cine, "La Strada" (1954) de Fellini con Quinn como un hombre que abusa de su mujer, interpretada por la actriz italiana Giulietta Masina. Y auque Fellini negó la participación de Ponti en la película, y dijera que "La Strada" fue realizada a pesar de las reticencias de Ponti y De Laurentiis, la película tuvo un enorme éxito de taquilla y crítica, tanto que ganó un Oscar como la película de habla no inglesa, y convirtió a Anthony Quinn, previamente considerado un actor de "peso ligero" en una estrella dramática.

Pero Ponti y De Laurentis tenían grandes ambiciones para hacer películas y poder llegar a un mercado amplio, lo que les llevó a producir películas de gran presupuesto como "Guera y Paz" (1956), con un reparto internacional encabezado por Henry Fonda y Audrey Hepburn y la que se convertiría en su producción más popular y más satisfactoria a nivel financiero, la archiconocidísima "Doctor Zhivago", el clásico dirigido por David Lean en 1965, película que cautivó no solamente por su calidad a nivel interpretativo, sino también por su maravillosa fotografía y banda sonora. Ponti tuvo problemas a la hora de ponerse de acuerdo con Lean para elegir la actriz principal y Lean en seguida notó cómo Ponti anulaba su opinión, ya que lo que quería Ponti era tener a Loren como Lara Antipova, la protagonista femenina. Lean le dejó claro a Ponti que quería una Lara que pudiera representar una inocente colegiala de 16 años, añadiendo "Si alguien me convence de que Loren es virgen, dejaré que haga el papel". Eso aparentemente fue suficiente para persuadir a Ponti para que permitiera que Julie Christie obtuviera el papel.

Al final de la década de los 50, se trasladó a Hollywood para producir en la Paramount las primeras películas americanas de su esposa: "Orquídea negra" (M. Ritt, 1959), "Esa clase de mujer"(S. Lumet 1959), "El pistolero de Cheyenne" (G. Cukor, 1960) y "Dos mujeres"(V. de Sica, 1962), convirtiéndo a Loren en la primera actriz italiana en ganar el Oscar a la mejor actriz, interpretando a una madre luchadora durante la guerra, papel que la consagró como actriz dramática ante la crítica. Por aquella época Ponti también trabajaba simultáneamente en Europa produciendo muchas películas europeas, mayoritariamente francesas, que luego se convirtieron en clásicos de la Nouvelle Vague, un estilo particular de hacer cine con una técnica narrativa innovadora que también rendía homenaje a los géneros de Hollywood.

A principios de los años 60 De Laurentis y Ponti produjeron entre otros, films del conocidísimo director Jean-Luc Godard, "A Woman Is a Woman" y "Contempt" , así como de Jean-Pierre Melville y Claude Chabrol, además de grandes películas, que se convertirían más tarde en grandes clásicos de la historia del cine, como por ejemplo "Boccaccio '70,"(1962) en la cual había fragmentos dirigidos por De Sica, Fellini, Mario Monicelli y Luchino Visconti, en la que Sofia Loren apareciendo como la chica por la que se peleaban los protagonistas masculinos en una escena. También destacan entre sus producciones la famosísima comedia "Matrimonio a la Italiana" en 1964, a la que más tarde les seguirían cuatro films notables: las ganadoras de un Oscar "Ayer, Hoy y Mañana” en 1965 de Vittorio de Sica, y la checa dirigida por Jiri Menzel "Closely Watched Trains" en 1966, película que satirizaba el régimen comunista contemporáneo, además de "Blow up" de Michelangelo Antonioni en 1966, "Zabriskie Point" en 1970 y "The Passenger" en 1974 con Jack Nicholson como co-protagonista.

Unos años antes Ponti también dió apoyo financiero a otro director, Milos Forman, para otra película checa, "The Firemen's Ball," (1967) que atacaba la burocracia Soviética. Después de ver la versión final de la película Ponti rescindió su inversión de $65,000 y Forman nunca le perdonó. Barrandov Studios, que co-financiaban la película, amenazaron a Forman con encarcelarle por "sabotaje económico". Ponti odiaba la película, aunque su pretexto oficial era que la duración era dos minutos más corta que lo que estaba estipulada en el contrato," dijo Forman, quién años más tarde ganó un Oscar por dirigir "Alguien voló sobre el nido del cuco". Sólo una inversión en el último minuto por los directores franceses Francois Truffaut y Claude Berri salvó el proyecto. La reputación de Ponti por ejercer gran control en los proyectos le llevó a tener muchos enfrentamientos con algunos directores.

Ponti también causó mucha controversia cuando tuvo una serie de problemas con el fisco italiano y fue arrestado en 1979 por contrabando de dinero y de obras de arte fuera de Italia. Fue multado con 22 billones de liras y sentenciado a cuatro años de prisión. Cuando fue llamado a declarar en juicio no acudió y su nacionalidad francesa le hizo inmune a la extradición. Finalmente en 1990, fue absuelto de todos los cargos.
En sus últimos años era productor de series de televisión, entre las cuales destacaron "Sabato, domenica, lunedi" de Lina Wertmüller y en 1998 "Liv", de su propio hijo, Eduardo Ponti.

En lo tocante a su vida personal, Ponti siempre fue discreto, aún a pesar de los problemas que tuvo para poder ser feliz. En 1946 se casó con Giuliana Fastri, pero en 1950, mientras servía como juez en un concurso de belleza, conoció a una actriz adolescente de pequeña categoría llamada Sofia Lazzaro. En aquella época él era un productor con bastante renombre que había dado a conocer a bellezas italianas como Alida Valli y Gina Lollobrigida, así que la incluyó en algunos filmes suyos como "Anna" en 1951, y enseguida la convirtió en una de las estrellas más glamourosas del cine. En 1952 su amigo, Goffredo Lombardo, jefe de Producción en Titanius, cambió el apellido de Sofia, Lazzaro, por Sofia Loren.

En 1957, Ponti obtuvo en México el divorcio de su primera mujer y a través de sus abogados, se las arregló para casarse con Sofía en Méjico, matrimonio que ni la iglesia católica ni el gobierno italiano reconoció. El divorcio estaba prohibido en Italia, así que le informaron de que podría ser acusado de bigamia si volvía a Italia, y a Sofía Loren podría ser acusada de concubinato, así que tuvieron que anular el matrimonio cinco años más tarde. Incluso un periódico del Vaticano les declaró "pecadores públicos", pero los cargos de bigamia contra Ponti fueron desestimados y en 1960 Ponti y Loren cuando volvieron a Italia y comparecieron ante el tribunal, negaron estar casados. Ya en 1965 el matrimonio Ponti se convirtieron en ciudadanos franceses y Giuliana Ponti se divorció de su marido, permitiendo así a Ponti casarse con Sofía Loren en 1966.

Loren declaró en público su amor por Carlo Ponti y dijo que una de sus mejores cualidades era la discreción. Raramente habló sobre sus films, menos todavía de su vida personal con Sofía Loren. Tuvo tres hijos: Carlo que fue un actor de niño y ahora se ha convertido en director musical del la sinfonía San Bernardino (una de las más antiguas y prestigiosas), Alessandro, productor de filmes como su padre, Eduardo, director de películas y una hija, Guendolina.

"He hecho todo por amor a Sofía," Dijo Ponti en 2002. "Siempre he creído en ella."

Academy Awards, USA

1966
Nominated Oscar Best Picture for: Doctor Zhivago (1965)

David di Donatello Awards

1967
Won David Best Foreign Production (Migliore Produzione Straniera)
for: Doctor Zhivago (1965)

1965
Won David Best Production (Migliore Produzione)
for: Matrimonio all'italiana (1964)

1964
Won David Best Production (Migliore Produzione)
for: Ieri, oggi, domani (1963)
Tied with Sedotta e abbandonata (1964) and Ragazza di Bube, La (1963).

Italian National Syndicate of Film Journalists

1955
Won    Silver Ribbon   Best Producer (Produttore del Miglior Film)
for: Strada, La (1954)
Shared with:
Dino De Laurentiis

•Piccolo Mondo Antico (1940)
•Europa '51 (1952)
•Carosello napoletano (1954)
•La Strada (1954)
•Mambo (film) (1954)
•Un americano a Roma (1954)
•L'oro di Napoli (1954)
•Attila (1954)
•War and Peace (1956)
•Il ferroviere (1956)
•The Black Orchid (1958)
•That Kind of Woman (1959)
•Heller in Pink Tights (1960)
•A Breath of Scandal (1960)
•Two Women (1960)
•Lola (1961)
•A Woman Is a Woman (1961)
•Léon Morin, prêtre (1961)
•Cléo from 5 to 7 (1962)
•Boccaccio '70 (1962)
•Le Doulos (1962) y L'isola di Arturo (1962)
•Les Carabiniers (1963)
•Contempt (1963)
•Yesterday, Today and Tomorrow (1963)
•Marriage Italian Style (1964)
•Operation Crossbow (film) (1965)
•The 10th Victim (1965)
•Doctor Zhivago (1965)
•Closely Watched Trains (1965, uncredited)
•Blowup (1966)
•The Firemen's Ball (1967, uncredited)
•Smashing Time (1967, uncredited)
•Zabriskie Point (1970)
•What? (1972)
•Flesh for Frankenstein (1973)
•The Passenger (1974)
•L'Infermiera (1975)
•Brutti, sporchi e cattivi (1976)
•The Cassandra Crossing (1976)
•A Special Day (1977)

Aprovechando que la película de fantasía Eragon está actualmente en los cines, quería dedicar mi primera crónica en el perfil a ese gran actor británico que es Jeremy Irons.

Tengo que confesar mi debilidad por este intérprete tan versátil, de la gran escuela teatral británica. Brillante en sus interpretaciones, siempre dando lo mejor de sí mismo en el papel, físicamente alto y atractivo, sabe hacer muy buen uso de esa elegancia innata que le hace mantenerse siempre en la cresta de la ola y le ayuda a cautivar a su fiel público, no en balde está considerado como uno de los mejores actores de su generación. Es curioso, porque este artista en su infancia lo que más le atraía era el mundo de la música, no el de la interpretación. De hecho empezó como músico callejero llegando incluso a formar en los años 60 su propio grupo de música The Four Pillar of Wisdom (los cuatro pilares de la sabiduría), en el que tocaba la batería. Solían interpretar en aulas que normalmente se utilizaban para las clases de laboratorio de física, para entretenimiento de los chicos que tenían que quedarse los domingos por la tarde en el colegio. También era conocido en la Abbey House como la mitad de un dueto cómico con el que representaban funciones en Halloween.

Sin embargo el destino le llevó por otros derroteros, ya que acabó estudiando en la Sherbourne School e ingresó en la prestigiosa escuela de Teatro Bristol Old Vic (de la que actualmente es Presidente de la Fundación de la misma) de Bristol, donde fue contratado a los dieciocho años como intérprete de obras de Shakespeare, Gogol y Harold Pinter. Viajó en diversas ocasiones a Londres hasta que obtuvo el papel de Juan El Bautista en "Godspell" y luego se dedicaría algún tiempo a la dirección.

Tras varias apariciones en la televisión británica, su debut en el cine se dio en 1980 en "Nijinsky" de Herbert Ross, definiéndose artísticamente tras la interpretación de sus dos mejores papeles: el de la serie televisiva "Retorno a Bridshead" y en 1981 con “La mujer del teniente francés”, con la que dio su salto definitivo al cine de la mano del director H. Pinter, compartiendo además cartel con una joven Meryl Streep.

Después apareció esporádicamente en otras películas durante esa década, incluyendo La Misión, (1986) de Roland Joffé, en la que compartió protagonismo con Robert de Niro, dando a su papel una sensibilidad y cuidado notable, y con el que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1986. También destacó en su doble papel en Dead Ringer's en 1988 a las órdenes de David Cronenberg. En ese mismo año también participó en "El misterio de von Bülow" de Barbet Schroeder por la que consiguió un Oscar a la mejor interpretación masculina y después de muchas nominaciones, un Globo de Oro.

Pero Irons también hizo teatro, algo imprescindible para un actor inglés, ganando en 1984 un Tony Award por su interpretación en Broadway dándole la réplica a Glenn Close en The Real Thing.

Otras películas que siguieron más tarde fueron Reversal of Fortune (1990) (con la cual ganó el premio de la Academia por Mejor Actor), Kafka (1991), Damage (1993), La casa de los Espíritus (1993), en la cual repetía con Glenn Close y Meryl Streep, La Jungla de Cristal: La Venganza (1995), Belleza Robada de Bernardo Bertolucci, seduciendo a una debutante Lyv Tyler (1996), en 1997 con Lolita (un remake de la novela de Nabokov), en la que interpretaba al inquietante profesor Humbert Humbert y también como el mosquetero Aramis en la versión adaptada de El Hombre de la Máscara de Hierro en 1998.

Uno de sus mejores y más conocidos papeles fue el que realizó en 1994, prestando su voz a Scar, el malvado asesino y usurpador del trono, en el clásico de Disney, El Rey León. El resultado fue tan bueno que desde entonces Irons ha prestado su voz como narrador para dos atracciones del parque Disney World. Tengo que confesar mi afición por este papel, creo que Irons lo bordó, es más, creo que de todos los malos de la factoría Disney, es mi favorito.

En el 2005 apareció en Casanova con Heath Ledger y El Reino de los Cielos, de Ridley Scott. También en 2005, Irons ganó un Emmy por su papel secundario en la mini serie de televisión Elizabeth I. Actualmente se le puede ver en el escenario del West End londinense en la obra de teatro Embers.

El 18 de Julio de 2006, la BBC anunció que Irons sería uno de los participantes en la tercera parte de la serie documental ¿Quién Crees que eres? También en este último año ha estrenado Eragon, en la que interpreta al cuentacuentos Brom, en un papel como mentor del joven protagonista al que ayuda a encontrar su destino.

Como buen artista polifacético, Irons dirigió un vídeo musical en 1985, para el single "Tired of Being Blonde" (cansada de ser rubia) de la cantante Carly Simon, y a pesar de que la canción no fuera un éxito de masas, el vídeo destacó en la MTV y en otras cadenas musicales de la televisión. Y aunque al público le encanta sus dotes para las artes musicales, él declaró en una ocasión que "canta como un actor y baila como un pato”. ¿Alguien se lo cree? Yo no.

Irons también demostró tener una conciencia solidaria cuando en la ceremonia de los premios Tony en1991 se convirtió en el primer actor célebre en llevar el lazo rojo como símbolo de apoyo a la lucha contra el SIDA. También apoya a otras muchas instituciones de caridad, incluyendo el Prison Phoenix Trust del cual es un colaborador muy activo.

Dato curioso para los fanáticos de Harry Potter (entre los que me incluyo): Jeremy Irons interpretó al profesor Severus Snape en la parodia de "Harry Potter and the Secret Chamberpot of Azerbaian" publicada en Comic Relief's. Jeremy, los fans cinéfilos te adoramos, pero si hay algún actor que identifiquemos con el papel de Severus Snape, ese es Alan Rickman.

El premio que ha recibido más recientemente (de los muchos que ha ido recibiendo en su dilatada carrera) es el Lifetime Achievement Award of the European Film Academy, por ser una persona cuyo trabajo ha ayudado a contribuir de manera muy especial al mundo del cine, dando todo de sí mismo en sus papeles. Sus fans todavía estamos esperando por ese Oscar Honorífico en honor a toda su carrera.

Hombre de familia, se ha caracterizado siempre por la discreción en su vida personal. Actualmente está casado con la actriz irlandesa Sinéad Cusack, y es padre de dos hijos, Samuel James Irons (nacido el 16 Septiembre de 1978) y Maximilian Paul Irons (nacido el 17 Octubre de 1985), ambos han aparecido en algunas películas con su padre.

Su nombre completo es Jeremy John Irons. Nació en Cowes, Isle of Wight, el 19 de septiembre de 1948.

Oscars
Año Categoría Película Resultado
1990 Oscar al mejor actor El misterio Von Bullow Ganador

Globos de Oro
Año Categoría Película Resultado
1990 Globo de Oro al mejor actor - Drama El misterio Von Bullow Ganador
1986 Globo de Oro al mejor actor - Drama La misión Candidato
1982 Globo de Oro al mejor actor - Miniserie o telefilme Brideshead Revisited Candidato

FILMOGRAFÍA

Reversal of Fortune.Nijinsky (1980)
The French Lieutenant's Woman (1981)
Brideshead Revisited (1981)
Moonlighting (1982)
The Wild Duck (1983)
The Mission (1986)
Dead Ringers (1988)
Danny Champion of the World (1989)
Australia (1989)
Reversal of Fortune (1990) (Academy Award for Best Actor)
Damage (1992)
The Timekeeper (1992)
M. Butterfly (1993)
The House of the Spirits (1993)
The Lion King (1994) (voice)
Die Hard: With a Vengeance (1995)
Stealing Beauty (1996)
Chinese Box (1997)
Lolita (1997)
The Man in the Iron Mask (1998)
Faeries (1999) (voice)
Dungeons & Dragons (2000)
The Night of the Iguana (2001)
The Time Machine (2002)
Callas Forever (2002)
Being Julia (2004)
The Merchant of Venice (2004)
Kingdom of Heaven (2005)
The Magic 7 (2005) (TV)
Elizabeth I (2005) (TV) (Emmy Win for Outstanding Supporting Actor in a Miniseries or Movie)
Casanova (2005)
Eragon (2006)
INLAND EMPIRE (2006)